Inauguro una nueva categoría, el apartado musical que tanto se estila en los blogs vandálicos y en el que iré añadiendo mis aportes de vez en cuando, tomando cada vez un juego diferente, según me dé.

Voy a empezar por una obra que corresponde a la etapa dorada de Squaresoft en la que trabajó la siempre magnífica Yoko Shimomura, y no es otra que la primera parte de Parasite Eve, esa insólita mezcla de RPG y survival horror clásico. Empecé una partida recientemente ya que pude conseguirlo gratis con una promoción de la Store USA, y aunque la tengo a medias, he podido refrescar algunas de sus piezas.



La más completa e impresionante me sigue pareciendo la composición principal, a ser posible en esta versión orquestada que venía en la OST. Dicha orquestación le da más cuerpo a las teclas, que ya de por sí tienen una gran importancia al ser ejecutada casi en su totalidad para dos pianos.



Otro que no puede faltar es el tema de nuestra querida Aya Brea, que contiene una de las melodías más características del juego, siempre provocando esa sensación de misterio que lo rodea.

El resto de la banda sonora no es ni de lejos tan "conservadora". Shimomura utilizó este experimento de Square en el campo del terror para innovar, probando a mezclar ciertos estilos que le sientan como un guante al proyecto como es el caso de la ópera, con otros aparentemente incompatibles como es la música electrónica, dando lugar a una curiosa receta con la que consiguió conferir una gran personalidad al juego.

Muchos de ellos siguen más la estela ambiental de los survival horror que el intencionado protagonismo de la música de los RPG, motivo por el cual no son tan dadas a escucharse por separado, pero dejaré un buen ejemplo que ilustra esa tendencia.



Curiosamente, años más tarde para Code Verónica apostarían por un estilo muy similar para las composiciones, por lo que aquí encontraréis un buen precedente de esa fórmula.

Ansioso estoy por escuchar el trabajo completo de Shimomura en Final Fantasy Versus XIII, no me cabe duda que tendrá una calidad envidiable.

Si hace tan solo unos cuatro meses hablaba de mi insistencia en la inútil búsqueda de la vieja edición integral de El Incal con el color original, casualmente la misma Norma Editorial nos sorprendía a finales de octubre lanzando una nueva edición que recupera ese color perdido en la esperpéntica edición de 2007.

Por si fuera poco, esta nueva edición ha recibido una importante bajada de precio respecto a las anteriores ediciones (que salieron a 38 y 36 euros respectivamente), pasando a costar 28€. Así que poco he tardado en hacerme con ella en cuanto me he enterado, que fue hace cosa de un par de días mirando cosas en la página de la Fnac.

Recupera la portada original de la edición integral, aunque con ligeros cambios en la tipografía, que ahora es más grande y en color blanco en lugar del verde anterior. Se aleja por tanto de las revisiones que recibió la portada en ediciones posteriores, como es el caso de la 3ª edición o la edición recoloreada. Además como novedad incorpora un típico marcador de cinta roja.

He hecho esta comparativa entre las distintas ediciones para ver las diferencias. Además de recuperar el color original lo han mejorado ligeramente, adquiriendo mayor definición, y han hecho pequeños cambios en la tipología de los textos.

Dejo unas páginas escaneadas:




Que conste que esas rayas que salen son cosa del escáner.

En definitiva, nos encontramos ante una edición óptima de la obra de Jodo y Moebius, por lo que recomiendo totalmente su compra. Parece que por fin se han dado cuenta del estropicio que hicieron, han despedido a Valérie Beltran (bueno, eso no lo sé, pero estaría bien que no volviese a colorear) y han recuperado el valioso trabajo realizado por Yves Chaland, Isabelle Beaumeney-Joanner y Zoran Zanjetov bajo la supervisión de Mr. Jean Giraud durante la década de los 80.

Supongo que todos tenemos alguna debilidad videojueguil, una saga que nos hace comprar consolas y coleccionar todo tipo de merchandising y material relacionado cueste lo que cueste. El problema viene cuando empiezas a darte cuenta que esa franquicia se está corrompiendo, empieza a perder los elementos que tanto te gustaban, pero sin embargo, no eres capaz de pasar página.

Eso es lo que me ocurre a mí con Resident Evil, que si bien empezó a cambiar a raíz de la cuarta entrega en lo que es el planteamiento de juego, dichos títulos han seguido siendo notables, pues incluso el tan odiado Resident Evil 5 me gusta y me ha dado buenas horas de diversión en cooperativo. Pero ahora la cosa cambia, eso de encargarle a un estudio occidental que lo convierta en un shooter 100% ya no hace gracia, de hecho no me ha gustado nada lo que se ha visto y había decidido olvidarlo por completo.

¿Pero qué es lo que va a suceder en realidad? Pues que voy a caer, sé que lo voy a terminar comprando me guste o no, por mucho que sea un cagarro que únicamente lleve ese nombre y use a esos personajes. Pero cuando pienso en que es Raccoon City, que siguen saliendo las mismas criaturas e incluso puede que sea divertido...


Para colmo hace poco ví esta portada, que parece ser la oficial y mola bastante. Es que es ver a Mr. X al fondo y dispararse mi interés, sumando además las escenas que han recreado imitando a las de Resident Evil 2 para que los fans débiles como yo no podamos resistir.

Por suerte Revelations sí tiene buena pinta, a ver si Resident Evil 6 tira por esos derroteros o incluso pueden hacerlo más aventurero, a pesar de que lo dudo mucho. Mientras, igual me toca tragarme este Call of Duty de los Umbrella Security Service, me temo que no podré resistir a la tentación de probar el próximo Resident Evil en sobremesa.

Al encender esta tarde el equipo de música, he notado un leve ruido en la bandeja del CD, y por miedo a rayar algún disco, he decidido poner un poco de música con otro de los formatos de los que dispongo: el cassette.

Por norma general lo que más manejo son CD's y vinilos, pero siempre me encantó eso de formar mis propios recopilatorios usando cintas TDK, algo que seguramente hemos hecho todos los de mi época. Así que buscando entre las que conservo he dado con algunos de esos recopilatorios y otras cintas originales. Todo esto me ha despertado aquella vieja admiración por el ritual que conlleva, y me ha hecho lamentarme por no disponer ya del reproductor característo, el icono de los 80 que nos permitía llevar la música a todas partes. En efecto, estoy hablando del walkman.

Antes de nada habría que aclarar que este término, como suele ser común en muchos casos, no es propio del aparato en cuestión, sino de la marca de la compañía que lo popularizó, pero que con el tiempo se iría estandarizando hasta aplicarse a cualquiera de estos aparatos. Aquella compañía no fue otra que Sony, con su Walkman TPS-L2 de 1979, con el que revolucionó por completo nuestras vidas y llegó a vender cientos de millones de unidades.

SONY Walkman TPS-L2 (1979)

Recuerdo que tuve dos, mi primer walkman fue de marca Philips y era de color verde, es el que utilicé durante gran parte de mi infancia, pero algo le pasó que no recuerdo muy bien. Después tuve durante algún tiempo uno que me dieron mis tíos porque ya no utilizaban, pero terminó siendo desplazado por un discman, también de la marca Philips.

Lo mejor de todo es que ahí me quedé, no he sentido ningún tipo de interés por los reproductores flash que pueden albergar tropecientas mil canciones en un formato digital que deja bastante que desear si lo comparamos con el analógico. Y como no me van todas estas modas, se me ha ocurrido la genial idea de hacerme con ese clásico modelo walkman de 1979, una tarea que se antoja harto difícil, pues Sony dejó de fabricar los últimos modelos de su reproductor de cassette hace cosa de un año. Si no me equivoco únicamente pueden comprarse en China, y lo más seguro es que sólo vendan los últimos modelos. En eBay apenas hay, y alcanzan grandes cifras, algo bastante irónico teniendo en cuenta todos los que se vendieron en su día.

Mientras intento conseguirlo, ojalá les dé a los japoneses por hacer una tirada retro a modo de aniversario, ya que en realidad la marca Walkman se sigue empleando en la última línea de reproductores de la compañía. Y es una lástima, porque siempre he pensado que ciertas cosas nunca deberían dejar de fabricarse, y mucho menos en este caso cuando en algunos países como China y Japón, se seguía vendiendo bien.

Os dejo con algunos de mis cortometrajes favoritos, todos ellos con un buen trato de la animación. Es sorprendente las genialidades que se pueden llegar a hacer en tan poco tiempo. Espero que os gusten.

La Maison en Petits Cubes (2008)
Director: Kunio Katô
Música: Kenji Kondo

Erizo en la Niebla (1975)
Director: Yuriy Norshteyn
Música: Mikhail Meerovic

The Sandman (1991)
Director: Paul Berry
Música: Colin Towns

Es cuanto menos curioso, que cuando por fin me decido a formar una colección de cómics en condiciones, me encuentre con semejantes dificultades. ¿Será que soy demasiado exigente?

Siempre me han atraído mucho más las historietas niponas, de ahí que la mayor parte de lo que tengo sea manga, a excepción de algunos estupendos cómics europeos que me acompañan desde mi infancia, tales como Astérix y Obélix o los clásicos españoles Mortadelo y Filemón, Pepe Gotera y Otilio o Zipi y Zape.

Esto no quiere decir que haya sido mi único contacto con el mundo del tebeo, por supuesto he sido aficionado a leer historietas de terror y algunos cómics sueltos, pero la mayoría los cogía de la biblioteca, no me ha dado por comprarlos y tener una colección. Ahora con las reediciones de Creepy, Eerie y otras series, me he animado, pero he encontrado dificultades con uno de ellos.

¿Dónde te escondes?

Es la edición íntegra de El Incal, fruto de la colaboración entre Jodo y Moebius, que ahora cuenta únicamente con una edición nueva y recoloreada. Dicha edición es la única posible de encontrar, pero me parece un maltrato tan horrible del dibujo de Moebius que no pienso comprar otra que no sea la primera edición de Norma.

Dejo una comparativa:

Edición antigua

Edición nueva

Y otra de Antes del Incal:


Como podéis ver, en el tomo de Antes del Incal incluso han censurado algunos dibujos, no sólo ha sido el color. Este estropicio es obra de Valérie Beltran, quien espero que no vuelva a trabajar en ningún cómic de Moebius.

Así que seguiré buscando el dichoso tomo, que cada vez me parece más difícil dar con él, no se encuentra ni por eBay. Si alguien sabe dónde podría encontrarlo, que no dude en hacérmelo saber. Lo mejor de todo es que ya en su momento costaba 38€, si lo encontrase es probable que me costase un ojo de la cara.

Dejo el reportaje realizado por un servidor sobre esta película para la web de Resident Evil Center. En ella disponéis de la película para descargar con fan-subs para quien lo desee.


Título Original: Sûîto Homu (Sweet Home)
Año: 1989
País: Japón
Director: Kiyoshi Kurosawa
Guión: Kiyoshi Kurosawa
Música: Masaya Matsuura
Fotografía: Yonezou Maeda
Reparto: Shingo Yamashiro, Nobuko Miyamoto, Nokko, Fumuki Kuroda, Juzo Itami, Tsutomu Yamazaki, Itirou Hurudate
Productora: Itami Productions
Género: Terror

Un grupo de cinco reporteros se dirige hacia una mansión en medio del bosque con la intención de hacer un reportaje acerca de unos antiguos frescos pintados por el difunto artista Ichirō Mamiya. A pesar de encontrarse abandonada, descubrirán un misterio que hace cambiar el curso de los acontecimientos...

¡Poder del alma…poder del alma…ven a mí!

Las leyendas de maldiciones fantasmales han formado parte de la cultura japonesa desde el período Tokugawa, una tradición que se ha visto reflejada de algún modo en su forma de concebir el terror, ese sentimiento primigenio de manifestaciones diversas.

Sweet Home es un buen ejemplo de creación en la que se manifiesta, planteada como una simbiosis con cierto videojuego para Famicom System que Capcom desarrolló de forma simultánea para ser publicados a la vez el 15 de diciembre de 1989. Ni la película ni el juego tuvieron repercusión alguna, hasta tal punto que no vieron la luz fuera de tierras niponas y el mayor vínculo que han tenido para no caer en el olvido absoluto es el de haber servido de inspiración a la franquicia Resident Evil.

Kurosawa comenzaba con esta obra sus andadas en el J-horror, sirviéndose de una ya por entonces manida temática de las casas encantadas, pero con cierta dosis de buenas intenciones y personalidad nipona. Él mismo reconoció su admiración por Tobe Hooper, y no podremos negar las evidentes reminiscencias que existen de su famosa Poltergeist (1982).

La historia nos introduce en la piel de un grupo de reporteros que planea realizar un documental acerca de los frescos olvidados hace treinta años en la mansión Mamiya, pintados por el difunto padre de familia en sus últimos años de vida. La premisa es tan simple como el suave inicio con toques de humor –conocidos como “gag”- que posee, pero a medida que vayan descubriendo las oscuras entrañas que ocultan los misteriosos murales, la atmósfera se irá tornando cada vez más tensa y espeluznante.

Los elementos de terror e intriga, unidos al buen ritmo con el que se desarrollan los acontecimientos y al trabajado rol de los personajes, hacen que sea una cinta muy recomendable en el género a pesar de ser una rareza. Acompaña a su vez una buena ambientación como suele ser común en los films que tratan dicha temática. Cuenta con unas correctas actuaciones en el cómputo global, aunque mejorables en determinados momentos.


Los efectos especiales sorprenden por estar muy bien realizados y mantener el tipo hasta nuestros días, destacando especialmente las escenas de las muertes. La banda sonora está compuesta por Masaya Matsuura (integrante del grupo de j-pop/rock progresivo Psy•S), en la que emplea varias piezas a modo de leitmotiv haciendo uso de sintetizadores y experimentales recursos electrónicos que le dan un toque personal a la película.

Es una lástima que sea tan difícil de encontrar y que la única forma de entenderla sea a través de subtítulos de fan-traducciones. Estaría bien que la rescatasen en algún formato doméstico actual con una restauración adecuada para que la calidad de imagen y sonido haga justicia al contenido.

Dulce hogar, dulce legado

Sweet Home fue una de las principales inspiraciones para crear la primera entrega de Resident Evil. Tomó prestados algunos elementos tales como el suceso en una mansión, los puzzles, la gestión del inventario, el énfasis en la supervivencia e incluso la pantalla de carga mediante una puerta que se abre. Se le considera un punto de inflexión en lo referente a los juegos de terror a pesar de no haber tenido éxito, pues tuvo un papel importante a la hora de perfilar el planteamiento de lo que años más tarde conoceríamos como Survival Horror.

También fue el primer intento de crear una atmósfera de miedo dentro de un juego a través de un ambiente tenso, de espeluznantes escenas, de la banda sonora y de su espantosa historia. Además introdujo los archivos de notas que narran sucesos paralelos, principalmente contados a través de un diario de notas con cincuenta años de antigüedad.

Resident Evil incorpora a su vez estos elementos, incluyendo la mecánica de narración, los múltiples finales dependiendo de los personajes que sobrevivan, el hecho de poder volver a las ubicaciones anteriores para resolver los puzzles más tarde, el uso de salas para almacenar artículos cuando el inventario está lleno o el uso de animaciones durante las muertes.

Algunos scans de revistas japonesas de la época:

Y con esta entrada queda cerrada la lista. He tenido que realizar unos cambios de última hora porque tenía pensado incluir Psicosis entre los primeros puestos, pero he decidido no meterla porque realmente es más suspense que terror, por eso el hecho de que no la veáis en la lista no quiere decir que me haya olvidado de ella. Revisad la otra entrada para ver el cambio realizado.

Todo esto es más orientativo que otra cosa, dependiendo del día o las revisiones es muy posible que variasen los puestos, pero a "grosso modo" se entiende. Como digo es difícil hacer algo así con tantas en mente, y es posible que me haya quedado muy conservadora (no hay ninguna demasiado rara), pero en ningún caso se ha tenido en cuenta la fama en la valoración.

Aquí van los 12 primeros puestos...

12| La Novia de Frankenstein [1935]

Ahora sí que puedo decirlo, con esta obra de la Universal nos encontramos ante la mejor secuela que ha dado el cine de terror, siendo bajo mi punto de vista incluso superior a la original, a la cual quizás su condición de clásico la ha brindado mejores valoraciones. Ahora no sólo tenemos un espectacular juego con la vida y la muerte, sino que humanizan al monstruo, le proporcionan sentimientos que desplazan los berridos iniciales, y por supuesto, le proporcionan lo que más necesitaba, compañía.

11| El Gabinete del Doctor Caligari [1920]

Gran obra del expresionismo alemán, considerada una de las primeras manifestaciones del terror en la gran pantalla. Bien confeccionada, con una buena escenografía y una trama que mantiene la intriga y los giros hasta el final, aunque le bajo unos pocos puntos porque alguna parte no queda muy clara por no ser suficientemente expresiva tratándose de cine mudo. Tanto el show del Doctor Caligari como las predicciones de Cesare y el rapto, han quedado grabadas para siempre en la historia del cine.

10| El Fantasma de la Ópera [1925]

Mi personaje favorito de cuantos utilizó la Universal para su oleada de películas de terror, con un Lon Chaney brillante y una caracterización algo más terrorífica que la de la novela de Gaston Leroux, lo que hace que me guste aun más. Destaco especialmente la escena que fue tintada en la revisión de 1929 y que es verdaderamente impresionante con esos tonos rojos de la capa. Es una lástima que no se conserve la música empleada originalmente, pero aun así se han hecho restauraciones muy buenas.

09| La Momia [1932]

Impresionante de principio a fin, para mí sin lugar a dudas la mejor película de las Universal Horror, que fue tremendamente infravalorada y tapada por el resto. No sólo es la mejor interpretación de Boris Karloff (sí, mucho mejor que Frankenstein), sino que la escena inicial en la que la momia vuelve a la vida es la que mejor ha aguantado el paso del tiempo, especialmente por las tremendas sesiones de maquillaje de 8 horas. Toda la película está muy bien realizada, rodada en exteriores en lugar de en estudios y con un argumento muy bien planteado.

08| Halloween [1978]

El slasher por excelencia, la elegancia llevada al paroxismo. Sir Carpenter transformó las hazañas de un psicópata en una obra de arte, y todo ello sin emplear una sola gota de sangre. Llevada a cabo con mínimo presupuesto y encargándose como hacía en sus años mozos tanto de dirigirla como de proporcionarle un guión y una banda sonora, la cual llega a tal simbiosis con las imágenes que no recuerdo otro film en el que se llegue a semejante perfección. Por todo esto, hablar de Michael Myers son palabras mayores.

07| Al Final de la Escalera [1980]

La quintaesencia de las casas encantadas, con una ambientación soberbia cuasi poética por la esencia que deposita el compositor con sus piezas en ella. Peter Medak sorprendía con esta interesante obra que creó escuela, con algunas escenas inolvidables como es la conocida aparición de la silla de ruedas y la pelotita entre otras. Sabiamente dosificada en ritmo, con una importante cámara subjetiva y unas interpretaciones excelentes que la elevan sobre otros muchos clásicos. También destaco la incorporación del prólogo que nos va introduciendo en el personaje, en lugar de dar el típico salto a la llegada a la casa.

06| El Quimérico Inquilino [1976]

Una de las creaciones más desquiciantes que recuerdo, rodada con un estilo supremo que destripa por completo la personalidad en sí misma. Es tremenda la progresiva erosión que va sufriendo tanto el personaje como el ambiente que lo rodea, los miedos se turbian mezclándose con los hechos de forma inconsciente. A pesar de todo, Polanski lo encaja de forma espectacular como si se tratase de un rompecabezas de piezas imposibles, haciendo que la sensación final sea completamente fría pero a la vez satisfactoria.

05| Nosferatu [1922]

La obra maestra del expresionismo alemán, la más expresiva e hipnótica de todas. Max Schreck acapara toda la atención, convirtiéndose en una de las mejores caracterizaciones que se han hecho y sobre la que giraban oscuras leyendas. Murnau no consiguió los derechos de la obra de Bram Stoker e hizo su propia versión, que nada tiene que envidiar a la obra original, pues es toda una sinfonía de horror. Apenas requiere texto, toda su fuerza es visual y está sabiamente estructurada en actos que le dan un magnífico aspecto literario.

04| El Resplandor [1980]

Seguramente la mejor adaptación de una obra de Stephen King, aunque siempre con leves cambios que la visten adecuadamente para la pantalla. Kubrick supo emplear muy bien los elementos de los que disponía en la obra, potenciando sobre todo la relación familiar y los planos que daban lugar a las grandes escenas convertidas en mito a día de hoy. Espectacular la actuación de Jack Nicholson, una de las mejores de su carrera y con diferencia el que mejor se adapta a su personaje. Podría haberse sacado más partido a la mujer con una actriz mejor, y por supuesto con un doblaje que no destrozase la versión en castellano.

"CYCLE OF DEMONIC CHILD"

03| El Exorcista [1973]

Clásico entre los clásicos, obra maestra donde las haya y máxima partícipe en la oleada de posesiones y exorcismos. Es una película que mucha gente no toma en serio quizás por la sobrerepresentación que recae sobre la niña, pero que siempre tiene ese halo terrorífico que no existe en el resto, que comunica con una dimensión prohibida en la cual es mejor no molestar. Tiene un argumento muy bien llevado y unas increíbles interpretaciones, además de una banda sonora mítica a pesar de que no fuese íntegramente original.

02| La Profecía [1976]

Hablar de La Profecía a día de hoy, es seguir hablando de la película más terrorífica de todos los tiempos, que probablemente (como diría Lovecraft) "incluso en los eones por venir" sea difícil quitarle el puesto. No sabemos si fue la astucia de Richard Donner o la sabia elección de los actores, pero lo que sí sabemos es que la mitad de esos miedos los conforma la insuperable banda sonora del maestro Goldsmith, que si no me falla la memoria es la única de terror que ha recibido un Óscar (también fue injustamente el único que se llevó el compositor). La escena del niño en el triciclo es lo más aterrador que recuerdo haber visto.

01| La Semilla del Diablo [1968]

No hay nada más insondable que el terror sin forma, sin rostro, la atmósfera sugerente creada por Polanski para la ocasión no ha sido superada a día de hoy, ni siquiera se le han acercado. Hay quien llega a cometer el error de decir que no hay terror donde no se muestra, que lo que le sucede a Rosemary se aleja de esa percepción, cuando resulta estar más cerca que nunca. Eso sí, es una película que hay que ver completamente solo, en absoluto silencio y poniendo todos los sentidos para que esa angustia nos posea.

Prácticamente el único medio en el que podemos focalizar las terribles sensaciones que nos produce, es en la estupenda banda sonora que el polaco Krzysztof Komeda realizó de forma magistral. El resto ahonda en una parte del ser difícil de situar, quedando únicamente la apariencia superficial que se muestra cuando no la estamos visionando. Es normal que Ruth Gordon se llevase el Óscar, porque actúa de una forma impresionante.

Otros premios:

Mejor Director: Roman Polanski
Mejor Banda Sonora: The Omen Original Soundtrack
Mejor Slasher: Halloween
Mejor Secuela: La Novia de Frankenstein
Mejor Cartelera: El Fantasma de la Ópera

Por último, decir brevemente que lo de "Cycle of Demonic Child" se debe a la similitud entre las tres películas que he elegido para el pódium. Casualmente era un término que se empleaba para relacionarlas con motivo del papel que juegan los niños en ellas, siendo todos ellos manifestaciones del diablo.

Esto es todo, espero que os haya gustado la selección y que os animéis a ver las que no hayáis visto. Por supuesto cualquier recomendación es bien recibida, quién sabe si no la incluyo aquí por no conocerla.

Para darle algo de variedad al blog, he decidido hacer un par de entradas dedicadas al cine de terror, una de mis mayores debilidades. Para ello voy a realizar una lista como buenamente pueda con las que hasta la fecha me han parecido las mejores películas de cuantas he visto. Podría poner muchas, pero para no pasarme lo dejaremos en un Top 25. Aviso que no incluiré nada que se mezcle con ciencia ficción u otros géneros, por mucho que me duela dejar fuera cosas como Alien, La Cosa o La Mosca, ya haré otra dedicada al sci-fi.

25| Braindead (Tu Madre se ha Comido a mi Perro) [1992]

Divertida como pocas, concebida por un Peter Jackson que arriesgaba y aún no se había dado al cine comercial palomitero. Además, su título indiscutible como película más sangrienta de la historia no podía hacer que quedase fuera del top. Toda la vorágine gore en los últimos compases es bestial, mención especial a la tremenda escena de la cortadora de césped.

24| Un Hombre Lobo Americano en Londres [1981]

Probablemente la mejor película de hombres lobo o al menos mi favorita. Contiene un argumento muy sólido que es acompañado por excelentes interpretaciones, excelentes temas musicales y un sobresaliente maquillaje que la hacen altamente creíble. Le sigue muy de cerca En Compañía de Lobos, pero aunque dicha película destaca por su temática de cuento barroco, prefiero el toque más terrorífico de la obra de Landis.

23| The Ring (El Círculo) [1998]

La gran obra de Hideo Nakata (aunque seguida muy de cerca por Dark Water), partícipe del resurgimiento del J-Horror por una vertiente más oscura que el clásico de fantasmas de Kobayashi, Shindô y compañía. Sin duda una de las películas más importantes de terror de las últimas décadas y de las que mayor impacto causaron. La banda sonora de Kenji Kawai le viene especialmente como "anillo" al dedo, uno más de los puntos en los que supera a la versión americana tratada por Zimmer.

22| Posesión Infernal [1981]

La más clásica de la trilogía Evil Dead y por lo tanto la que contaba con menos medios, pero aun así Sam Raimi nos dió un producto magistral sobre todo en lo referente a efectos especiales. También es la que se toma más en serio de las tres y eso la hace escalar peldaños aunque no sea mi favorita. Cuenta con muchas escenas míticas como la primera mujer poseída que se descubre con el juego de cartas.

21| Carrie [1976]

Otro de los clásicos que no se olvidan, el personaje de Carrie White es uno de los mejor trabajados en el género, consiguiendo un tremendo nivel de opresión y tensión que crece alrededor de la muchacha. Toda esa evolución desemboca en una situación catastrófica que da un vuelco a la atmósfera de la película como pocas veces se ha visto. Pino Donaggio merece una valoración aparte por su siempre sublime aportación musical.

20| Poltergeist [1982]

Una de las películas más famosas sobre fenómenos sobrenaturales y la que consolidaba a Tobe Hooper como uno de los grandes directores del género. Adquirió fama especialmente por los extraños acontecimientos que sucedieron en torno a los rodajes, lo que hace que tenga un muy buen valor añadido. La colaboración del gran Jerry Goldsmith en la banda sonora la termina de convertir en una de las imprescindibles.

19| La Noche de los Muertos Vivientes [1968]

El clásico zombie por excelencia, que mantiene el paso del tiempo de una forma magistral por el gran acierto de llevarla a cabo en blanco y negro, lo que hace que mantenga un nivel de elegancia que se pierde en las secuelas y otras creaciones. Además se toma en serio y tiene un buen argumento, incidiendo en la toma de decisiones entre los internos en lugar de las escenas de acción a las que se ha dado paso en el cine actual.

18| Terroríficamente Muertos [1987]

No es una secuela al uso sino una versión mejorada respecto a la original, lo cual le permite incluso llegar a superarla con dichas mejoras añadidas. En esta ocasión se mejoran algunas de las escenas y se le añade un toque humorístico que le queda genial porque lo mantiene en equilibrio con la dosis de seriedad de la primera parte. Semejante cóctel daría lugar a una tercera parte muy buena pero que para mi gusto cae en demasía en la parodia.

17| Tiburón [1975]

No me cabe ninguna duda, esta pieza de Spielberg es la mejor película que se ha hecho jamás en torno a un animal. Fue durante años el terror de las playas, haciendo gracias a la estupenda banda sonora de John Williams que mucha gente se lo pensase dos veces antes de sumergirse en el mar. Lo más destacable aparte de lo mencionado es sin duda el gran papel y actuación de Roy Scheider.

16| Zombi (Dawn of the Dead) [1978]

Para mí es sin duda la mejor película de zombies que se ha hecho, resultando incluso superior a la original por lo divertida que es, aunque pierda sin embargo ese componente de elegancia que le proporcionaba el monocromo. Nada que ver desde luego con el remake actual, en el cual se cargaron toda la gracia de la serie B haciendo no muertos de maquillajes realistas y dejando atrás la insuperable música de Goblin.

15| Pesadilla en Elm Street [1984]

Desde tiempos inmemoriales ha sido una de mis películas favoritas de terror, si no la pongo más arriba es porque considero que las hay mejores, pero pocas que me fascinen tanto. No sólo la creación del personaje de Freddy y su forma de matar es una de las más originales que se han hecho, sino que sus escenas son de órdago, sometiendo al espectador a formas de muerte más allá de la imaginación. Por supuesto no podríamos olvidarnos de la estupenda banda sonora creada por el señor Charles Bernstein.

14| La Matanza de Texas [1974]

Poco le falta para ser el mejor slasher, pero sin duda es el más crudo y seco de todos. Tobe Hooper impactaba con esta ópera prima en la que recrea a la perfección la trágica situación vivida por un grupo de jóvenes en el estado de Texas. Hoy en día sigue impactando tanto como entonces por lo bien realizada que está, más incluso que el remake de Marcus Nispel, que aun no siendo malo no llega al mismo nivel. La escena en la que aparece por primera vez Leatherface quedará grabada para siempre en mis retinas.

13| Suspiria [1976]

Otra de mis indudables favoritas, siendo la que para mí más destaca no sólo de la filmografía de Argento sino de todo el giallo italiano. Es sin duda una de las atmósferas más bestiales que he visto en una película, en especial por el sabio empleo de las luces y los colores típico del maestro. Además las melodías de Goblin estremecen como nunca, conjugadas a la perfección con las oscuras estancias que ya desde los primeros compases nos invaden.

To be Continued...

Nota: Aunque seguramente no podáis evitarlo, por el momento no mencionéis películas que consideréis que deban entrar en el top, más que nada porque aún faltan las doce primeras, que las intentaré poner mañana. Así además os dejo con la intriga, luego ya podréis recomendarme lo que consideréis oportuno que lo tendré en cuenta encantado.

La primera impresión no podía ser mejor, y es que como no podía ser menos nos han brindado con una interfaz bellísima para el menú, con un pequeño toque musical que lo va amenizando mientras nos movemos por sus opciones. He indagado un poco, al estar en japonés tampoco he podido averiguar mucho, pero parece que además de los niveles de audio podemos desactivar los subtítulos.

Una vez en marcha, la sensación es absolutamente maravillosa, no os podéis imaginar lo placentero que es visualmente, por muchas imágenes y vídeos que hayáis visto os va a sorprender gratamente, la verdad es que no es para menos porque parece introducirnos en una obra de arte. De hecho no existe ningún tipo de HUD que estropee el apartado artístico, únicamente tendremos el típico menú con las opciones.

A continuación detallo un poco los movimientos, en la demo únicamente nos enseñan algunos botones y obviamente la descripción está en japonés:

Desarmado

X/Círculo- Saltar (pulsando dos veces, doble salto)
Cuadrado/Triángulo - Puñetazo (Mantener pulsado - Patadas)
R1 - Bloqueo
R1 + X/Círculo - Rodar
R1 + Cuadrado/Triángulo - Patada con voltereta (eleva al enemigo)
X + Cuadrado/Triángulo (mantener pulsado) - Caída en ataque
L1 - Desarmar enemigo/Purificar arma
Select - Menú
Start - Pausa

Los movimientos son muy ágiles y se pueden encadenar con habilidad, pero también es fácil quedarnos desprotegidos después de efectuar un golpe. El juego no es fácil, de hecho lo he jugado en "Normal" y me han matado un par de veces, hay checkpoints aunque no siempre son inmediátamente antes de morir, normalmente dejan un par de intentos para los saltos (al segundo intento aparecemos justo antes del salto), pero si caemos dos veces o morimos en combate tendremos que hacer todo desde el último punto de control.

Los enemigos que aparecen en la demo tienen rutinas sencillas, pero nosotros no tenemos demasiada vitalidad y es fácil que con unos pocos golpes caigamos. Los más pequeños y débiles aguantan pocos ataques, pero los demás van armados y tenemos la opción de quitarles el arma una vez caigan aturdidos (de hecho es recomendable), si no lo hacemos seguiremos desarmados o con el mismo arma, y habrá que propinarles unos pocos golpes más para que mueran.

En la demo hay dos armas, una especie de sierra y unas dagas, pero no podemos llevar más de una a la vez, por lo que para cambiar siempre tendremos que robársela a algún enemigo que la lleve. Poco a poco se irán desgastando y tendremos que purificarlas, y dependiendo del arma los ataques y movimientos varían ligeramente. Por ejemplo, con la sierra en el ataque en caída haremos un movimiento de "rueda" al caer, mientras que con las dagas lanzaremos una ráfaga desde el aire. También con este arma en lugar de rodar haremos un sprint.

Como decía, no existe ningún tipo de HUD en el juego, por lo que la pérdida de vitalidad será representada por la pérdida gradual de la armadura, tanto en nuestro personaje como con los enemigos, por lo que eso nos ayudará a saber cuál está más debilitado. Al recibir más golpes la parte superior de la pantalla se volverá roja (como una mancha de sangre) tal y como se acostumbra actualmente, pero por lo que he notado, no desaparece ni se nos recarga la vida al poco tiempo. También iremos recogiendo los típicos power-ups en forma de esferas naranjas, al caer de los enemigos o romper objetos, y en algunos encontraremos corazones que nos curarán recomponiendo nuestra armadura.

Las partes en 2D son impresionantes, y todos los saltos deben ser bien calculados (incluso en las partes normales), además de ayudarnos con el propio escenario para avanzar, subiéndonos en unas nubes que a modo de ola nos desplazan para llegar hasta la siguiente plataforma. Dicho plataformeo no está guiado en absoluto, y tendremos que fijarnos en la sombra que proyecta el personaje para saber dónde caer.

Y básicamente es eso, la demo termina al llegar al primer jefe parece ser, pero no deja que nos enfrentemos. El argumento pinta bastante bien, aunque en japonés no me entere de nada. Los subtítulos son el único elemento que aparece en pantalla, por lo que lo que comentaba de desactivar los subtítulos sirve para despejar la pantalla incluso en las conversaciones y sólo escuchar las voces.

Por mi parte caerá seguro, no sólo artísticamente se come a cualquier otra cosa que se haya hecho esta generación, sino que además el sistema de combate es retante y está muy bien implementado, con una jugabilidad que recuerda muy mucho a los hack n slash nipones.

Os adjunto un vídeo con la demo completa (bajadle un poco el volúmen porque se satura, no sé por qué lo captura tan mal mi PC...)

Impresiones de la demo japonesa de PS3