1. Square One - 4:47 2. What If - 4:57 3. White Shadows - 5:28 4. Fix You - 4:54 5. Talk - 5:11 6. X&Y - 4:34 7. Speed of Sound - 4:48 8. A Message - 4:45 9. Low - 5:32 10. The Hardest Part - 4:57 11. Swallowed In The Sea - 3:58 12. Twisted Logic - 5:01 (aunque el tema dura 4:26) 13. 'Til Kingdom Come - 4:12 (pista oculta) 14. How You See the World - 4:04 (pista oculta/Japón)
Llegamos a lo que se puede considerar, la culminación y el final de la madurez de ColdPlay. "X&Y" es la meta final por la que muchos grupos matarían. Es la oda final a una serie de cambios paulatinos, que han llevado a la banda donde están. Recuerdo allá por 2004/2003, que en plena ola de rumores sobre el nuevo trabajo de Chris Martin, se llegó a decir que su cambio sería hacia un rock duro, lleno de piezas orquestales y un frecuente uso de bajos y de sintetizadores. En un primer momento, llegué a asustarme bastante. No me parecía un cambio correcto. No serían ColdPlay. No me preguntéis por qué dí credibilidad a esos rumores, pero me pareció que sería un cambio negativo, a peor. Más tarde, a finales de 2004, las cosas fueron por su cauce. Se empezaron a oír ciertos movimientos. Influencias de U2, Brian Eno (figura clave en el último trabajo como veremos, "Viva La Vida") y otra vez, los sintetizadores.
Con el lanzamiento del primer single, "Speed of Sound", ví el cielo. Muy pocas canciones tienen el honor de ponerme los pelos de punta, y menos tras haber escuchado tanto y de tantas formas a ColdPlay. "Speed of Sound", fué como un revulsivo para mí. Me llevó a la cresta de la ola una vez más. Comprendí, que el cambio empezaba a notarse, pues la meta estaba conseguida. Compré el single, y semanas más tarde, en pleno verano, escuché el disco (más tarde, lo compraría, obviamente). Siendo sinceros, y aún habiendo estado con ellos desde casi sus inicios, ColdPlay jamás ha estado tan presente en mi vida, como en aquellos calurosos días del verano del 2005. Hice varias copias del disco (para el coche, para mi cuarto, para mi iPod, para el salón, para mis amigos...). Comprendo, que pude hacerme hasta pesado. Pero también juro ante vosotroas, que nadie se perdió tal magna obra. Magna obra, incomprendida, quizás por estar un paso por debajo del anterior trabajo, "A Rush of Blood to the Head".
Y por que, para que engañarnos, sonó con unos singles equivocados. Y no malos que conste, pero sí equivocados. Si bien "Speed of Sound" y "Talk" son cortes ideados con mucho atino para ser vendibles, canciones como "Swallowed in the Sea" o "How you see the World", son dignas de haber aparecido entre las listas de singles más vendidos o escuchados en las emisoras radiofónicas y no lo fueron por culpa de otras. Pero también se hicieron las cosas bien. Realmente bien. "X&Y" es el disco de los contrastes. Canciones con ritmos fuertes que derivan en tranquilos (y viceversa), juegos con las palabras más opuestas, melancolía, alegría, emotividad, tristeza...Todas esas sensaciones, pueden recorrerte en un segundo la espina dorsal, y hacerte ver, que la variedad de sensaciones, ritmos y letras, está presente durante todo el disco. Sin ir más lejos, Chris Martin había madurado, y como tal, las letras son un paso más allá tras la conseguido anteriormente, y demuestran que su rendido homenaje a la música electrónica europea, era necesario. "X&Y" es, tal vez, el disco que más me ha influído en mi vida. Todas las personas tenemos un disco, una canción o un grupo. Mi disco, sin lugar a dudas, fué "X&Y". Me hizo replantearme algunas cosas, a conocer nuevas experiencias, y a amar la música. Y eso, creo que al fin y al cabo, es el objetivo de Martin.
"Square One" es la "Politik" del disco. Sin más. Una canción muy potente, oscura, y muy rockera. Es una canción dignísima, y posiblemente, de las mejores composiciones en general de la banda. En directo es, si sabe, aún más impresionante con ese reloj digital blanco de fondo, marcando una cuenta atrás. Es canción de apertura, de inicio. Su arranque es espectacular. Las guitarras suenan como acompañantes (y estas, a su vez, de la mano de unos amplificadores y sintetizadores espectaculares) durante sus casi cinco minutos con un Chris Martin muy revindicativo y serio...Os dejo con su versión para "Glastonbury 2005" (que podéis encontrar a buena calidad en determinados torrentes de información, portadas fans incluídas) uno de los grandes conciertos de la gira "Twisted Logic".
Una vez en calor, saltamos a "What If", canción más del "sentir" Coldplay, con gran carga emocional y unas voces de Martin más a la antigua. Digamos, que es heredera de sus composiciones más melancólicas, y es uno de los cortes más ignorados del disco. Sólo fué lanzado como single en Bélgica y Francia. Y no es en absoluto malo, que conste. Es muy sentimental, y como siempre, los rumores hacen estragos, e incluso se habló de que era una oda a su hija Apple (por poner una manzana encima del piano) o sobre su relación con Gwyneth Paltrow. Personalmente, creo que es una de las canciones más representativas del disco, y una muestra de la llamada "yuxtaposición" de sentimientos. Preciosa.
"White Shadows" es el rock etéreo. Es la canción más extraña en contenido, casi paranóica. No descubrimos nada, todo parece un canto extraño hacia la humanidad en su devenir por el tiempo y el espacio. Es de mis canciones preferidas del grupo, y la maravillosa colaboración de Brian Eno, se hace patente una vez más, con los sintetizadores. Atentos al espectáculo que dá Chris Martin en la canción en directo. Es para echarle de comer a parte...
Llegamos, a lo que es para mí el disco, "X&Y". "Fix You". No os lo diré más. Esta canción es una obra maestra atemporal, digna de ser escuchada como referente para la banda una vez pase el tiempo, y de obligatoriedad en su escucha para cualquier amante del rock actual. Balada con cambio de ritmo, emocionante, llena de vida y contenido...Chris Martin creo que llegó a su cénit con "Fix You". Artísticamente, como he dicho, es redonda. El cambio de ritmo final, hace que cualquiera que escuche la canción, se pregunte por qué no ha gozado con ColdPlay antes. Canción que gana con el tiempo, es quizás, el single más logrado, por delante de "Talk" y "Speed of Sound". Para mí, "Fix You" es el ColdPlay más perfecto:
"Talk" es el homenaje que muchos esperábamos a los grandes. Es el particular agradecimiento de ColdPlay a Kraftwerk, pioneros de la música electrónica actual. Con el "riff" principal sacado de "Computer Love", ColdPlay elabora otras de las canciones del disco, destacando por luz propia en todas sus vertientes. Una vez más, aparte de los sintetizadores, notamos una presencia muy fuerte de guitarras. Haciendo una retrospectiva hacia atrás, paracerá mentira, pero en este disco, casi parece que hay más presencia de bajos y guitarras que trabajos anteriores. "Talk" nos habla de la complejidad de entendernos entre nosotros, y de la impotencia que podemos llegar a tener al hablar en lenguajes distintos. Tampoco podemos sacar mucho más de la composición, pero el carisma que desprende, y lo simpático y original (particular homenaje a las películas de serie B y Z de los años 50/60) de su videoclip, ha marcado historia (recomiendo comprarlo en su versión single DVD, pues la calidad de sus videoclips "Speed of Sound" y "Talk", que está rodado en parte 3D, lo hace merecedor de estar en cualquier colección que se precie.)
Dando su nombre al disco, "X&Y" no es una canción digna de componer el corte final. No al menos, viendo el nivel que ha tomado el disco en su primera parte. No hay canción mala. No quiero decir que esta sea floja o mala, pero si que no rinde al nivel que se podía esperar en su conjunto. Y menos, llevar el nombre del trabajo encima. Artísticamente, es una canción bonita. Habla otra vez del contraste de ejemplos, hay una presencia preciosa de los elementos electrónicos (el bajo marca casi el ritmo) y Martin no lo hace nada mal poniendo el piano y la voz. Pero, personalmente, y como he dicho en más de una ocasión, "The World Turned Upside Down" (canción aparecida en el maxi single de "Fix You), es mucho más apropiada para lo que quieren representar, y está bastante más inspirada que su homóloga.
¿Qué decir de "Speed of Sound"? Pues que es una buena canción, quizás algo explotada, pero con un piano perfecto, una composición idónea, y que está destinada al éxito y a ser el baluarte del disco. Al igual que "White Shadows", es representante del sonido etéreo, mágico. Es un corte destinado al gran público, no lo negemos, pero no puedo sentirme emocionado al recordar la satisfacción que me supuso escucharla por primera vez. Es una sensación muy especial, casi de libertad asboluta. Algo parecido a lo que os comenté de su anterior trabajo. Nos ofrece libertad, calidad, emoción. "Speed of Sound", tiene uno de los mejores videoclips de la banda.
"Low" y "A Message", son dos canciones opuestas totalmente. Si "A Message" recuerda a "Green Eyes" por su toque intimista, romántico y directo, "Low" es más rockera, dura y mucho más épica y llena de artificios. Ambas se complementan estupendamente, y aunque tengo especial predilección por el tipo de canciones de la que es heredera "A Message", romperé una lanza a favor de "Low", que es bastante menospreciada por muchos de los fans más ortodoxos de ColdPlay. De "A Message" os pondré un acústico de Japón. Sencillamente, perfecto. De "Low", tiro una vez más de Glastonbury, uno de los mejores conciertos.
"Swallowed in the Sea", es una de las canciones más románticas sin serlo, de toda la discografía de ColdPlay. Con un inicio que nos recuerda a una sirena de faro avisando de niebla a los capitanes de barco, y con un comienzo muy marítimo, creo que nos encontramos con una de las joyas o "sleppers runs" del disco. Canciones que en un primer momento no llegan, o parece que no están en el momento y sitio adecuado, pero que a larga avanza en nuestras listas de reproducción. "Swallowed in the Sea", va creciendo por momentos. Como patrones de barco, nos enfrentamos a un ritmo que va creciendo cuál marea, en búsqueda incesante a través de los mares. Una de las mejores canciones sin lugar a dudas, del todo disco.
"The Hardest Part". Controversía, fans divididos...¿Es mal videoclip? ¿Fué mal promocionada? No, y no. Cada vez que recuerdo las peleas entre diferentes grupos seguidores de Coldplay en los foros, me pongo a temblar. Es una canción buena, pero es que su videoclip es mejor. Original, transgresor, gracioso y lleno de vida. Un canto a la vida...¿qué mejor que dos "abueletes" mostrando sus cualidades en un programa de salud y espectáculo de los noventa? Ahí estuvieron sembrados, la verdad.
"Twisted Logic" es una despedida en toda la regla, y es fiel representante de la "yuxtaposición" que tanto tengo la boca. Es fiel buque insignia de una etapa y del disco, y dá nombre a la gira que inició ColdPlay con este trabajo, "X&Y". Es una canción bastante buena, pero inferior a lo que hemos escuchado por todo el disco. De todas formas, su contenido es triste, casi apocalíptico, de adios. Una canción triste, perfecta para terminar y cerrar (oficialmente) una serie de cortes que rayan a un nivel mayor de lo creído en un principio.
Como sorpresa final, la banda nos tiene reservada una canción más, "`Til Kingdom Come" canción compuesta originalmente para Johnny Cash, y que al final se convirtió en una de las preferidas por el público en sus actuaciones en directo, con armónicas incluídas. Un bonito homenaje.
En el caso especial de Japón, tenemos "How You See the World", una de las mejores canciones de ColdPlay, y una de las más brillantes composiciones para "X&Y" jamás editadas.
Hay más pistas y caras B, pero las guardo para su correspondiente entrada, que vendrá a ser una especie de índice cronológico de todos esos cortes ocultos o lanzados de forma encubiera en singles o colaboraciones.
Hasta aquí la entrada dedicada al hasta dentro de poco, último trabajo de ColdPlay. En pocos días, el legado de "X&Y" será recogido por "Viva La Vida". Sin más, despedirme de vosotros hasta la próxima entrada, y agradeceros vuestros comentarios y apoyos. Mañana, más.
Como extra, os dejo unas fotos tomadas para las escuchas de las reviews que he estado haciendo, con una muestra de los CDs, Singles y MaxiSingles DVD, utilizados en los análisis. También podéis ver el amplificador, la pletina y el reproductor de vinilos.
All songs written by Berryman/Buckland/Champion/Martin.
1. "Politik" – 5:18 2. "In My Place" – 3:48 3. "God Put a Smile upon Your Face" – 4:57 4. "The Scientist" – 5:09 5. "Clocks" – 5:07 6. "Daylight" – 5:27 7. "Green Eyes" – 3:43 8. "Warning Sign" – 5:31 9. "A Whisper" – 3:58 10. "A Rush of Blood to the Head" – 5:51 11. "Amsterdam" – 5:19
"Give me real don't give me fake"
Así de claro comienza Chris Martin con "Politik", canción que abre el disco. Un disco, tan importante, como revulsivo a la hora de tratar a ColdPlay. Si con "Parachutes" consiguieron hacerse hueco, con "A Rush of Blood to the Head", se hicieron un nombre. Los trataron de "usted". Rubricaron con su música en el aletargado mundo de las bandas británicas tras el efecto Oasis, y se convirtieron en la leyenda que son hoy en día.
"A Rush of Blood to the Head", es el mejor disco de ColdPlay. Independientemente de "Parachutes", y teniendo en cuenta que dicho álbum fué el inicio, el presente disco, es la perfección y la madurez alcanzada. Nos veremos envueltos en ritmos más oscuros, llenos de guitarras y con cierto canto épico. Estaríamos hablando en cierta manera, del inicio de lo que yo llamo, "rock-etéreo". Dicho rock, si me permiten explicarlo, es la representación física de las letras de Chris Martin. Es la elavación del sonido más básico, hasta nuestro interior. Haciendo un paralelismo con el título del trabajo, es como "una descarga de vitalidad y rock/pop directa al corazón". Con esa inyección, se pierde incluso la consciencia y lo material. Las canciones son instrumentos para nuestro deléite en todos los sentidos. Nos elevan, nos bajan, nos relajan, nos suben, nos motivan. Después de esta divagación metafísica, puede que algunos no me hayan tomado en serio. Que parezca un loco grunch drogado hasta las trancas. Pero es que es así. "A Rush of Blood to the Head", es uno de esos trabajos que llegan al fondo de la persona, y dónde sus canciones, se convierten en espejos de nuestra propia realidad. "A Rush of Blood to the Head" es un disco, que bien podría usarse para evaluar ciertas conexiones de la música con el sentir y el placer.
¿Estáis todos ahí? ¿Estáis bien? ¿Os parece fuerte lo que os acabo de decir? Pues sigamos. "Politik" arranca fuerte. Es una canción con gancho, que sube el espíritu y hace (una vez más) gala del "sentir" ColdPlay. Estamos una vez más, ante la "yuxtaposición" de ejemplos durante toda la canción ("gente fuerte que lo demuestran, gente que reserva sus fuerzas"), destacando un piano y la voz de Martin durante los primeros compases, que acaban diluídos cuando los demás entran en acción. Guitarras, baterías y un sonido de piano más estrambótico y fuerte durante el estribillo.
Luego viene la gorda. Una de las vacas sagradas, y uno de los singles y canciones más escuchadas de todos los tiempos. Obviamente, estamos hablando de "In My Place". Canción que como alguien dijo una vez: "Puede elevarte a los altares o hundirte en la más puerca miseria". Y es cierto. Es una canción o un corte comodín. Depende de nuestro estado de ánimo, podemos sentir una cosa diferente de ella. Es una muestra más de la importancia del trabajo de ColdPlay a la hora de escribir una canción. Si bien la hemos escuchado hasta la saciedad (demasiado explotada, la igual que otra que veremos, "Clocks") nadie puede negar que la base sobre la que se escribió es casi perfecta. Una batería de fondo pausada y constante, un trabajo de bajo bestial y una guitarra acompañando sin desentonar. Y bueno, la voz de Martin. Os dejo con su videoclip:
"In My Place"
"A Rush of Blood to the Head", también tiene canciones intimistas. "God Put A Smile Upon Your Face", "Green Eyes"...Ellas, hacen el contrapunto más intimista y personal, que parece venido del mismo "Parachutes". Antes que nada, decir que esas dos canciones, son casi con total seguridad, dignas de estar en sus quince o veinte mejores temas de todos los tiempos. Ambas, pese a no ser escuchadas por las masas, y no tener una aceptación brutal, me parecen unas excelentes composiciones. Una guitarra con unos punteos excelentes en el caso de "God Put A Smile Upon Your Face" y un Chris Martin que en directo se desmadra tocando el mismo en esta canción. Con "Green Eyes", es como escuchar a ColdPlay cantando o deleitándote en tus oídos. Estás de tú a tú con ellos. Una canción sencillísima, que comienza casi como un acústico, y que nos habla de lo complicado que es el amor y lo atrayente que pueden ser las mujeres. Tanto, como llevarnos a la locura por sus ojos. Dejando a un lado lo "meloso" o "empalagoso" de la canción, estamos ante una de las joyas del disco. Levantar la mano...¿cuántos de vosotros habéis pensando en alguien especial a la hora de escuchar la canción? Pues eso. Aquí van las dos (el primero es de los mejores videoclips de ColdPlay estáis avisados):
"God Put A Smile Upon Your Face"
"Green Eyes"
(el video es soso de cojones, pero es que hay poco material aparte de muchos tocando la guitarra enfrente de webcams)
"The Scientist"...Aquí la diversidad de opiniones es palpable. Fans recalcitrantes que la odian, otros que la consideran una obra destinada a ser oída en cuartos de adolescentes...Personalmente, me parece algo poco digno, el defenestrar a esta canción. Estamos hablando de una balada de proporciones épicas, llena de amargura y dolor. Una cosa es que, al igual que "In My Place", haya sido privada del encanto original de sus primeras escuchas. Es una de sus canciones (de ColdPlay) y la verdad, creo que no debería faltar en cualquier lista de canciones predilectas de la banda. Chris Martin cuando quiere es un romántico empedernido, y con esta, creo que alcanzó su cima (al menos de momento, pues con "Fix You" se caen todos los mitos y lo vuelve a hacer). El videoclip es genial, original como nada y bastante emotivo.
De "Clocks" si que no hay nada que decir. Una canción donde la base y la sintonía principal, es casi mejor la letra en sí. No critíco a la letra, que como siempre en Martin (o como casi siempre) es excelente, si no más bien a su utilización masiva. Tal vez esté un poco cabreado, y no es que quiera negar sus éxitos o acotarlos a determinados grupos haciendo un uso del proselitismo musical. Es que canciones tan buenas como esta, deben reposar un tiempo, para volver a cojerlas con más ganas. Digamos, que siento lo que "ColdPlay" con la misma "Shiver", de "Parachutes". Tengo que dejarla descansar un poco. Aún así, como casi todo en el disco, de referencia. Por cierto, me gusta muchísimo más en directo, con Chris loco tocando el piano, y alargando (sin necesidad ninguna, pero mola) la canción hasta los siete u ocho minutos. Es genial:
"Clocks"
Bueno, voy a ir a por la canción que dá nombre al álbum, y que me parece una de las cincos mejores canciones de "ColdPlay" de todos los tiempos. Hablo, como está más que claro, de "A Rush of Blood to the Head". Primero de todo, no es una canción fácil. Es quizás una de las letras más complejas, llenas de ira y de desolación. Puede parecer duro, pero es así. Hablamos de impulsos, de amores perdidos, de ganas de venganza, de arrepentimientos...y de una de las mejores interpretaciones instrumentales de Guy y Jhonny. Ambos, están ENORMES en sus respectivos roles. Will con su batería, Martin aportando su melancolía y voz, y los dos genios de las cuerdas y los punteos, gigantes. Por un momento, uno es capaz de imaginarse tocando bajo las ruinas de la ciudad que hablan. Sobran las palabras:
Otra de las canciones más bonitas de todo el disco , es "Amsterdam". Sencilla, con un piano omnipresente, la canción enamora desde sus primeros compases. Muy intimista.
Por último, y no por ellas menos importantes (si os fijáis, el orden del disco no lo he respetado casi nada), tenemos canciones tan buenas como "A Whisper", "Warning Sing" o "Daylight". Destacando sobre todo la segunda, un tema lleno de musicalidad y buen hacer por todas partes. Dichas canciones, completan un disco, que ha sido clasificado como "uno de los 200 albums que todo buen amante de la música debe tener". La gran calidad de todas sus canciones, su impacto y su influencia a lo largo de aquél 2002/2003, lo hicieron galardonarse con los mejores premios. A saber: "Grammys, Brit Awards..." Lo siempre viniendo de quién viene.
También destacar el excelente disco en directo, con su correspondiente DVD, "Live 2003", una de las obras más representativas de su trabajo hasta aquella fecha. El DVD viene editado con DTS y es una compra obligada si uno está empezando con ello, o quiere tener "lo mejor".
Como rarezas, os dejaré con "Moses", canción que aparece en "Live 2003" y me parece una genialidad.
Sin más, me despido. Como siempre, agradeceros el empuje y la ayuda por vuestros comentarios. Mañana, tendremos el último disco, "X&Y" (un trabajo muy polémico) antes de "Viva La Vida". Recordar, que "Viva La Vida" se lanza finalmente el DÍA 17 DE JUNIO, confirmación recientemente facilitada.
1. Don't Panic - 2:17 2. Shiver - 4:59 3. Spies - 5:18 4. Sparks - 3:47 5. Yellow - 4:29 6. Trouble - 4:30 7. Parachutes - 0:46 8. High Speed - 4:14 9. We Never Change - 4:09 10. Everything's Not Lost - 7:15 * Live is For Living (Pista oculta comenzada a las 5:39) 11. Careful Where You Stand (Japanese bonus track) – 4:45 12. For You (Japanese bonus track) – 5:40
Si hay un disco que haya marcado una carrera, ese es "Parachutes". No hablamos de una carrera precipitada o fortuíta. ColdPlay había trabajado en continuas maquetas, discos que no gozaron de éxito más allá de un grupo muy reducido (Safety, Brothers and Sisters o Blue Room), trabajos donde Martin, Will, Guy y Jon, tuvieron sus más y sus menos y donde se asentaron las bases del "sonido ColdPlay". Lanzado en el 2000, y acompañado de cuatro singles, "Parachutes" marca el inicio de la era ColdPlay.
Como no pretendemos hacer una biografía (para eso hay en preparación una entrada especial), centrémosnos en "Parachutes". "Parachutes" es, sin más dilación o adjetivo mejor, perfecto. Nominado y ganador de diversos premios, (como un Brit Awards y un Grammy) el lanzamiento de "Parachutes" dejó a muchos, a cuadros. Nadie, absolutamente nadie, pensaba que saliese un disco debut de ese calibre. Era la evolución de todo lo mostrado en anteriores trabajos o pruebas, y de una forma tan condensada y perfecta, que era imposible no sentirse atraído por sus sonidos cálidos y duros. De hecho, si descontamos su último trabajo, "Viva La Vida", "Parachutes" es un disco con varios cortes muy directos.
"Don´t Panic", viene a ser la canción que siempre está ahí. Es decir, una composición corta, sencilla y que en directo gana muchísimo más. La utilización de determinados instrumentos en algunos directos por parte de Chris Martin y sus chicos, nos hace ver el cariño con la que fué escrita. En cierto modo, podríamos decir que es una canción protesta o simbólica, pero no por ello menos buena.
"Shiver", es heredero de sus primos compases en el mundo de la música, con un sonido lleno de guitarras y una percusión constante. Una canción llena de vida, que va subiendo conforme avanza. Desde su primer minuto, ColdPlay en "Parachutes", muestra sus credenciales. Aquí no se regala nada. Aunque luego el grupo se cansó de la canción (imaginaos tocarla durante más de siete años seguidos), no hay que olvidar, que es sin duda fué el primer contacto que tuvimos con ellos. Y como toda primera vez, se te graba a fuego en la memoria.
"Spies" y "Sparks" son canciones muy complicadas. Personalmente, las catalogaría dentro del estilo más "etéreo" o "alternativo" de ColdPlay. Canciones que necesitan a voces más de una escucha, y que tiene que ser saboreadas con toda la profundidad que se nos deje. Para que os hagáis una idea, "Spies" cambia casi totalmente de registro avanzada la canción, y es sustituida por un sonido más duro de guitarras y baterías. Más adelante, en "Viva la Vida" y en alguna que otra canción de "X&Y" veremos esta "yuxtaposición" de ritmos tan brusca. La verdad es que me encantan.
Si "Shiver" es una canción heredera del ColdPlay que tocaba en garitos o pubs, "Yellow" es la canción por la que muchos indentificarán al grupo. Dejando al lado la perfección que alcanza el disco en este punto, "Yellow" es el motor que llevará a ColdPlay a donde están. Es una canción bonita, tierna, romántica...como queráis. Pero es una canción redonda. Tanto o más, como su videoclip, que os pongo a continuación:
Creo que poco más hay que decir respecto a tal magna obra del pop británico.
Cuándo nadie se esperaba algo más de este disco, llega "Trouble". Un mazazo en toda la cara a aquellos escépticos o críticos con el auge de la banda. "Trouble" es una canción dura, muy melancólica y triste. Es otro de los pilares del disco, y una de las inamovibles en muchos de los directos y conciertos de ColdPlay. Con un videoclip que junto a "Yellow" y otros más que iremos desvelando, se puede encontrar perfectamente entre sus cincos mejores, y con una letra que va directa a donde más duele, os dejo con "Trouble":
Creo que más de uno, estará pensando : "¿Pero tan bueno es el disco?" Os lo digo, alto y claro: No. Es mejor. El disco se reserva un último corte, perfecto para cerrar el estupendo trabajo realizando en el. Si obviamos canciones como "High Speed" o "We Never Change",que aunque son buenas canciones, el tiempo las ha ido poniendo en su sitio, el gran tema final, es "Everything's Not Lost".
Posiblemente, uno de mis temas preferidos. Precioso de principio a fin, con una composición tan sencilla, que te recarga por dentro. Una vez más, este tipo de canciones, suenan geniales en directo, y a tenor de lo visto en varios conciertos, casi supera a la original grabada en estudio. Con una letra que nos habla de no rendirse, de intentar seguir hacia adelante con todas las consecuencias, "Everything's Not Lost" es digna de estar entre las mejores canciones de la banda, y posiblemente, de la historia. Nota: en su versión discográfica, tenemos sorpresa.
La historia y el recorrido de "Parachutes" se fué generando solo. Marcó un antes y un después, y consolidó a la banda como un grupo sólido, lleno de vida y con una carrera por delante. "Parachutes" es un disco imprescindible, sea uno o no fan de ColdPlay, pues marcó un antes y un después en el mercado de la música británica. Y no sólo eso, si no que su calidad, queda patente desde el primer momento que cae en vuestras manos. No se os olvidará jamás el instante en el que os pondréis a fondo con "Parachutes". Si tenéis la oportunidad de adquirirlo (está realmente barato), no os arrepentiréis. Como recomendación, os diré, que si podéis os hagáis con una copia del CD del mercado japonés, pues trae dos canciones nuevas a modo de extra.
Os la dejo a continuación:
Careful Where You Stand (también se puede encontrar en el Single de "Shiver" del 2000)
For You (también lanzada en el Single de "Shiver")
Sin más, os dejo calibrando vuestros equipos, disfrutar de ColdPlay. Mañana, el siguiente trabajo del grupo, "A Rush of Blood to the Head".
Dedicado a: KILLY, S.F, Sumori, DJ-Mat, Toshiro Miffune,Onirbos y todos aquellos que han apoyado con todas sus fuerzas esta pequeña iniciativa. Va por vosotros, "colplayers".
Con la llegada del nuevo disco de la banda inglesa ColdPlay, "Viva La Vida", nos pondremos manos a la obra con varias entradas especiales. Una de ellas, un análisis en exclusiva del nuevo disco, un repaso por su discografía y otras cosas más, como una ronda de caras "B" y maquetas que se irán colgando a lo largo de la semana en el blog.
El especial seguimiento al grupo durante todo el mes de Junio, es, primero, por celebrar lo dos años de crecimiento continuo del blog, llamado así en honor a su anterior trabajo. Segundo, a modo de homenaje personal, por su labor constante y constructiva al mundo de la música.
Por eso, si sois seguidores de tales genios, o no sabéis nada más allá de sus trabajos más sonados, nos os vendría mal pasaros por aquí. Seguro que lo pasamos bien.
Antes que nada, y vaya la verdad por delante: Darabont le tiene cogido el pulso a las historias de King, y eso se nota. Aún estando a un nivel claramente inferior a sus otras dos obras maestras ("Cadena Perpétua" y "La Milla Verde"), y teniendo dos fallos importantes en su concepción, la película entretiene y sabe mostrar las cartas cuándo tiene que hacerlo. Arranca bien, sabe cojer al espectador y presentarle casi de sopetón con el problema. Contiene muchos guiños al cine de Carpenter (los pósters del inicio) y a las novelas de Stephen King, y es consecuente en su planteamiento. Todo parece en un principio, redondo. Pero nada más lejos de la realidad. "La Niebla" no es perfecta. Siendo una película de Frank Darabont, se le puede exigir algo más. Y es que se podría haber ido más allá, y dejar a un lado la simple y típica crítica política/militar/religiosa del género, y profundizar más en unos personajes que son planos y carne de cañón del cine B. La crítica presente en el film, aunque necesaria dado el carácter de la trama, acaba haciéndose casi paródica y excesiva, dando bastante pereza el encontrarse cada muy pocos minutos, con la temática de la fanática religiosa. De todas formas, culpo más a los actores, a la trama y al guión, que al propio Darabont de esto. Y es que el director (por muy bueno que sea, que lo es), no puede sacar de donde no hay. Y a excepción de Marcia Gay Harden, los demás actores, flojos. Muy flojos.
Para rematar un poco, quitando ciertos lastres como los actores y la falta de ritmo en una parte del metraje, os diré que como adaptación es dispar, y tiene puntos a su favor (la excelente ambientación, el cuidado y fiel diseño de ciertas criaturas), pero en muchos puntos, y esto creo que es más problema de producción, es casi más digna de cualquier telefilm, que de una producción cinematográfica. Las escenas donde aparecen no gozan del suficiente impacto, y a excepción de una de ellas, no están bien esquematizadas. No lo digo por unos más que correctos efectos CGI, si no por su falta de tacto a la hora de tratarlos o presentarlos. Y es una pena, pues la tensión, el miedo palpable en cada párrafo de King, tenía un sabor tan cinematográfico, tan "lovercraftriano" que hubiera sido hermoso que Frank Darabont hubiera sabido captarlo.
"La Niebla" no termina de llenar, y es por que en gran parte del metraje, no logra desquitarse del lastre de muchos de sus actores, que no encajan en la historia que Darabont (y muchos de nosotros tras leer la novela de King) tiene y tenemos en mente. Otro aspecto clave, es la falta de tensión y peligro constante, fácilmente captable en la novela original, y que apenas se vislumbra en esta moderna adaptación.Y es una verdadera pena.
No es una película redonda o imprescindible, y ni mucho menos de obligatorio visionado en cines. Pero la recomiendo. Sí, la recomiendo. Sobretodo si se quiere ver un tipo de cine que ya no se hace (el buen cine de terror) y sobretodo, por venir de quién viene.
Saludos a todos.
Rondita de Spoilers:
Secreto: (Selecciona con el ratón para leerlo)
El ataque de la criatura con tentáculos, está muy mal llevado a cabo. Es una escena sin tensión, casi que mal coreografiada. Hay momentos donde la cámara se pasea, literalmente. Podría haber sido más frenética y llena de peso, si se hubiera sabido trasladar mejor el miedo y el momento de tensión.
Thomas Jane está flojo, flojo. No es su primera película de temática al estilo King, pero no se le ve fuerte ni seguro actuando en toda la película. Quizás al final, pero la música le quita dramatismo a la escena, y estropea su único momento de lucirse. Una lástima, el actor me cabe bastante bien, y si se le saca el potencial (mire en "Magnolia") parece hasta actor. --Fin del secreto--
La siguiente crítica, puede contener spoilers. Si no has visto la peli, quizás deberías leerla con cuidado. Aún así, se intentará en todo momento, en no especificar detalles gordos de la trama.
Sentimientos encontrados. No puedo resumirlo mejor. Sé, que como muchos de vosotros, que me he críado con Indy. He visto cientos de veces sus películas, y no han sido pocas las aventuras a las que he jugado imitándolo con mis amigos y primos en algún que otro descampado en pleno verano. Spielberg, Lucas y Ford, crearon un icono. Un personaje clave en el cine de aventuras. Un personaje con carisma, chispa. Un arqueólogo que acababa siempre metido en líos, en catacumbas, descubriendo secretos antológicos o buscando el amor en más de una decena de paises mientras daba clases en la Universidad. Ese Indiana, el aventurero y profesor, ha perdurado en nuestras memorias durante veinte años, esperando volver a salir en cualquier momento, y fascinarnos, como si fuéramos aquellos críos, una vez más. Y seré breve, ha vuelto. Pero quizás, y digo quizás, no ha vuelto como muchos pensábamos, o podríamos pedirle a Spielberg, Lucas o al mísmisimo Indy.
"Indiana Jones y El Reino de la Calavera de Cristal" es una buena película de aventuras. Como las que se hacían antes. Llenas de clichés, momentos y formas, de las que abundaban en el cine de los ochenta. El cine, en el que muchos de nosotros nacimos, y del que somos, en cierta parte, herederos. He oído voces, quejarse de ciertas escenas ingénuas, infantiles o "ñoñas". No pretendo justificar los absurdos animales CGI del desierto, pues eso si que me parece una infantilada destinada a otros públicos (para hacer atractiva la película), pero si decíros, que es una maravilla volver a esa forma de hacer cine. No tanto por lo mitificado o idealizado que tengamos algo (que también influye), si no por la carisma que desprende la película durante sus primeros compases. No hay respiro, apenas hay justificaciones. Todo está dispuesto a favor de la aventura. Y por momentos, consigue lo que ninguna película de entretenimiento puro y duro consigue: que te diviertas. Yo no sé ustedes, pero no paré a mirar la hora, a acomodarme o hacer ciertas cosas que hago con más de una película actual o de hace bien poco. Indy te atrapa. Te atrapa su encanto.
Harrison Ford, sigue siendo el profesor Jones, (ni decir el sentimiento de nostálgia que me invadió cuándo cogía su sombrero del suelo) Cate Blanchett ha creado un enemigo con carisma y Shia, hace un buen papel de chulo o "grasoso" de la época. Incluso John Hurt está bastante bien. No creo que haya ninguna fisura o descalabro en el reparto y sus roles. Los personajes, obviamente, no son los mismos que hace viente o veinticinco años, y eso también tenemos que tenerlo en cuenta. Dichos personajes, están al servicio de la historia. Y este, es quizás, el punto más conflictivo. No tengo ningún problema, en que se utilice el tema que se ha utilizado. Es más, no tengo ni prejuicios. Pero no creo, que sea un tema correcto para Indiana Jones. No creo que sea coherente con su universo, con su mitología. Antes que nada, deberíamos tener cuidado con lo que decimos, pues a muchos, nos falla la memoría, y olvidamos fantasmas y espíritus, puentes invisibles y demás. Pero no pienso que un alienígena y su calavera, sea la mejor historia para una película de nuestro querido profesor Jones.
Y ojo, que la historia está muy bien tratada, y tiene verdaderos momentos de CINE (sí, con mayúsculas), como la excelente persecución en el Amazonas. Dicha correría con camiones, tractores y anfibios, me parece la mejor secuencia de acción de toda la película. Hacía años, y reitero, años, que no veía semejante espectáculo. O la maravillosa descripción con un par de momentos y guiños, a la sociedad americana de los cincuenta. La escena del bar, con los dos matones de la KGB mirándolos de fondo (durante todo el diálogo de Shia con Harrison Ford), me parecen una auténtica genialidad. Estos pedazos, estos lugares comunes, (persecuciones, conversaciones sobre civilizaciones y tesoros perdidos) son indénticos al espíritu de las anteriores películas. Te transportan años atrás, literalmente. No me voy a quejar de los efectos especiales, pues estos, funcionan perfectamente y no son ni abusivos, ni cutres, como he leído por ahí. Señores, es la ILM, los chicos de la chistera. No hay nadie mejor que ellos (quizás WETA) para trabajar al nivel que han trabajado en "Indiana Jones y El Reino de la Calavera de Cristal". Resumiento en el tema de la historia, decir, que hasta bien entrada la película, me sirve y me gusta, pues es funcional y muy misteriosa. Pero llegados a determinado punto (sí, tras las controvertidas cataratas, que me parecieron espectaculares, dicho sea de paso), la historia acaba siendo digna de todo, menos de un film de Indy.
¿Qué tenemos aparte de una historia muy funcional durante casi toda la peli, unos personajes carismáticos y una buena Banda Sonora? Pues un final algo absurdo, unos momentos algo histriónicos, y bichos recreados con ordenador. Aparte de lo escamado que me dejaron los animalitos del desierto y ciertos momentos de humor algo desatado y de lo ñoño de determinadas escenas, hay que decir, que es una buena heredera. Quizás, los que hemos cambiado hemos sido nosotros, y no Indy. Hemos madurado, nos hemos adaptado y muy posiblemente, hemos abandonado la ingenuidad, de la que hacían galas las películas de Spielberg y Lucas hace veinte años. Definitivamente y a todas luces, es una digna película de la saga. Creo que he sentido pocas sensaciones tan bonitas en una sala de cine, como el volver a ver personajes con los que crecí. Tiene una buena banda sonora del maestro Williams (que ya no titubea al parodiar y versionar ciertos temas de "La Guerra de los Mundos", y ya tenéis una pista bastante clara), mantiene el nivel de la anteriores películas (que es difícil, muy difícil) y tiene una secuencia, que para mí, vale oro. Tanto oro, como el volver a ver el Arca Perdida, el Arca de Alianza. Tanto oro, como el poder ver, una vez más, al Dr.Jones dirigiéndose a una nueva aventura.
Ahora, pongo en secretos determinados comentarios sobre la película. No leer ni abrir, en caso de no haberla visto.
Secreto: (Selecciona con el ratón para leerlo)
Historia:
Buena desde sus inicios, y bastante trillada ya al final. No me parece de verguenza como he leído por ahí, pero si algo floja para lo que puede ser un guión de una peli de Indiana. Cuándo ví el careto del alien delante de nuestra amiga rusa...
Cojonudos los guiños repartidos por toda la película. Excelente y muy emotivo el momento de Ford con la foto de Connery. Casi se me saltan las lágrimas.
Bueno, he tenido la suerte de ver "3:10 To Yuma". Fuí de los afortunados que disfrutó de la versión original con Glen Ford cuando era un micaco (no hace tanto tiempo, me las doy de viejo) y recuerdo disfrutar con su argumento atípico. Han pasado varios meses, desde que ví por primera vez el trailer. Cuando comprobé, que dos de mis actores preferidos salían y compartían protagonismo, no pude sino regocijarme como un loco. "Whoa, Bale y Crowe juntos..."
Tras los continuos retrasos en la distribución de la película en nuestro país (que ya va para el medi año casi), decidí verla por otros métodos de la mejor forma posible. En versión original y con una calidad de imagen superior. Osea, que no me tiréis de la lengua, u os soltaré un "torrente" de datos. De todas formas, para excusarme en cierta media, decir que ya tengo encargado el Blu Ray de la película, que según he leído, tiene un sonido excelente.
Seré directo y claro. "3:10 To Yuma", es un nuevo aspirante a clásico del western. Sin rodeos. Por suerte o por desgracia, no es un género que se prodigue, y salvo honrosas excepciones (lo siento, pero me viene la excelente Open Range siempre a la cabeza) no hay mucho donde escoger. Desde el primer momento que arranca la película, nos encontramos ante algo excelente. La música nos mete de lleno en unos espartanos títulos de créditos y se nos presentan a los personajes. Dan Evans (Bale), un granjero (cojo) pordiosero con deudas y su familia, malvive en unos terrenos secos y arenosos. Una noche, le incendian su granja y debe acudir al pueblo cercano a "aclarar" unos asuntos. Sin comerlo ni beberlo, se encontrará con Ben Wade peligroso forajido, que le dá forma un inmenso Crowe.
Hasta aquí, parece la sipnosis de un western o una película del palo convencional. Pero no será hasta bien entrada la aventura (tras el cojonudo ataque a la diligencia por la banda de ladrones de Wade) cuando nos demos cuenta que hay algo más que una buena ambientación o un buen cartel. Sin ir más lejos, me llamó la atención la cuidada puesta en escena y sus laboriosos detalles. Para ser honestos, hay escenas que repetí varias veces. Planos que me parecieron ingeniosos o composiciones en la imagen que son de órdago. Una pista: dinamita + caballo = a buena y realista reacción. Y lo que es mejor, rodarla de la mejor pforma posible.
Os lo digo: es una película que tiene un "mundo" consistente tras sus espaldas. Por una parte, es fácil, sobretodo si trabajamos casi al 100% en un guión anterior y bastante bueno. Pero James Mangold sabe lo que hace. Sabe darte más sin tener que pedirlo. Creo que no hay nada que esté descuidado o dejado al azar. Todo es real y encaja en la situación, y es consecuente con el propio argumento de la película. Argumentalmente hablando, tendremos situaciones típicas del western más clásico, aderezadas con toques realistas propios de producciones más recientes. Ahí radica la gracia y el encanto de "3:10 To Yuma". El desarrollo de los personajes es bastante creíble, y la dualidad del bien y el mal, está difusa en gran parte del metraje. Crowe y Bale, tienen sus peleas dialécticas, y hace que el argumento general (bastante simple) avance conforme el rollo se va gastando. Se podría decir, que casi el 70% del peso del guión, recae sobre estos dos hombres. Pero hay algo más. La película, aparte de la pareja protagonista, tiene personajes tan carismáticos como lo son los integrantes de la banda de Wade, destancando Charlie Prince y Campos (francotirador mexicano) o el doctor (que ya veréis que es realmente).
Hablando de detalles y eso. El maquillaje es excelente. Creo que aquí, tiene que ver mucho la desmitificación de diferentes épocas, que está haciendose hueco el cine actual. Algunos ortodoxos de la materia, dicen que es malo para romper la "irrealidad real" del cine, pero a mi me gusta creerme algo. Creer en lo que veo. Pues bien, el maquillaje de "3:10 to Yuma", sobrepasa la prueba de lo "tangible" o real. Mineros sucios, vasos y botellas manoseados, sudor, lágrimas, sangre...Y lo que es mejor, nada es gratuito o creado por imposición. Todo cuadra y confiere un aspecto realista a la película.
A nivel sonoro, no puedo si no decir eufóricamente, que estamos ante una de las mejores composiciones originales para una película en lo que llevamos de Siglo XXI (nominada a los Oscars 2008). Preciosa, de verdad. Escuchar el tema principal o alguna pista al azar. Si os gusta Marco Beltrami, creo que aquí ha alcanzado la cima. La música evoca escenas e imágenes del duro oeste, y hace más llevadera toda la acción cuando tiene que hacerlo. Lo dicho, de 10.
La cinta tiene una duración justa, y quizás peca de lenta en alguna de las situaciones o momentos. De todas formas, hay que decir, que no todo es perfección en la viña del Señor. "3:10 To Yuma", tiene algunas escenas ingenuas, facilonas o simplemente, ya vistas. La precipitación de alguno de los hechos al final, hacen que el resultado se empañe ligeramente, y que la gustosa sensación que ha ido dejando a lo largo de la historia, se venga abajo. Pero creo que no hay que equivocarse. Esos defectos, ya estaban presentes en la película original, y para no traicionar al orígen, se tenían que dejar tal cual. No creo que sean determinantes en gran media, pero es conveniente dejar constancia de ellos.
"3:10 To Yuma", es una excelente película, que debe disfrutarse cuanto antes en España. Huelga decir, que pude verla en V.O. Como amante del cine tal y como se crea o idea, quiero decir que si uno tiene cierta noción de inglés, la variedad de acentos y modismos, es espectacular. Bale, (como dice un buen amigo mío) es el hombre de los mil y un acentos. Y lo vuelve a demostrar.
Creo que no tengo nada más que decir.
Bueno, una última cosa:
Lanzar un grito contra la distribución de la película, y pedir que las productoras y compañías, nos tomen más en serio. La situación que se está viviendo en España con "3:10 To Yuma", es verguenza. Una película así, no debería perdérsela nadie. En cualquier caso, si tenéis ganas de verla, no creo que haya que explicar que hay que hacer. Internet es un "torrente" de información.
Muchos de vosotros, sabréis, que soy un fan de Godzilla y las películas de monstruos. De las Kaiju Eiga o "Monsters Movie". De la Toei. Ma daba igual que fueran rancias, cutres o pordioseras. Sin ir más lejos, conté por encima algo de mi historia con ellas por este mismo foro. Me he criado con cientos de monstruos de más de 50 metros de altura. He luchado junto a Godzilla, Mothra o Rodan. Han sido parte de mi infancia. La radioactividad, las destrucciones masivas y el ministerio de defensa japonés, han sido mis compañeros de juego. Por eso, y como conocedor del género, os diré una cosa. Cloverfield (aka Monstruoso), es mi sueño hecho realidad. Con matices, eso sí. Y alguno de ellos, graves.
La siguiente crítica puede contener pequeños spoilers
Supongo que entendéis perfectamente, el interés por la película desde que se empezó a rumorear su desarrollo. "¿J.J Abrams en una película de monstruos? Joder, no puede salir nada malo", me decía a mi mismo. Visitando blogs, visitando páginas, contrastando. El fuerte rumor de algo relacionado con Lovercraft, de Slusho...Toda la campaña viral, elevaron las ganas a límites insospechados. La película creó tal "hype" en mí, que me dió por revivir toda mi colección de Godzilla y Gamera. El seguidor asíduo de Lost, entenderá de lo que hablo. J.J Abrams, es el experto en el despiste, en dejarte la miel en los labios y ofrecerte algo menor, pero de tal calidad, que sabes que ha merecido la pena. Algo así ocurre con Cloverfield.
Dejando de un lado la original ( y trabajada en exceso ) la mitología creada por culpa de la maravillosa campaña publicitaria, estamos ante una película que arranca de una manera cuanto menos, original. Durante una ingeniosa fiesta de despedida a uno de los protagonistas (que viaja al Japón para ocupar un nuevo cargo, primer guiño a Godzilla y al mundo japonés) se nos va presentando a cada uno de los personajes. En cierta manera, sé de buena tinta, que dicho arranque, puede aburrir a más de uno. Personalmente, lo considero necesario. Y tampoco hay que aguantar mucho. El tema de la cámara digital y toda su parafernalia "realista", no me llegó ni a marear ni a desagradar en exceso. Confiere a la película de un corte realista, natural. En ciertos momentos (puntuales, eso sí) de verdad crees que harías lo mismo si tuviéramos la cámara en mano. Ese vínculo, junto a los personajes, es lo que hace interesarte por el devenir de los protagonistas. Son esos detalles, los que elevan a Cloverfield por encima de la media en su mismo género.
No podemos dejar de lado, que es una película trabajada en su nivel estético. La atmósfera que se respira en la cinta, es de órdago. Hasta cierto punto, la sociedad americana (desgraciadamente) ha vivido momentos de dicha desesperación o esquizofrenia. Los primeros minutos del ataque del monstruo, son, para servidor, una lección de mostrar y no mostrar nada. En dichas primeras escenas, recordé imediatamente el fatídico 11-S. El descontrol, el miedo, el polvo. La estética de desolación es algo que sólo Spielberg en su "Guerra de los Mundos" (aka War of the Worlds 2005) ha sabido tratar con esmero. Suciedad, ceniza. Fuego. Destrucción. Hemos pasado de explosiones limpias, a otras más reales y tangibles. Hay escenas o imágenes en la memoria colectiva, que nos serán facilmente indentificables. Y en cierto modo, se agradece.
Cloverfield, como he dicho, tiene un arranque brutal. Unos primeros minutos de órdago. Si aparte de la atmósfera conseguida y el realista método de filmado, le unimos unos excelentes efectos especiales...¿Que tenemos? Pues un full de ases. Los efectos especiales (digitales y no digitales) de Cloverfield, rayan a un par de peldaños por encima de la media. No estamos hablando de la típica película con 250 millones de dólares y que al final, nos acaba ofreciendo muñecos de plástico y brillo. Estamos ante una película que utiliza sabiamente sus cartas y que las muestras de forma inteligente. El monstruo, es un acierto en todas sus vertientes. Es verosímil. Es tangible. Su diseño es funcional, trabajado. No hablaré de su aspecto, pero creo que no defraudará a nadie y eso, que era de los más reacios cuando aparecieron diseños por los internetes. Y de Secreto: (Selecciona con el ratón para leerlo) de los parásitos, igual. Son acojonantes. Sus ruidos, sus animaciones. Eso sí, quiero dejar claro que esa idea, ya se comentó y se vió en "Godzilla 85", donde pescadores japoneses eran atacados por un tipo de parásito que vive en la piel del gigantón verde. --Fin del secreto--. Si el monstruo cumple su finción y es realista, lo mismo se podría decir del caos producido a su paso. Es una gozada a nivel visual, contemplar edificios deslomados, chispas y desprendimientos. Más de una película catastrófica debería sonrojarse de verguenza.
Todo esto sería genial y creíble, si no fuera por uno de los guiones más ñoños que he visto en una sala de cine. Cuando trabajas en hacer una película creíble, el guión es una parte fundamental de esos cimientos. No puedes basar un film en su atmósfera y en su trabajo artístico o visual. Tienes que tener algo que te lo sustente. Y es ahí donde Cloverfield, hace aguas. En dónde creía que aguantaría más. El letimotiv de la historia, es el amor. Ahí queda eso. Dicen que por amor, se hacen estupideces. Bueno, pues grupo protagonista hace unas pocas. Y de las gordas. Para no ser muy cabrón, os diré que hay ciertas partes en la película, que me hicieron olvidarme del enchochamiento de Rob Hawkins ( encarnado por un Michael Stahl-David bastante decente ). Y es que la historia principal, se va viendo diluida por momentos ante el caos y la destrucción de Nueva York. Pero es algo que esta ahí, y que destroza por momentos una producción que podría haber sido redonda.
Cloverfield a nivel de película de monstruos, es casi perfecta. Tiene todos los requisitos (monstruos, militares, miedo, destrucción y protagonistas humanos en medio del fregao) y contiene grandes dósis de ralismo, lo cuál siempre es de agradecer en el género fantástico. Pero su estúpido argumento en ciertas partes de la cinta, destroza en gran medida una media de notable alto. En algunos sitios, he escuchado y leído que adolece el síndrome "Soy Leyenda". Esto es, buen trabajo artístico y técnico, y una excelente primera parte de la película. Pues bien, hasta cierto punto, es una comparación válida y pausible. Pero ojo, esto está a años luz de la bochornosa adaptación.
En definitiva, una película que en mi opinión, deja en paños menores a REC, The Blair Witch Project y demás sandeces de cámara en mano. Por lo menos, en gran parte de su metraje. Recomedada para aquellos que babean por monstruoso gigantes, destrucción a tutiplén y militares. Ya estoy esperando impaciente, su edición en HD-DVD. Podré revivir aquellas tardes de monstruos, cuando me encerraba en el salón a ver a mis amigos de 50 metros de alto.
PD: Ahora, algunos spoilers en formato secreto:
Secreto: (Selecciona con el ratón para leerlo)
¿Escuchásteis la voz de la TV/Radio en la tienda de electrónica cuando Rob buscaba la batería para el móvil?
"Nos llegan noticias de ataques a más ciudades"
¿Es eso parte de la histeria colectiva? ¿Hay más monstruos? ¿Será el inicio o la excusa para una segunda parte?
Los detalles a Godzilla y al mundo oriental están a la orden del día. Japoneses corriendo, el tema de Slusho...
¿Cuándo explotan las personas atacadas por los parásitos, dan lugar a otros nuevos? Es algo que no queda muy claro, y creo que sería curioso pronfundizarlo. El cíclo vital del gigante y sus parásitos no queda en absoluto claro y no sería mala idea darlo a conocer en extras o posteriores secuelas.
Absurda la escena de Central Park. Absurda la historia de amor. No podía más, tendría que decirlo. Momentos como esos dos, destrozan el ambiente y el realismo de la película en gran medida...Pero bueno, es una monster movie al fin y al cabo. Comparadas con 3/4 de las de Godzilla o Gamera, Cloverfield es cine de ensayo.
¿Viene el monstruo del espacio? A tenor por la escena final, puede que sea así. Ese tema, no lo tengo en absoluto claro, pues no cuadraría con toda la campaña vista hasta ahora (hundimiento de petroleras, cachalotes muertos en las costas)...¿Hay más monstruos? Yo creo que sí.
Fallida. Una película fallida. Así veo a "Soy Leyenda". Tal vez es el que sea "Soy Leyenda" del excelente Richard Matheson, uno de mis libros preferidos, puede influír a la hora de afrontarla. Pero por ello, intenté ir lo más alejado de cualquier prejuicio y lo más receptivo posible. Incluso, digo a boca llena, que la película me atrapó durante su primera hora. Llegé a creer que podría salir algo bueno.
No, Will, no te eches para atrás ahora...
Comprendo que en los tiempos que corren, es inviable realizar una adaptación heterodoxa del libro. Primero, por que cine y literatura, contienen tiempos narrativos y medios diferentes. Segundo, por que adaptar al pié de la letra una novela, no suele funcionar. "Soy Leyenda", no es un libro particularmente largo, y tampoco muy complejo a nivel argumentativo. Quizás, la mayor dificultad y el peso de la novela, corre a hombros de Neville, interpretado por un Will Smith bastante bueno. El actor se esfuerza, e incluso, cambia su tono de dicción para hacerse al papel y a la situación (destacar el excelente doblaje que una vez más se pone al nivel de la interpretación original). Pero vayamos al tema. Al quid de la película.
"Soy Leyenda", arranca genial. Sin respiro, nos muestra a la veterana Emma Thompson hablando de un descubrimiento, que combatirá y erradicará del mundo el cáncer. Un virus, que reprogramado, conseguirá curar a miles de personas. Obviamente muta, y la humanidad se encamina a la extinción. La película arranca con lo que considero una genialidad. La secuencia de Neville (Will Smith) cazando a bordo de su potente coche a una manada de ciervos, cual leon. O el encontronazo con éstos últimos, en mitad de una Quinta Avenida derruída y destrozada por el paso del tiempo y la acción de la naturaleza. "Soy Leyenda", es de las pocas películas, que supeditan los efectos CGI al argumento. Por lo menos, a la situación de su primera hora de metraje.
¿Los oyes? Son las legiones de fans de Matheson
Veremos una Nueva York abandonada llena de zonas de contención biológica, de coches apilados en las aceras intentando huir, de animales sueltos, de poderosas hiedras y de largos campos en mitad de antiguas carreteras y calles...Excelente. Si a esto le añadimos una cuidada fotografía a cargo de Andrew Lesnie, (responsable, de entre otras, King Kong y La Trilogía de ESDLA), tenemos una ambientación acorde con el tema a tratar. Como ya os dije, llegé a creerme que se podría hacer bien, y que la cosa, no iba por mal camino.
De hecho, la soledad de Neville, se vé excelentemente reflejada en su intento o en su rutina diaria. Salir a buscar comida, a entretenerse, a buscar supervivientes...O a alquilar una película. La escena de los maniquíes, aparte de un guiño a otras adaptaciones, es una excelente prueba de fuego para Will Smith...que no pasa. Veamos. Pese a quién le pese, por mucho esfuerzo que ponga, gran parte de la audiencia, lo sigue tomando como el eterno cachondo del "Príncipe de Bel Air" o el chulito de traje de "Men in Black". De hecho, cuando empezó a dialogar con los muñecos, ciertos espectadores lo consideraron simpático. Algo digno de mofa. Como una cosa graciosa. No me quiero poner a valorar el nivel de algunos espectadores (os podéis hacer una idea), pero es que Will Smith, no consigue transmitir la sensación de soledad.
"Soy Leyenda" puede que tenga uno de sus principales fallos, en la elección del protagonista. Ojo, a mi me medio convence el pobre Will, se esfuerza por sacar otro registro, y está visto, que si quiere, puede (a la vista está la cojonuda "En Busca de la Felicidad"), pero en la película que tratamos, se queda a medio gas. Nadie duda, que en las escenas de tensión (la primera visita a la Colmena de Vampiros) lo borda. En particular esa escena, me hizo acojonarme. De verdad. Oscuridad, una linterna y la ausencia de su única compañía: Sam.
Sam, o el perro (perra en la película) es uno de los aciertos en la película. Si bien en el libro, la situación del animal era diferente, no me parece mala su adaptación a la pantalla. No me importa que se utilicen ciertas licencias, o que se aborden situaciones del libro o de la idea original, de manera ligeramente distinta. Sam hace un trabajo excelente. Memorable es, por ejemplo, las veces que ladra para avisar de su amo al entrar en cualquier sitio no seguro. O su impresionante sacrificio.
Bueno, puede que algunos penséis : "el cabrón de Mowei dice que la película es un rollo, pero le gusta la ambientación, no le desagrada el papel de Will y su perra....¿qué no te gusta?". Pues bien. El principal problema de la película. Los vampiros, o infectados. En la novela original, eran vampiros. Un concepto que comprendo, puede quedar anticuado en los tiempos que vivimos. Vale, estoy de acuerdo.No es de recibo quedar cutre o añejo con el espectador o la audiencia. Pero una cosa es adaptar algo, y otra bien diferente, es echarlo a perder. El diseño CGI de los bichos, es realmente penoso. Funcionan bien en la oscuridad, pero cuando "salen a cuerpo completo" la cosa cambia. Estamos ante criaturas, desfiguradas, con cierto tufo a Voldemort y a los malotes de "La Momia". Son listos o cortos (según la trama de la película) y son tan capaces de escalar edificos de 3 o 4 plantas de altura, como de no saber abrir una puerta. De domesticar perros infectados y elaborar complejas trampas, como de no saber abrir la puerta de un coche.
El tratamiento de la película con respecto a los vampiros, es de pena. "28 Días después" y su secuela, han revitalizado el género del apocalípsis, pero también lo han estancado. Ciertos elementos de "Soy Leyenda" están claramente inspirados en ésta última, como la escena de la persecución de los vampiros a la casa de Neville, o cuando intentan emboscarlo en el dique. Corren y salta igual. Pero bueno, se podría (fijaros lo que os digo) llegar a perdonar.
Neville ahora es doctor y maquero
Pero claro, aparece (lo que en la Novela era un golpe de efecto brutal) la chica. Y que queréis que os diga. Esos últimos minutos, se cargaron de golpe la película. Pum. De un plumazo. Ni los excelentes flashbacks de la evacuación de NY, ni nada. Una basura. La aparición de la chica, tendría que ser un golpe de efecto, una revolución para el argumento, y un giro para el mismo. Pero nada más lejos de la realidad. La película cae en una cursilería, en una ñoñería del más rancio HollyWood. Otro de los momentos clave para el personaje de Neville (su imposibilidad de ser una persona social, sobretodo, tras años de vida en solitario), se quedan en un momento sobre Shrek y una pelea sobre el Bacon. Demasiado forzado todo, y metido con un calzador de mil pares de narices.
La película acaba destrozando todo aquello que ha ido construyendo, con un ataque soso, una pelea absurda, y un sacrificio final, que destroza por completo el espíritu de la novela, y que, para más inri, desmerece el título de la película (y por consiguiente el del libro). El temita de la enviada por Dios, de la cura, y del búnker ese, con poblado final, lo dejo pasar, por que me causó verguenza ajena. Os lo digo en serio. Esos minutos finales, me causaron el efecto de un jarro de agua fría. Me dejaron roto. Como si todo lo anterior, hubiera sido un señuelo para acabar en el espectáculo palomitero cutre y con final feliz como mandan los cánones del cine de acción actual.
La Guerra de los Mundos (2005), ha hecho mucho, mucho daño
Y es una pena, pues podría haber sido fácil adaptarla. Y tenían gran parte del trabajo hecho a tenor de la larga gestación del proyecto, y los precedentes de las anteriores adaptaciones. Pero bueno, supongo que a la cuarta irá la vencida.
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