Resumen de la ceremonia de los Oscars 2010:





Haceros una idea del cachondeíto que me traía esta mañana con todo el que entraba y veía al pobre Jake Sully (Sam Worthington) ahí colgado. Lo reconozco, soy un poco friki. Friki, sí, pero divertido.
A los pro y anti Avatar, sabed que es todo una broma. Os lo dice alguien que tiene más merchandaising de la peli de Cameron que él mismo. No os lo toméis a pecho, aquí estamos para pasarlo bien.

PD: Para ver la versión en 3D, recomiendo ponerse un poco bizco. Luego, retirarse y acercarse a la pantalla/monitor/televisor varias veces para conseguir el efecto. Si quieres Real 3D, tomarse unas birras antes.

Alberto González

Segundo de los especiales sobre Quentin Tarantino tras el repaso a su última película, Malditos Bastardos, cuya crítica encontraréis pinchando aquí.. Tras la presente reflexión sobre Death Proof, se publicará el análisis del Blu-ray edición coleccionistas y una serie de fotos sobre la misma edición y presentación. También estad atentos a nuevas actualizaciones con nuevas críticas y comentarios sobre sus películas y colaboraciones. Let´s go to work.



A prueba de muerte

El punto sangrante de la fallida Death Proof, es que no funciona bien como parodia del género que intenta homenajear. Su estructura de guión es brillante, como siempre en el cine de Tarantino, y sus constantes diálogos (casi el 80% de la película se sustenta en ellos) son buena muestra de ello. Pero hay algo que no termina de funcionar. Primero, es su lento y engorroso desarrollo. La película tarda demasiado en arrancar y en presentar unos personajes, a priori, sosos y algo prescindibles. No es hasta la llegada del bar mexicano de carretera (interesante cameo de Quentin, por cierto) cuando vemos que tipo de avatares intervendrán en la aventura y de que pasta estan hechos. Hasta ahora habíamos tenido una dilatada y algo vacua presentación del grupo de chicas, pero no terminaban de arrancar. Sus conversaciones sobre hombres y demás temas claramente femeninos, son meramente impagables, pero ninguna destacaba por su personalidad. Death Proof son dos películas en una. Por una parte, es una película del típico asesino en serie peligroso de serie B (del conocido como género slasher), y por otra, una excelente road movie con trepidantes persecuciones de por medio. Hasta la mitad de su metraje Death Proof es una película que no termina de funcionar ni arrancar. En la idea original propuesta por Quentin Tarantino, el cambio de juego y concepción argumental (de presa a ratón y viceversa) que podría haber logrado encumbrar a la película como joya y rara avis de la filmografía del director y que a buen seguro hubiese hecho a la cinta más redonda, no termina de cuajar. En principio, es un cambio radical. El personaje de Kurt Russell (El Especialista Mike) pasa de ser el cazador y acosador, al cazado y acosado. Sus presas se rebelan, y su carácter, de ser agrio, chulesco y peligroso, a cobarde. Es la inversión total de los papales. Dicho giro imprevisible, que hubiese sido el golpe de efecto que realmente quería Tarantino, no termina de cuajar.



La presentación del nuevo grupo de féminas es más redonda, cuidada y agresiva que las de la primera comparsa. Si nos ponemos a mirar fijamente las personalidades de cada una, vemos que si mientras las primeras eran chicas comunes, algo aburridas o simples, las nuevas son aguerridas, luchadoras, inteligentes e inconformistas. Es de nuevo la yuxtaposición de ambos grupos lo que hace que las diferencias propuestas en el guión de Tarantino salten a la vista. En la teoría queda genial. Pero en la práctica... Hay cosas que fallan y arrebatan todo logro que se puedise haber conseguido con el presente guión.

El primero de los fallos visibles, es la falta de talento a la hora de actuar de Zoe Bell (la chica especialista en la segunda mitad de la cinta). Entiendo que la intención de Quentin Tarantino fuese la de buscar a una especialista de verdad (no obstante Zoe dobló a la Novia en las escenas de riesgo y acrobacias en Kill Bill) , y que con ello, dotase de una verosimilitud palpable al personaje y a la película en general, pero no funciona. Es una chica mona, preparada y con buena presencia, pero no es una actriz que te sustente casi una hora de metraje. Sobre todo, cuando tienes a una Rosario Dawson que cumple con creces en las situaciones que le planteas. Puede ser que Tarantino tampoco buscase la perfección cinematográfica absoluta (tenemos que tener en cuenta que Death Proof es un homenaje al género grindhouse con lo cuál no hay que buscar una calidad excelsa en todos los apartados), pero si se hace una película de serie B deluxe y con semejante mimo...¡qué menos que cuidar algunos detalles!



Y es lo que nos lleva al segundo punto. Otro de los cambios en la segunda parte de la película, es el tono y el lenguaje cinematográfico. Tarantino es un director que siempre está jugando con el metacine y el lenguaje para/con el espectador. Son constantes los guiños gráficos (las flechitas que señalan importantes personajes en Malditos Bastardos o el detalle de La Novia hablando directamente con los espectadores en Kill Bill Vol 2) en sus largometrajes, y eso, si bien en la primera parte de Death Proof eran notables (pérdidas de rollo, encuadre y defectos de celuloide varios), en su segunda mitad, todo desaparece en pro de un rodaje meramente digital, estético y limpio. No es muy lógico, que una película que es un claro homenaje a un género tan particular como el grindhouse o el exploitation, quede tan refinado, pulcro, frío y vacío por el cambio de la forma de rodar. Robert Rodríguez en su hermana de concepción, Planet Terror estuvo muchísimo más inspirado, con constantes defectos de celuloide, pérdidas de rollo y sonido o problemas visuales varios. Sabe utilizarlos en su película, sabe jugar con ellos y sacarle provecho para la particular narrativa de su cinta. Tarantino, por extraño que parezca, no. Si bien al principio parece que intenta usarlos como su amigo mexicano, cuando la película cambia de rumbo argumental, se olvida absolutamente del tema. Es un problema bastante evidente, pues todo sentido paródico del género queda diluído, y la parte que parecía mejor cinematográficamente hablando, queda coja.



Death Proof en definitiva, es una película de contrastes. Tiene cosas buenísimas, como su excelente libreto (apoyados en unos diálogos fluídos e interesantes como a los que nos tiene acostumbrados Tarantino) y su maravillosa selección musical. Intenta aportar un giro imprevisible con un revulsivo al género slasher y de serie B con un cambio hacia la mitad de la película, pero no termina de funcionar. Unos personajes que no terminan de ser creíbles y una falta de tacto en el lenguaje cinematográfico propio del género al que padorian, lastran por completo el resultado final de una cinta que podría haber sido muchísimo más de lo que ha acabado siendo.

Alberto González

Con motivo del lanzamiento de la película Malditos Bastardos en formato doméstico (Blu-ray y DVD), aprovecho para re-escribir mi crítica sobre la última película de Quentin Tarantino. La colgé en un foro hace bien poco y quería compartirla con vosotros por aquí. Aparte, en cuanto pueda, colgaré un especial sobre el popular y controvertido director de obras como Kill Bill o Pulp Fiction que llevo tiempo escribiendo y una review de la edición coleccionistas en Blu-Ray de la película.

Queda inaugurada La Semana Bastarda de X&Y.



Érase una vez...En una Francia ocupada por nazis

Quentin Tarantino es un director al que es muy difícil de catalogar. Sus películas necesitan de cierto tiempo de asimilación. Envecejen bien, y adquieren significados y matices conforme el reloj de su particular vida avanza. Malditos Bastardos era uno de los proyectos más postergados y atrasados del director, y por ello, las expectativas y esperanzas eran altas. Todas sus películas suelen pasar por diferentes fases creativas durante su desarrollo, y luego, por otras fases y momentos por parte de los aficionados y espectadores. Muchos salimos bastante contentos con los Bastardos de Quentin, si bien otros esperaban algo más gamberro y loco por parte del director de Pulp Fiction o Kill Bill. Está claro que muchos creían ver (o mejor, querían ver) a Pitt como el protagonista de un Salvar al Soldado Ryan fuera de rosca, lleno de situaciones violentas per se (y ojo, que las hay) y demás tonterías del cine más comercial mezclado con la autoría típica de Tarantino. Una especie de revisión de la primera parte de Kill Bill con nazis en vez de samurais o personajes con katanas. Obviamente, aquellos que esperaron tales cosas, acabaron decepcionados. O mejor dichos, abrumados y desconcertados.

Malditos Bastardos es una maravillosa fábula sobre la ocupación nazi en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Cuenta con una excelente división por capítulos (cosa ya habitual en su forma de hacer cine y contar historias), y unas cuantas líneas de diálogos sencillamente magistrales. Todos los compartimentos argumentales, que a priori pueden parecer estancos, irán entrecruzándose y mezclándose hasta un clímax final en ese maravilloso cine de la Francia ocupada, "Le Gamaar". El leitmotiv de la película (o uno de ellos), por así decirse, podría ser la utilización del cine como arma. Del cine como elemento destructor y a la vez, conciliador o resolutivo para los conflictos. Todos los caminos y personajes confluyen hacia el salón de cine regentado por Shosanna, y es allí donde, la venganza se sirve proyectada en plato de 35mm. Malditos Bastardos, al ser una película coral, cuenta con la participación de excelentes actores. Hasta aquí nada es nuevo, pero es el crisol de culturas y nacionalidades diferentes, lo que hacen a la película algo más en dicho aspecto. Y no hablamos de americanos o ingleses interpretando a alemanes o franceses. Tenemos a joyas alemanas (Christoph Waltz, Diane Kruger), bellezas francesas (Melanie Laurent) y reconocidos actores americanos (Brad Pitt). Cada personaje tiene un cierto transfondo, un carisma particular y un papel real en la historia. Hay cierta antítesis entre unos y otros, y es curiosa la yuxtaposición en cuanto a compartamientos y actitudes de algunos de ellos. Por ejemplo, Aldo Raine es un avatar duro, acostumbrado a hacer las cosas a su brutal manera. Él y sus bastardos son fuertes y directos. Sus planes de acciones son devastadores y sonoros. Hans Landa, el oficial de las SS conocido como "El Cazajudíos", en cambio, es un zorro astuto, experto en manipular a cualquiera para lograr sus objetivos. Sabe adecuarse a cada situación e idioma. Es frío y calculador. En Malditos Bastardos todos y cada uno de los personajes hablan en su idioma materno, y eso es lo que precisamente hace destacar al film. Tarantino ha querido dotar de cierto realismo al cine de género de espías y planes disparatados. Secuencias o escenas como la narrada y ocurrida en la taberna (de casi media hora de duración) son un excelente ejercicio de inteligencia narrativa y realizadora por parte de Tarantino. De libro.



Malditos Bastardos es una culminación a todos los niveles del cine de Tarantino. Es la depuración de sus elementos e influencias cinematográficas, un punto y final a su carrera (aunque esta siga creciendo y ampliándose con el tiempo). Es un fuerte plato lleno de referencias a películas del género conocido como "nazismo pulp",(con guiños a obras como El desafío de las águilas y La Noche de los Generales), y al western. Nadie podrá negar el suave y delicioso aroma a Sergio Leone en los primeros minutos de arranque de la cinta. Es maravilloso ver como la campiña francesa se convierte por momentos en un mortífero desierto, y los peligrosos nazis, en bandidos y forajidos del salvaje oeste. Es algo a lo que ayuda (y mucho) su banda sonora. Las piezas escogidas por Tarantino para ambientar su fábula de nazis y soldados judíos son idóneas para los momentos y situaciones que ha querido reflejar. Son melodías que evocan y embelesan al espectador que se deje llevar por las composiciones. No faltarán temas de Ennio Morricone (La Arena, de la película El Mercenario o Salario Para Matar volverá a estar presente) o Lalo Schifrin. Destacar que, lo que podría ser la mejor escena del film, (la de Shosanna apoyada en un maravilloso ojo de buey que deja entrever decenas de pendones con esvásticas de fondo) está musicalmente acompañada de la maravillosa canción de David Bowie Cat People (Putting out the Fire). Jamás había visto un acompañamiento musical más acertado. Malditos Bastardos también es, a su vez, una increíble y referencial muestra a sus desvaríos y fetiches como director. Quentin no oculta su vena claramente paródica hacia el género de aventuras o espías (la escena del cine y el disparatado plan de Aldo Raine y los Bastardos al final es una buena muestra de ello) y se recrea en los momentos más violentos y truculentos. Como película histórica (en el sentido más laxo de la palabra), tampoco faltarán figuras como un histriónico y paródico Hitler o un Goebbels obsesionado con controlar el sentido y el sentimiento patrio de la nación mediante el cine (una referencia más al cine como arma e instrumento poderoso). Malditos Bastardos es cine. Es el mejor cine de Tarantino en los últimos años (con el permiso de los últimos veinte minutos de Kill Bill Vol 2).

Como película de autor, es difícil de catalogar. Malditos Bastardos es una obra maestra muy difícil de alabar. Es un guiño a sus seguidores y a la vez, a los aficionados al cine. No es fácil decir si es o no su mejor obra, de hecho, esperemos que nos continue sorprendiendo y maravillando con películas buenas en un futuro, pero sí se podría decir que es, hasta el momento, el mejor reflejo y resúmen de su corta pero excelsa carrera. Y en Tarantino, a tenor de su pasado cinematográfico, es un grandioso comentario a su favor.




Alberto González

Papá, ¿nosotros llevamos el fuego?

La Carretera es de aquellos libros que perduran en la mente de aquél que se atreve a leerlos. Ya pueda ser por su cruenta y dura realidad, por su excelente prosa o por su significado profundo y ardiente, La Carretera no es una novela de ficción más. Es un alegato a la esperanza sobre todas las cosas. Tamaño significado no es fácil de asimilar, más y cuando, el peso de la razón del mismo libro recae en las desventuras de un padre y un hijo en un mundo arrasado y plagado de la más hiriente y peligrosa miseria humana. Cuando se habló de adaptar la novela de Cormac McCarthy a la gran pantalla, muchos se tiraron de los pelos. Casi ningún estudio quería meterse en camisa de once varas ante una novela tan políticamente incorrecta y peligrosa. Más y cuando, toca temas de formas y maneras en las que solo Cormac McCarthy sabe salir airoso. Tras el éxito de No es País para Viejos y el beneplácito correspondiente de la crítica, el camino estaba hecho. La novela ganadora del premio Pulizter tenía material suficiente como para dar a luz un poderosísimo y sobrecojedor largometraje, pero había que ir con pies de plomo. Aunque fueron muchos los nombres que se barajaron en la dirección del film (se llegó a rumorear que los mismísimos hermanos Coen se pondrían detrás de las cámaras), el peso recayó en un hombre relativamente desconocido, John Hillcoat, que lo único que tenía en su haber era un excelente y extraño western, La Proposición. En la distribución de papeles, también hubo controversia. Si bien nadie ponía en duda que el papel del Padre recaería en el siempre eficiente Viggo Mortensen, hubo muchísimas dudas y problemas al ver que el rol de la Madre, acabaría en Charlize Theron. No por su elección, si no por el supuesto peso que cobraría en la película su personaje (más del que tenía en el libro). Gracias a Dios, todos esos rumores y dudas, han acabado haciendo aguas por todos lados.

La Carretera nos cuenta la historia del viaje por la supervivencia de un padre y un hijo en un futuro post-apocalíptico. Tras un desastre indeterminado (¿y quién necesita saber realmente que pasó?), el mundo tal y como lo conocemos, se desmorona. Los animales mueren, lo que fué verde, ahora es gris. Lo que antes crecía, ahora se pudre. Las ciudades han quedado desiertas, llenas de ceniza y escombros. Los pocos supervivientes, se dedican a viajar como refugiados hacia otros lugares en busca de algo mejor, esquivando y sorteando a las peligrosas bandas de caníbales que pueblan las carreteras. En medio de todo el caos, El Padre (Viggo Mortensen) y el Hijo (Kodi Smit-McPhee) intentan sobrevivir de la mejor manera posible, mantiendo la integridad que caracteriza al género humano.



La Carretera es una película de personajes. El peso de la historia recae en los dos avatares protagonistas, y el desarrollo de la película se basa en sus acciones, pensamientos y recuerdos. La química presente entre Viggo y Kodi es realmente maravillosa. Es tan palpable, real y creíble, que hay momentos en los que piensas que son padre e hijo en la vida real. Jamás en mis años de cine (y se pueden decir que no son pocos) he visto una relación tan bonita y hermosa, tan deliciosamente real, como la que se puede ver en el film. El Padre, una persona supuestamente acomodada a la vida con su esposa en un mundo ideal, se ve forzado a criar solo (tras la negativa y egoísta reacción de su esposa al dar a luz) y llevar hacia un buen lugar a su hijo en un mundo que no se lo pone fácil. Se ve obligado a cargar con el peso de una criatura a la que quiere mostrarle lo mejor de un universo que se desmorona poco a poco e intenta hacerle lo más llevadero posible la elección de vivir en tales condiciones. Es la dualidad entre La Madre (interpretada en los recuerdos del Padre por Charlize Theron) y El Padre, la que nos hará ver como la figura del personaje de Viggo Mortensen es alguien sacrificado, noble y justo ante la adversidad (una persona de principios), mientras que por el contrario, su esposa se refleja como el egoísmo más puro y carnal. Debilidad que también escojen todos los que deciden olvidar todo aquello que nos hacía humanos y caminan hacia la pérdida absoluta del enterismo en pos del más salvaje y despiadado canibalismo, y que está presente y reinante durante todo el film. Durante su viaje, se verán sometidos a durísimas pruebas y situaciones, que revelarán la naturaleza de ambos (el fuego como lo denominan la pareja protagonista). Situaciones, que si en el libro se reflejaban agustiosas, duras o conmovedoras, en su traspaso a la pantalla, se ven aún más demoledoras. Momentos cuando se encuentran con la emboscada de caníbales y El Padre se ve obligado a disparar a uno de ellos (con el consiguiente llanto por miedo, terror y desconcierto hacia la figura de su padre por parte del hijo) o el encuentro con la figura del hombre viejo por la carretera (elocuente y buen personaje interpretado por el gran Robert Duvall).

Es el retrato de la pareja protagonista lo que dota verosimilitud a todo el largometraje, conectando con todo aquél espectador que esté realmente pendiente e identificado con los problemas y visicitudes de ambos. Todos sabemos de la calidad interpretativa de Viggo Mortensen, el cual hace lo que tiene que hacer en todo momento, pero la verdadera revelación de La Carretera se llama Kodi Smit-McPhee. Un tierno infante que arrebatará el corazón de los más duros del lugar, y que tiene momentos en los que está realmente magnífico, conmoviendo con sus miradas, llantos y gestos. Es la inocencia en un mundo vilmente embrutecido lo que hará que te transportes e identifiques con el pequeño mundo que está intentando construír su padre alrededor de él. En definitivas cuentas, una actuación de libro. El chico tiene madera, y no son pocos los que piensan que es el próximo Christian Bale (recordad su papel en la excelente El Imperio del Sol), dado sus duelos interpretativos con un actor de la talla de Viggo. Tiempo al tiempo (aún es pronto para hablar sobre la carrera del niño), pero hay que tener un ojo encima de él.

Para dar ejemplo de que La Carretera es una obra maestra en todos y cada uno de los apartados que toca (y no solo a nivel de actuaciones), decir que estéticamente, La Carretera está a otro nivel. La fotografía de nuestro compatriota Javier Aguirresarobe es digna de admiración, abogando por tonos grises y apagados, sucios y ocres, sin nada de iluminación artificial y dependiendo de los caprichos del astro rey para rodar (si se levantaban las nubes en el set de rodaje, se paraba todo). Tiene algunos momentos preciosos en el término visual, como son un par de planos aéreos alrededor de ciudades devastadas con enormes barcos anclados y estampados en sus calles y edificios o deprimentes paisajes carbonizados donde los árboles se caen uno tras otro. El escenario apocalíptico es un personaje más en La Carretera, es un compañero más de viaje de la pajera protagonista, y como tal, tiene una importancia vital en el desarrollo de la historia.



La Carretera es una obra maestra. Sin rodeos, sin tapujos. No es de fácil asimilación, es una película pesada y de difícil digestión, pero es una muestra del buen cine en tiempos difíciles, y es transportadora de un mensaje digno y puro en momentos convulsos. Es una oda a la dignidad humana cuando la desesperación llama a la puerta. En los tiempos que corren, donde las salas se llenan de personas que se consideran cinéfilas pero se dedican a contar dólares y centavos en los resultados de las taquillas (como los mismísimos directores y jefes de las compañías a las que tanto critican cuando solo miran por el vil metal) y en los que o estrenas tu película en chorrocientas dimensiones o no eres nadie, La Carretera brilla por luz propia. Brilla en un océano de ceniza cinematográfica gracias a sus actuaciones, a su grandioso y eficiente guión (una de las mejores adaptaciones jamás vista) y a una estética y fotografía digna de admiración. La Carretera es una de esas películas ignoradas, casi de culto, que con el paso del tiempo, serán recordadas como joyas de su tiempo, cintas que no tuvieron la suerte ni la publicidad necesaria para ser recordadas por el gran público (ni por la crítica, como es evidente dada su no inclusión en ninguna de las candidaturas a los Oscars), pero que perduran en las retinas y corazones de todos aquellos que en su momento apostaron por ella. Ahora es el momento de reflexionar y pensar seriamente, si uno lleva el fuego cuando nos referimos a eso de amar el cine haciéndolo perdurar mediante el recuerdo y la honra o si por el contrario se encuentra en el colectivo devorador de las películas espectáculo cuales caníbales cinematográficos. Si está entre los primeros, no se la pierda. Lo agradecerá.



open.spotify.com/album/0w9ZV8fOJuCXb9MqHPkTKG

La banda sonora es simple pero emotiva, a cargo de la pareja que nos brindó la excelente pista de audio de El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, Nick Cave y Warren Ellis.

Alberto González

Soy el amo de mi destino; Soy el capitán de mi alma


Más allá de la noche que me cubre
negra como el abismo insondable,
doy gracias a los dioses que pudieran existir
por mi alma invicta.
En las azarosas garras de las circunstancias
nunca me he lamentado ni he pestañeado.
Sometido a los golpes del destino
mi cabeza está ensangrentada, pero erguida.
Más allá de este lugar de cólera y lágrimas
donde yace el Horror de la Sombra,
la amenaza de los años
me encuentra, y me econtrará, sin miedo.
No importa cuán estrecho sea el portal,
cuán cargada de castigos la sentencia,
soy el amo de mi destino:
soy el capitán de mi alma.

Invictus es la última creación de ese mastro de directores que es Clint Eastwood. Basada en el libro de John Carlin (Playing the Enemy: Nelson Mandela and the Game that Made a Nation), la película narra los problemas del nuevo presidente de Sudáfrica, Nelson Mandela, y sus acciones y movimientos para gobernar un país dividido por las vicisitudes de un imperante racismo aletargado en la sociedad africana tras años de opresión. Usando el deporte (el rugby) como principal caballo de Troya para sus objetivos (evitar el odio de la minoría blanca afrikaner), el destino de la nación africana cambiará para siempre una vez la pelota se ponga en juego.

La película del genial director de Million Dollar Baby y Gran Torino, juega constantemente con los estilismos propios del más común de los biopic. Consigue enaltecer la figura del presidente Nelson Mandela tras su paso por la prisión y enarbola sus característicos movimientos en contra del racismo. Durante gran parte del metraje, veremos una detallada (aunque algo insulsa y falta de motivación) descripción de su rutina en los primeros años y días de su mandato, consiguiendo (a duras penas) establecer una conexión de la figura que actua como principal baluarte de la película y el espectador. Eastwood no logra reflejar del todo el poder iconoclasta que tiene Mandela (que Morgan Freeman interpreta con bastante lucidez, dicho sea de paso), y finalmente fracasa a la hora de establacer una base fuerte o consistente entorno al popular mandatario negro. Lo que podría haber sido una apreciación excelente a la figura de Mandela para contar lo que pasó aquellos días por Sudáfrica, se queda en un simple y facilón acercamiento. Un personaje tan complicado, enrevesado y astuto como Nelson Mandela, debería haber contando con una mayor fuerza en el reflejo de sus actividades a la hora de enfrentarse al problema que se plantea en la película. No es que se reclame un biopic absoluto (eso sería aburridísimo y en cierto modo, inviable), pero si una mayor complejidad de la que se ha pasado con bastante deferencia. A fin de cuentas, hay momentos en los que parece más un aficionado al deporte que el verdadero motor de uno los movimientos más arriesgados y lúcidos de la historia de la política. Aunque lo comentado no es problema para Invictus en el conjunto de su alegato, si es cierto que lastra gran parte del potable resultado que tiene en el resto de sus apartados.

El peso de la película (y por ende, los mejores compases de la misma) acaba recayendo en el (una vez más) impresionante Matt Damon, verdadero artífice de los momentos más lúcidos, interesantes y completos de Invictus. Matt Damon, que da vida al capitán de la selección sudafricana de rugby Francois Pienaar (conocidos comos los Springboks), es la herramienta usada por Mandela para atar los últimos cabos de una nación dividada tras años de apartheid. En una maniobra criticada por sus mismos compatriotas y electores, la selección se volverá un sinónimo de unidad nacional tras haber sido un símbolo del racismo y la superioridad afrikaner sobre el pueblo negro. Y es ahí donde Invictus sale victoriosa. Momentos como el primer contacto del equipo con los chicos de los barrios más marginales y empobrecidos del país, la visita de Mandela a los entranamientos, toda la alegoría a la libertad presente en el poema (y en el himno) que dá título a la película o el contraste del odio de la población negra al más maravilloso de los apoyos (a destacar como al principio hay un pequeño que no quiere llevar el polo de la selección por miedo a represalias de sus amigos y al final acaba celebrando con ahínco los resultados de la misma selección), consigue que Invictus sea algo más que un sesgado y sencillo biopic de Nelson Mandela. A fin de cuentas, uno de los mensajes que están impresos en el código genético de la película, es que es el deporte lo que nos hace iguales en el fondo de la cuestión. Es el espíritu de unión ante la adversidad y un enemigo común (aunque esté en el terreno de juego y sea un adversario meramente ficticio fuera del plano deportivo) los que nos hace iguales y compatriotas. Los que nos hace compañeros de equipo. Compañeros bajo unos mismos colores. El verdadero factor humano dentro de toda la ecuación que se plantea en Invictus.



Invictus esconde en su interior una referencia más al cine rompedor de barreras y segregaciones raciales del que hace gala Clint Eastwood durante toda su carrera. Ya vimos el fuerte sentimiento unitario del mismo en la excelentísima Gran Torino, tocó levemente el tema en aquella obra maestra del western llamada Sin Perdón (el personaje de Morgan Freeman pasaba por un mundo de blancos sin el menor atisbo de diferencia por el color de su piel) y lo volvemos a ver en la presente obra. Invictus es un claro alegato a la superación del ser humano, a la necesaria sensación de unidad a la hora de enfrentarnos a grandes problemas y desafíos, sin importar el color de piel, idioma o credo. Es en los momentos ya citados anteriormente, donde aparece levemente (pero con gran fuerza audiovisual) dicho leitmotiv de la obra eastwoodiana de los últimos tiempos. Uno no puede evitar rendirse ante ciertas secuencias de corte clásico (curiosamente casi todas agolpadas hacia el final de la cinta, donde también puede verse un cambio de ritmo bastante evidente a fin de cuentas de resolver toda la trama) contadas y narradas con un pulso propio de Eastwood, y acompañadas por las omnipresentes melodías étnicas habituales en las películas ambientadas en el continente.

El cine es el arma más poderosa a la hora de transmitir ideas, pensamientos, críticas o sentimientos. Es una herramienta potente que consigue llevar directamente a la psique de los espectadores aquello que el director o creador desea. Es tan útil y eficiente, que cuando se consigue aquello que se intenta plasmar (y no siempre todos los realizadores lo logran), el gérmen enviado desde el proyector a nuestras retinas, queda grabado a fuego en el alma de todo aquél que se deje llevar por el medio cinematográfico. Clint Eastwood es uno de los pocos directores que pueden alardear de hacerlo, y aunque el resultado en Invictus es bastante irregular, el núcleo de la idea que pretende transmitir a la audiencia, llega perfectamente a poco que el espectador tenga cierta inquietud a la hora de enfrentarse al largometraje como algo más que un mero entretenimiento. Y eso, en la era del espectáculo, las 3D y demás parafernalias más propias de la feria y el circo, es muchísimo.

Alberto González

Actualizo el post con la Banda Sonora Original:



(Copiad el siguiente enlace en vuestro navegador, pinchad en él, y tendréis el disco para escucharlo mediante Spotify)

open.spotify.com/album/1akhhUzkrmfNRtTSBRHJdm

"Bienvenidos a ZombieLand"

Cuando se encuentran ideas originales entre secuelas, adaptaciones y plagios descarados de películas anteriores pero con más bombo y artificio, siempre suelen parecer mejor de lo que realmente son. En un año bastante movidito en cuanto a temática de terror y gore (sobre todo en circuitos menos comerciales), es difícil destacar. Y más si eres un director novel, como Ruben Fleischer. Tener una idea original, conseguir el presupuesto y los actores indicados para llevarla a cabo, lograr que todo acabe plasmado en la pantalla de la mejor manera posible y para colmo, no traicionar tus principios consiguiendo una buena película sin presiones ajenas (muy propias de los primeros films a los que se enfrentan un director recién salido del cascarón), es muy difícil. Muy pocos pueden alardear de ello.

Ruben Fleischer ha demostrado en sus contactos y entrevistas con la prensa, que es un hombre bastante curtido cinematográficamente, y eso se nota. Él mismo ha declarado varias veces que es un director con gran cariño y pasión por otros grandes realizadores, como pueden ser Sergio Leone o el mismísimo George Romero (éste último, padre del concepto de zombie y de muerto viviente tal y como hoy conocemos). Ruben Fleischer se identifica con ellos, incluso se atreve a decir que en cierta manera, sus películas son homenajes a su forma de rodar y contar historias. Un hombre que ame a Sergio Leone, no puede ser malo, la verdad. Otra cosa es que dichas aficiones y gustos se plasmen con coherencia o verosimilitud en la pantalla (cosa que no pasa en "ZombieLand"), pero el tenerlos de maestros de fondo y cabecera, siempre reconforta en una época de genios encumbrados, dioses caídos y geniecillos de tres al cuarto.

"ZombieLand" nos propone una idea fácil y bastante trillada en cuanto a punto de partida. Todo el mundo ha caído bajo una epidemia que vuelve locas a las personas. Las convierte en zombies con ansias de carne y sangre. Así pues, todo rastro de civilización, de vida humana organizada, de todo lo que conocemos, ha desaparecido en cuestión de días y horas. En tal caótica y apocalíptica situación, muy pocos son los que logran sobrevivir sin cometer errores, fallos o descuídos. Hay que tener la máxima concentración para tener una oportunidad de vivir y no caer presa de las hordas de zombies (o infectados, vayamos a tener problemas o disgustos) que reinan en las calles y autopistas. Para ello, nuestro protagonista, interpretado por Jesse Eisenberg (al que ya vimos en la excelente "Adventureland"), idea y escribe una serie de reglas básicas para sobrevivir. Dichas reglas (que serán el principal leitmotiv durante toda la película y a las que no faltarán las referencias pertinentes según en que momentos), son mostradas de una forma tan original como novedosa, y se convierten en uno los aciertos más interesantes y buenos del film. Presentadas con pequeños sketchs y situaciones, mostrarán los aciertos y logros (así como los fallos) de las personas que las cumplen y las que no. Divertidas, y muy realistas. Y lógicas. Al fin y al cabo, dichas premisas son simplificaciones de las ya vistas en el maravilloso libro de Max Brooks "Zombi - Guía de superviviencia", publicado hace bien poco en España.



Así pues, siguiendo dichas reglas, Jesse Eisenberg acabará topando con el típico tipo duro. Un hombre curtido, peligroso y que se ha forjado así mismo en un mundo reinado por los zombies y que se desmorona por momentos. O eres fuerte, o te comen. Quizás ésta sea la referencia al cine de Leone (tipo con sombrero que baja de un caballo o coche, con un rifle entre manos y de muy pocas palabras), pero no queda demasiado claro para la audiencia. Sin apenas intercambiar palabras (se nombran como capitales de Estado y ciudades de los Estados Unidos para evitar intimar demasiado), Tallahassee (encarnado por el siempre eficiente Woody Harrelson) aceptará tutelar durante un tiempo a nuestro desdichado protagonista (Columbus desde ése mismo instante). A partir de dicho punto,"ZombieLand" adopta el estilo de una divertida y disparatada road movie de situación con zombies de por medio. A semejante pareja, no le faltará la compañía fémina: Emma Stone (Wichita en el film) y Abigail Breslin (Little Rock), harán la réplica por parte del sexo contrario. Si al principio de su aventura la tensión es tan palpable que se puede cortar con un cuchillo (ambas mujeres son de armas tomar), conforme avanza la película, te irás dando cuenta de como cada protagonista evoluciona lentamente, e incluso, te llegarás a sentir identificado con alguno de ellos en según que lugares y situaciones. Cada personaje tiene unos roles bien definidos y diferenciados, y todos irán cambiando y adaptándose al mundo que les toca vivir, y por ende, a las personas que el destino les ha dado como compañeros. Si bien es cierto que no explora plenamente lo que podría haber dado de sí una película de tales características, llega un momento en el que el espectador más avispado se dará cuenta, de que la premisa subyacente durante todo el metraje (sin contar la mera supervivencia), es la aceptación por parte de alguien. El miedo a sentirse solo o desamparado en un mundo tanto o más cruel que el actual. Y eso hace a "ZombieLand" increíblemente arrebatadora. Ya vale de películas de zombies con mensajes profundos. En la sencillez de las historias, muchas veces, radica su grandeza.



"ZombieLand" es al humor americano y su forma de hacer cine, lo que fué en su día Zombies Party a sus homólogos ingleses. De hecho, las comparaciones entre ambas películas estarán a la orden del día, compartiendo ciertos lugares comunes (obviando la brutal diferencia entre culturas y estilos de vida así como formas y técnicas de rodaje) y recursos argumentales. El director de la presente "ZombieLand" ha evitado y esquivado las odiosas comparaciones en todas sus declaraciones y comentarios sobre su película, pero la yuxtaposición de los dos films es tan evidente, que bien podría darse a estudio en alguna que otra escuela de cine.

Si argumentalmente es bastante correcta, en el plano técnico, es soberbia. "ZombieLand" arranca poderosísima con unos títulos de crédito realmente inspirados y acompañados de una banda sonora de infarto. Los recursos visuales y estéticos sorprenderán durante toda la cinta (increíble lo bien mostradas e integradas que están todas las reglas en casi cualquier escena en el metraje), y son todo un acierto narrativo de cara al espectador. Con respecto a la banda sonora, no faltarán ni temas melódicos y composiciones relajadas propias de la América más country y profunda, ni canciones rockeras de pura cepa. El nivel conseguido en el plano musical y técnico es realmente digno de admiración, y recuerda vagamente al presentado por otros directores como el mismísimo Zack Snyder en sus películas (El Amanecer de los Muertos y Watchmen traían ambas un buen compendio de excelente gusto musical). Grupos como Metallica y Blue Oyster Cult, a cantantes como Paul Anka o Willie Nelson. Un dulce equilibrio que engrandece aún más a la película en cuestión.

"ZombieLand" es una maravillosa película de zombies, contiene una historia sencilla y algo romántica (que se desinfla algo hacia el final), pero es a su vez, también una buena comedia de carretera. Con un buen reparto ( cuenta con un asombroso cameo de alguien al que muchos profesan una admiración absoluta ), un casi perfecto plano técnico y una banda sonora digna de escuchar, "ZombieLand" es una película que no debe perderse el buen amante del género de zombies y que también puede llegar a gustar al que jamás se ha atrevido a adentrarse en el. ¿Podría haber sido mejor? Posiblemente, pero el resultado es a todas luces, envidiable, y quizás, es bastante probable, que algún día se encuentre como cierto referente del género. Muy recomendable.

Alberto González



Os dejo con el link a gran parte de las canciones de la película en una lista de reproducción propia por parte de Spotify

Copiad el siguiente enlace en vuestro navegador, pinchad en él, y tendréis el disco para escucharlo mediante Spotify)

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¿Habéis visto "Avatar"? Recordad que podéis comentar lo que os pareció, así como leer la crítica de la misma película, en la siguiente entrada.

"Chicos, ya no estáis en Kansas. Bienvenidos a Pandora"

Hay proyectos, ideas e ilusiones, que se mantienen durante muchísimo tiempo en las cabezas de miles de personas. Conceptos que maduran, evolucionan y se mantienen en la imaginación de su creador. Luego, al plasmar tal torrente imaginativo y creativo, las cosas pueden salir bien, regular o mal. "Avatar" es la última película del director James Cameron, cineasta que ha tocado varios géneros con resultados geniales en todas y cada una de sus incursiones. Nos brindó las dos primeras partes de la saga de ciencia ficción por excelencia, "The Terminator". Nos alistó al servicio de Marines Coloniales para luchar una amenaza alienígena desconocida en "Aliens" y nos maravilló con la faceta cómica del héroe de acción Arnold Schwarzenegger en "Mentiras Arriesgadas". Pero su obra maestra, la película por la que nadie daba un duro, se presentó allá por 1997, sorprendiendo a propios y extraños: "Titanic". La película en la que el mismo se excuso con un lacónico "la rodé para hundir el barco", demostró lo que se había ido intuyendo a lo largo de su corta pero bien formada carrera: que era un director con un pulso narrativo impresionante.

A James Cameron le da igual plantearte durante viente o cuarenta minutos la presentación de sus personajes protagonistas. En "Aliens", desarrolla durante casi media hora la situación, vida y costumbres de un escuadrón de militares. Te presenta a los integrantes del equipo, los reconoces y llegas a creer que los conoces de toda la vida. En "The Terminator" y "The Terminator 2: Judgment Day", ocurre exáctamente la mismo. Plantea una situación durante gran parte del metraje, la desarrolla y luego, la resuelve. Todo ello se volvió casi perfecto en "Mentiras Arriesgadas" y se convirtió en magistral en la ya comentada,"Titanic". Por eso, cuando se habló de que su siguiente proyecto sería una obra de ciencia ficción, los comideros de revistas y periódicos del mundo del cine, se dispararon. Aún internet no estaba asentada, y las legiones de fanáticos que vendrían más tarde (sí, aquellos en los que el sentido crítico brilla por su ausencia), no habían hecho piña.

Han sido años de cambios, rumores, cancelaciones y retrasos en la concepción del difícil y complejo mundo de "Avatar". No fueron pocas las voces que se levantaron a animar la cancelación y termino de semejante producción. El presupuesto se disparó unas cuantas veces, y la utilización de la tecnología necesaria y pertinente de la cinematografía en 3D, adquirió un peso determinante. El mismo James Cameron fue consciente del material que podría llegar a tener entre manos cuando terminó de rodar "Titanic" y se puso a rodar documentales con tecnología IMAX. Sabía que era capaz de dar un salto mayor, y que las herramientas necesarias, de no estar disponibles, se tendrían que crear. Pero era el siguiente paso, el siguiente nivel. Cineasta aventurero en cuestiones técnicas (revolucionó el mundo de los FX por ordenador con la segunda parte de "The Terminator" y el impresionante terminator de metal líquido, T-1000), se armó de valor y de una fuerte inyección monetaria y se equipó con las modernas cámaras PACE Fusion 3D HD, unos enormes mastodontes que montan un doble objetivo y graban la imagen en Alta Definición y en tres dimensiones. Todo estaba listo. James Cameron tiene su tecnología, ha gestado durante más de una década un universo propio y ha preparado (según él) "a consciencia el guión".

Guión, que a priori, es sencillo. "Avatar" nos propone viajar a un mundo conocido como Pandora, donde los seres humanos han encontrado un preciado mineral que se vende a un alto precio en el mercado. Allí toparán con una raza tribal conocida como los Na´vi, criaturas de aspecto felino de más de dos metros de alto, difíciles de matar y muy testarudos y territoriales. Durante años, los científicos y la delegación militar han intentado buscar una solución medianamente pacífica al eterno conflicto, con programas de educación y pacificación, pero la cosa se estancó. La principal baza del programa, es utilizar los cuerpos genéticamente modificados (con ADN humano y Na´vi) llamados "avatares". Con ellos, el choque de culturas es mucho menor, y se pueden conseguir mejores resultados en los estudios de la flora y fauna, aparte de otorgar libertad y seguridad en el complicado entorno de Pandora. El destino hará que Jake Sully (interpretado por Sam Worthington), un militar paralítico, llegue al maravilloso y peligroso mundo de Pandora y cambie su vida para siempre.



El trabajo de creación de Pandora ha sido realmente complicado. Weta Workshop, Weta Digital e ILM han trabajado durante años en crear un universo verosímil, rico y variado, dotado de personalidad propia. Pandora es un planeta que vive bajo la órbita de Polifemo, un planeta enorme, de gran parecido a Júpiter. Pandora tiene una atmósfera peligrosa, llena de gases muy tóxicos para la vida humana (deben ir con máscaras de gas si salen al exterior), y que da como resultado, que las criaturas que viven en semejante entorno, sean enormes y potencialmente peligrosas. La gravedad es muy parecida a la que tenemos en la Tierra, si bien hay un cierto punto del planeta, donde por influencia del alto poder de atracción gravitacional de Polifemo (el planeta que abraza a Pandora), dichos parámetros no son del todo exactos. Allí las rocas y montañas flotan, y los instrumentos de navegación se vuelven locos. En Pandora, aparte de los indígenas Na´vi (que viven en varios puntos del planeta, con diferencias culturales pequeñas entre dichos grupúsuclos), habitan una serie de criaturas salvajes, como los Thanator o los Banshees. Los primeros son unos enormes depredadores muy territoriales, con gran parecido en costumbres y vida a las panteras de la Tierra, y los segundos, enormes pájaros que surcan los peligrosos cielos de Pandora. También tenemos peligrosas y bellas plantas, árboles de miles de metros de altitud o enormes y tempestuosos océanos. Si algo hay que agradecer a James Cameron, es la impresionante muestra de poderío e imaginación que representa Pandora en sí misma. Sin ir más lejos, el mismo director, cuando solían preguntarle donde había estado durante tanto tiempo, simplemente respondía: "He estado en Pandora". Weta Digital y Weta Workshop han dado a luz un mundo tan realista o más al que vimos en el 2005 con "King Kong" de Peter Jackson.

El punto de partida de la historia, como habéis visto, es simple, y Cameron no se preocupa en (una vez más) plantear y presentar la situación durante gran parte de la primera mitad de la película. Con la excelente voz en Off de Sam Worthington (Jake Sully en el film), coloca a los personajes, nos muestra levemente sus carácteres y personalidades y los pone a danzar entre selvas y bichos. Una situación que podría ser un excelente inicio para la posterior aventura, pero que, conforme avanza el reloj, uno se acaba dando cuenta de que es un simple pretexto para una historia demasiado común y tópica. De hecho, la historia apenas avanzará hacia los derroteros propios del cineasta (grandes nudos y mejores resoluciones), y acabará siendo un refrito y pastiche argumental de otras películas, dando un resultado bastante dispar en según que situaciones. Si bien todos partíamos de que nos enfrentábamos ante la conocida historia de "choque entre dos culturas con historia de amor de por medio" tan vista en el cine ("Bailando con Lobos", "Pocahontas", "El Nuevo Mundo" o incluso aquél bodrio de animación australiano, "FernGully"), conociendo a Cameron, bien podríamos haber esperado algo más, algún toque de genialidad extra.

Pero no ha sido así. Los personajes excelentemente presentados y caracterizados (con una especial atención y mención a Stephen Lang como el omnipresente coronel y a la siempre excelente Sigourney Weaver) son meras marionetas de fondo para la historia de amor entre Jake Sully y su avatar, y la indígena Na´vi, Neytiri (encarnada por Zoe Saldana). Historia de amor que vivirá absolutamente todos los momentos que esperáis ver. Tendremos momentos de enseñanza, de aceptación, de confrontación y choque cultural...Con lo que volvemos al punto de partida. Es exactamente lo mismo de siempre. En los tiempos que corren, es muy difícil pedir originalidad a una historia cinematográfica, pero de vez en cuando, se dá dicho "rara avis". Una película que sorprenda, que cambie, que modifique, o que simplemente, muestre una evolución real de un género determinado. Películas que muestran pequeñas pinceladas que hacen diferenciar el tronco principal de una película del resto. Que las eleva a un nuevo nivel. Y son dichas pinceladas, esenciales en el cómputo global, las que acaban levantando a la cinta en cuestión del resto de sus compañeras de género y medio. Lo que acabo de decir podría haber pasado con "Avatar"; Trístemente, no ha sido así. Pues si estáis esperando que durante la película se encuentre algo a nivel argumental que la convierta en diferente, en algo nuevo, estáis muy equivocados. Si bien es cierto que "Avatar"sigue la típica construcción de una película de James Cameron (buen planteamiento, un nudo complicado y una resolución magnífica) es la falta de genialidad en la historia de amor y su absoluta sensación de deja vu la que echa al traste el principal nudo del film. También tenemos un cierto transfondo ecológico bastante diluído durante gran parte de la obra, pero que cobra un especial protagonismo conforme se acerca el clímax final, y que como bien han apuntado determinados críticos, es una copia casi perfecta (un fusilamiento literal de la idea y del planteamiento) de la moralina que nos brindó el maestro Hayao Miyazaki en "La Princesa Mononoke", que por cierto, también tiene una historia de amor entre dos personas de diferentes mundos y costumbres. ¿Casualidad? Probablemente.



Y ojo, no se debe a que los efectos visuales nos tiren hacia atrás. Al contrario. El nivel técnico y visual de "Avatar" es absolutamente intachable, como ya hemos comentado anteriormente. Los Na´vi son creíbles, tangibles, y las reacciones y actuaciones de los actores son reconocibles. Sabrás que hay una persona detrás de cada bicho azul, y que sus gestos, miradas y actos son reales, y no animaciones baratas o capturas de escaso trasfondo. Se aprecia que hay un laborioso trabajo detrás, y es por eso, por lo que la sensación agridulce es aún mayor. Uno no se puede olvidar que teniendo en cuenta la laboriosa concepción de tremendo universo y de semejante tecnología, la historia tendría que haber estado a un nivel mucho mayor. No se puede decir en que la historia es una simple excusa para demostrar la tecnología de la que se dispone. Eso lo hacen directores chusqueros y facilones, como Michael Bay (que ha ido vendiéndose progresivamente en su carrera). James Cameron es un director que supedita los efectos especiales a la historia, si bien demuestra tener siempre a mano los mejores medios disponibles. Si seguimos la excusa barata que muchos han blandido como defensa a la escasita historia de "Avatar", "Transformers 2" no hubiera sufrido semejante paliza por parte de la crítica o los espectadores, pues de efectos especiales funciona a un nivel brutal, y de historia, pues mejor dejarlo. Es muy difícil, pero hay que tener criterio y ser consecuentes. Y lo digo por todos: ni "Avatar" es una obra maestra como muchos han dicho, ni es un bodrio de proporciones bíblicas. Simplemente, falla donde no debería de hacerlo. "Avatar" solo tropieza ahí (a nivel argumental y de construcción de guión), y se podría decir que ni falla, pero es que sus niveles artísticos, técnicos y visuales son tan grandes, que un simple bajón o descuido en cualquiera de los otros aspectos, se nota el doble. Y más viniendo de quién viene. "Avatar" podría haber sido una oportunidad excelente para mostrar una historia, (que si bien no puede eludir los compromisos de la manida y vista historia de amor entre personas de diferentes mundos) de nuevas oportunidades, de redención y de la oportunidad de una nueva vida para todo aquél que ya la perdió (en relación directa al protagonista de la cinta).

Y es un problema, que verdaderamente, se podría haber solucionado. Es decir, si la película cuenta con una buena base de actores, un gran comienzo y una serie de historias de trasfondo bien planteadas (tal y como se puede ver en los primeros y excelentes veinte minutos del comienz), no es difícil desarrollar una historia personal del protagonista principal. En cambio, se nos cuelan una serie de "capítulos" narrados mediante el videoblog de Sam Worthington , recurso, que bien presentado podría haber ayudado a la película para tener una narración coherente y para nada desprendedora de la sensación "Deux Ex Machina" que va dejando el film conforme avanza. En "Avatar" los personajes desfilan, hacen cosas y luego tienen un final. Pero no te importa, no te sientes identificado con ellos. Y vuelvo a repetir, los actores no lo hacen mal, pero sus personajes, no son nada. Son simples y llanos "maniquíes". Y eso mata a la película, pero no solo a la presente "Avatar", si no a cualquier film que se precie . Si no te identificas y tienes una relación con un personaje o con su historia, no te sientes preocupado o emocionado por él pase lo que le pase. ¿Qué muere fulanito? No nos importa. ¿Qué fulanito al final se acaba convirtiendo en un aguerrido ecologista y activista? Vale. "Avatar" tiene un par de momentos muy espectaculares en cuanto a secuencias (y casualmente, una de ellas es prácticamente al inicio) y la otra casi al final. Secuencias en las que aparece levemente el talento de Cameron, y que al buen aficionado al cine, le servirán para dos cosas: La primera, para levantar el puño en alto y decirle a todos que aún queda gente que sabe rodar bien secuencias de acción, y la segunda para cagarnos en el mismo hacedor de la película por no demostrar con mayor ahínco eso mismo en el resto del metraje.

Dejando la historia como principal problema, todo lo demás es impresionante. El uso de las cámaras 3D PACE Fusion nos ofrece escenas visualmente impactantes (sobre todo en profundidad de campo), y por primera vez, nos aleja un poco del concepto de atracción de feria tan común en el cine en tres dimensiones. "Avatar" usa la tecnología para ofrecer y sugerir, y no para asombrar al respetable con trucos baratos. Tendremos escenas donde podremos casi tocar cualquier objeto que se presente en la habitación, otras donde las flechas saldrán de la pantalla o donde creerémos apreciar todas y cada una de las hojas del árbol que tendremos delante. El uso del 3D, si bien puede parecer testimonial en la gran mayoría de las escenas, es lógico y no abusivo, y se agradece, pues muchos nos temíamos que las salas de cine se convertirían en los nuevos puestos ambulantes de los feriantes del siglo XXI. Aún así, tened claro que todo esto se usará para vender más teles, más reproductores y más videojuegos. Una cosa no quita la otra.


¿Es entonces "Avatar" la revolución cinematográfica que todo el mundo esperaba? Es complicado de saber y concretar. A nivel técnico, estoy seguro de que lo es. Ha cambiado el concepto de rodaje y de post-producción visual. Han cambiado el concepto de efectos visuales. Ha elevado tales construcciones artificiosas a un nuevo nivel, y eso se nota. Lo vimos con Gollum en "El Señor de los Anillos" y lo volvimos a ver con "King Kong", ambas del director neozelandés Peter Jackson. Pero James Cameron podría haber dado mucho más de sí. Quizás su excelente carrera juega en su contra, y las expectativas (levantadas por todos, incluído el mismo director) han sido demasiadas altas, y eso ha podido matar a la película. Película, que vuelvo a repetir, no es en absoluto mala, pero no es lo que podría haber sido de arriesgar un poco más o trabajar levemente el guión en aquellos puntos que falla estrepitosamente. Es cierto que la historia pondrá en su sitio a todos, y hasta que no pase el tiempo prudencial desde su estreno, no sabremo si es o no la revolución y el clásico que muchos dicen ver. ¿Hay que ir al cine a verla? Absolutamente, y sobre todo en una sala 3D.



El cine en 3D es una tecnología que si bien lleva con nosotros desde hace mucho tiempo, acaba de empezar su segunda juventud, y es difícil saber si dentro de uno o dos años, veremos nuevos resultados a la altura de la presente película, o incluso superiores. Lo que sí podemos afirmar sin temor ninguno, es que "Avatar" es la mejor película a nivel técnico que jamás se ha proyectado en sala alguna, y que ha abierto el camino al cine del futuro. Y por ello, es una experiencia que nadie que admire o aprecie ligeramente el cine, debe perderse. Y la sensación es agridulce, pues personalmente, me hubiera encantado decir "Cameron, lo has vuelto a hacer" y poder contar con una nueva obra maestra en su excelente (y ya no perfecto) historial cinematográfico. Una lástima.

Alberto González



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(Copiad el siguiente enlace en vuestro navegador, pinchad en él, y tendréis el disco para escucharlo mediante Spotify)

   * James Horner – “You Don’t Dream in Cryo….” (track length: 6:09 minutes)
   * James Horner – Jake enters his avatar world (5:24)
   * James Horner – Pure spirits of the forest (8:49)
   * James Horner – The bioluminescence of the night (3:37)
   * James Horner – Becoming one of “The People” Becoming one with Neytiri (7:43)
   * James Horner – Climbing up “Iknimaya – The Path to Heaven” (3:18)
   * James Horner – Jake’s first flight (4:49)
   * James Horner – Scorched earth (3:32)
   * James Horner – Quaritch (5:01)
   * James Horner – The destruction of Hometree (6:47)
   * James Horner – Shutting down Grace’s lab (2:47)
   * James Horner – Gathering all the Na’vi clans for battle (5:14)
   * James Horner – War (11:21)
   * Leona Lewis – I See You (Main Theme from Avatar) (4:20)

Como nota, os diré que James Horner ha parido una BSO excesivamente parecida a la vista en "Troya" y con demasiadas influencias de otros compositores como James Newton Howard o Hans Zimmer. Hay pistas en las que dichos toques, son bastante descarados y obvios a poco que se tenga un cierto oído musical.

¡Saludos cordiales!

¿Sabéis en que fechas estamos? Normal, para no saberlo. Los comercios están adornados, la gente lleva bolsas cargaditas de regalos, y las cenas de empresa y familia abundan. Compromisos, ideas, ilusiones. Estamos en Navidad, la época favorita de muchos y la odiada por otros. Todos nos ilusionamos por hacerle ese regalito especial a nuestra novia, a nuestro mejor amigo o a nuestros padres. Conocemos más o menos sus aficiones e intereses, pero no damos con la muestra perfecta de dar en el clavo. De tener la certeza más absoluta. Por ello, y como principio de una nueva tradición, os ayudaré. Sin más dilación, os presento...

¡Guía definitiva de regalos navideños de X&Y!

1.1 Introducción

La Guía definitiva de regalos navideños de X&Y tiene como objetivo ayudar a aquellos foreros y amigos del blog a acertar con el detalle o regalo navideño con la máxima precisión. La lista de regalos y consejos se basa siempre, en que nuestro destino sea un aficionado al cine, la música, los videojuegos y la lectura. Da igual del sexo que sea, pues tales artes, no entienden de género. Aún así, os facilitaré la tarea ofreciendo alternativas en caso de que algún tipo de regalo no cuadrase del todo dentro de lo que buscáis para él o para ella.

Primero, diferenciaremos entre el detalle y el regalo. No todos podemos dejarnos un pastón en regalos, y por ello, se intentará en la medida de lo posible, buscar cosas que nos sean medianamente asequibles, así como también recomendaré regalitos que se puede ir de precio pero que pueden desencajar mandíbulas al que le toque abrirlos y recibirlos. Por eso, la guía es apta para todos los bolsillos. Los he considerado en varios segmentos de precio (10-35 euros, 35 y 50 euros, 50 y 100 euros, 100 y 200 euros), para facilitar en todo lo posible la búsqueda.

Con cada regalo, adjuntaré una breve descripción. Si hay algo interesante o a destacar de la presente guía, es que la gran mayoría, (por no decir todos) de los productos que recomiendo o aconsejo, los he podido probar o los tengo en casa. Y como me considero alguien con criterio (en otros temas no sé, pero en tecnología y chorraditas de cultureta tengo un máster), creo que la selección puede ser muy enriquecedora para todos. El recomendar algo no implica necesariamente que sea el objeto que diga, si no que os puede servir de orientación.

Regalos de entre 10 y 35 euros

- Enemigos Públicos DVD y Blu-ray Edición Exclusiva FNAC



Michael Mann
Christian Bale, Johnny Depp

La edición exclusiva de FNAC de la maravillosa película de Michael Mann, incluye, sin contar la película en su edición más completa, un póster y una camiseta. Todo en un envoltorio de lujo. La película en su edición DVD, es una maravillosa muestra de hasta donde ha llegado el formato. Con un audio espectacular, las aventuras del famoso ladrón de bancos Dillinger cobrarán vida en nuestros salones. En lo referente al formato Blu-ray, poco que objetar. Michael Mann es un director que suele rodar de una forma absolutamente digital, con lo cual el traspaso del material original a su edición doméstica en Alta Definición es perfecto. El sonido en una asombrosa y de absoluta referencia pista DTS-HD, os hará vibrar con los sonidos y efectos de los disparos de las conocidas metralletas Tommy. Impresionante película y una gran edición.

En FNAC la tenéis en rigurosa exclusiva.

Precio DVD 24,95€
  Precio BD  34,95€

- Terminator Salvation edición metálica DVD y edición sencilla BD



McG
Christian Bale, Sam Worthington

La cuarta entrega de la franquicia de Terminator, vuelve a la carga. Con la premisa de la guerra en el futuro apocalíptico tras el Día del Juicio Final, John Connor, lider de la resistencia debe encabezar una ofensiva contra la peligrosa inteligencia artificial Skynet y su ejército de Terminators. La edición en Blu-ray, es de absoluta referencia. En todos los apartados. Con una imagen nítida, con los mejores negros que jamás se han podido observar en el formato y con un contraste inigualable, la nueva entrega de la saga brilla en Alta Definición. Encima, si podéis contar con un buen equipo de sonido, os quedaréis asombrados por la increíble pista en castellano y V.O en DTS-HD. Con una presencia brutal de bajos y con una elevada puesta en acción de los canales traseros, la usaréis para maravillar a las visitas. La edición en DVD es otra maravilla, si bien no destaca tanto en los demás apartados.

Los extras en ambas ediciones son idénticos (si bien el BD cuenta con un par de modos de visión de la película adicionales, así como de una versión extendida de apenas dos minutos más en el mismo disco).

Podéis encontrarla en Media Markt al mejor precio.

Precio DVD 22,95€
  Precio BD  17,90€

UP! edición BD + DVD


Pete Docter y Bob Peterson

Poco hay que decir de la nueva obra maestra de Pixar ( y van...) Una asombra aventura de un anciano con un tremendo fondo aventurero, una maravillosa muestra de amistad y lealtad sin nada a cambio y una prueba arrebatadora de como los sueños, pese a todo, se pueden acabar cumpliendo. La edición en Blu-ray de la maravillosa película de Pete Docter y Bob Peterson, incluye la versión DVD. Dicha práctica (bastante común en USA en las ediciones de Disney) permite comprar la misma película en todos los formatos disponibles. ¿Qué no se tiene reproductor Blu-ray? No hay problema. Cuando lo tenga, podrá verla en él al comprar la presente edición, y mientras, disfrutará de su copia en DVD. Podéis considerarlo una inversión de futuro. Y encima, os evitáis comprar dos veces la misma peli. En su versión BD, estamos ante una película de abrumadora calidad visual. Colores brillantes y vivos, imágenes que cobran tridimensionalidad gracias a su esplendoroso contraste y una nitidez pocas veces vista. La pista sonora es impactante. Un detalle: la mayoría de los extras están disponibles solo con la versión Blu-ray de la película.

La podéis encontrar en las principales tiendas, si bien centros comerciales como Carrefour y Media Markt la tienen etiquetada a un precio algo inferior al habitual.

Precio BD desde 22.95 (según comercios)

La Carretera, de Cormac McCarthy



El impresionante libro del autor de "No es País para Viejos". En un futuro apocalíptico, donde la razón humana se ha perdido y no hay esperanza, un padre y su hijo, deberán sobrevivir el día a día sorteando todo tipo de miserias y de peligros, como bandas de caníbales. Personalmente, he de decir, que es uno de los libros que más me han impactado a todos los niveles. Un relato crudo, de complicada asimilación, pero un estilo directo y sencillo. Cormar McCarthy nos describe con asboluta precisión que aún en los momentos más oscuros, feos y peligrosos, queda siempre espacio para la esperanza. Una obra maestra de la literatura premiada con un premio Pulitzer a la mejor novela. Pronto contará con una adaptción cinematográfica con Viggo Morterssen, Charlize Theron y Robert Duvall como protagonistas.

Lo tenéis en cualquier librería, especializada o no, así como en las secciones de literatura de los grandes centros comerciales.

Precio edición bolsillo: 7,95€
  Precio edición tapa rústica: 18,95€

Batman: AÑO UNO



Frank Miller y David Mazzucchelli

Uno de esos cómics, que hay que leer. La impresionante obra maestra de Frank Miller (guionista del cómic), nos propone viajar a los inicios del Justicieron Enmascarado. Con el presente cómic, nos adentraremos en la psique de James Gordon, policía que acaba de llegar a la corruputa ciudad de Gotham, y que deberá colaborar con un misterioso hombre vestido de muerciélago que quiere cambiar las cosas. No os quiero dar más detalles, pero es tan bueno, que Christopher Nolan cogió casi todo el argumento principal del presente libro, así como algunas que otras ideas conceptuales, y las adaptó perfectamente a la pantalla en su primera película sobre el personaje, "Batman Begins". La edición actual, en formato ASBOLUTE de Planeta deAgostini cómics, trae además bocetos impresionantes del gran Mazzucchelli, así como fragmentos del guión original. Un imprescindible.


  Precio edición absolute: 15,95€

Alternativas y consejo: En Media Martk puedes encontras películas de Buenavista y Disney a 17,90€. Entre los títulos disponibles, están "La Roca", "Piratas del Caribe", "El Imperio del Fuego" o "Kill Bill". Hay ediciones de bolsillo con encuadernación rústica en FNAC.

Regalos de entre 35 y 50 euros

Maletín Blade Runner Edición Limitada Blu-ray



Sir Ridley Scott
Harrison Ford, Sean Young

La obra maestra de la ciencia ficción. La película de culto para miles de personas. La película que cambió la forma de ver el cine. La obra maestra de Ridley Scott sorprendió a propios y a extraños con una historia profunda de cine negro ambientada en un futuro no muy lejano. Un futuro donde los androides sueñan con ovejas eléctricas y se camuflan entre los humanos, que los repelen y tratan como a objetos. Deckard (Harrison Ford), un inspector de policía perteneceniente a una brigada especial de detención de dichos sujetos artificiales, será el encargado de iniciar una peligrosa cacería en las futurisas y peligrosas calles de Los Ángeles. Con una impecable presentación imitando el maletín de control de personalidad y humanidad Voigh Kamp, la presente edición de "Blade Runner" incluye material extra inédito, todas las versiones estrenadas e inéditas de la película, artworks, así como un fotograma holográfico y varias réplicas de juguete que harán las delicias de todos los mitómanos. La calidad audiovisual está fuera de toda duda, y para mí, sigue siendo uno de los referentes del formato.

La podéis encontrar en la FNAC, GAME o Media Markt.


Precio edición BD Maletín Blade Runner: 49,95€

Sennheiser CX-299 Negro Auriculares In Ear



La prestigiosa marca Sennheiser no hace nada malo. Sus auriculares in Ear son de referencia en el mercado de la música portátil. Cómodos, prácticos y muy sencillos. Al ser "in Ear", se evitarán interferencias y ruídos externos, disfrutando al máximo de la música. Con unos impresionantes graves y unos muy bien resueltos agudos, son la referencia absoluta en su segmento de precio. Ideales para el iPod (cualquier modelo) y el iPhone.

En FNAC están disponibles en varios colores (negro y blanco).


Precio Auriculares Sennheiser CX-299: 34,95€

Watchmen. Edición Absolute



Dave Gibbons y Alan Moore

La obra maestra de la literatura visual. Uno de los cómics más importantes, influyentes e imprescindibles de la historia. El genial guionista Alan Moore y el dibujante Dave Gibbons, dieron a luz la obra de referencia de los superhéroes. Superhéroes, que aquí se dibujan como realistas, tangibles y probables, en un mundo decadente y desolado por la misma sociedad a la que ellos juraron proteger. Con una trama complicada e hilvanada mediante saltos temporales en una cronología ficticia enorme, personajes grises y reales y un final sorprendente, "Watchmen" te cambia tu forma de ver las cosas. Una vez lo leas y asimiles, ya no querrás las típicas historietas de salvadores y salvados. Cuenta con una adaptación (enorme, por cierto), por el director de "300", Zack Synder.

La presente edición está diposible en cualquier libreria especializada y en casi todos los comercios en su sección de libros.

Precio Edición Absolute Watchmen: 35€

iRiver STIX T7 4 GB Reproductor MP3



¿Quieres o te hace falta una lleve USB? ¿Y necesitas también un reproductor MP3? ¿Las dos cosas? Pues aquí está tu solución. iRiver ha parido la respuesta perfecta para aquellos que no quieren llevar muchos trastos en el bolsillo. Con la STIX T7 tenemos una llave USB de 4GB y un reproductor MP3 compatible con gran cantidad de formatos. Cómodo, práctico y muy útil.

En El Corte Inglés, FNAC. Disponible en varios colores.

Precio STIX T7 4 GB Repr MP3: 34,95€

Regalos de entre 50 y 100 euros  

Samsung MM-G25R



Una minicadena preciosa. Estéticamente perfecta, robusta e ideal para cuartos y salones pequeños. Con un puerto USB para poder enchufar nuestros Pen Drives o reproductores MP3. Tiene una útil función de copiado de música (CD-USB, USB-CD) y ofrece un sonido claro, directo y muy dinámico. Dispone de un ecualizador bastante útil y sencillo de usar, así como de un control de graves dinámico que evitará "retumbes" no necesarios. También puede reproducir archivos de video si la tenemos conectada a nuestro televisor o monitor.

En Media Markt y FNAC

Precio Samsung MM-G25R Mini Cadena: desde 89,99 a 99€ (según comercios)

The Stanley Kubrick Archives. Taschen's 25th anniversary



El LIBRO (sí, con mayúsculas) para los fanáticos del director más grande la historia del cine. Un repaso largo y detallado de todas sus obras, anécdotas e intereses. Más de 500 páginas con fotografías a todo color en papel de alta calidad (impresionantes las fotos de "Espartaco" y "2001: Una odisea en el espacio"), decenas de reseñas y una cuidada presentación rústica con tela y un libro anexo con todo el material traducido. Se lo regalé a mi padre por su cumpleaños, y aún sigue alucinando. Si le gusta el cine, y en especial el director, te estará enternamente agradecido.

En librerias especializadas y en FNAC

Precio The Stanley Kubrick Archives: desde 45 a 50€ (según comercios)

Assassin's Creed 2 White Edition



El juego de las navidades para aquél que disfrute de la aventura y la inmersión. La nueva entrega de la franquicia de asesinos con transfondo histórico, arranca esta vez en la Italia del Renacimiento. Conspiraciones, castas y familias, inventos extraños y maravillosos y un impresionante transfondo histórico. Gráficos y controles de lujo, harán que los defectos de la primera parte desaparezcan por completo. Si queréis saber más del juego, os recomiendo que os leáis el tremendo análisis que Vandal Online se trabajó el día de su lanzamiento. La White Edition contiene una figura de Ezio (el protagonista del nuevo juego), un mapa jugable exclusivo y el juego.

En GAME, FNAC, Corte Inglés, Media Markt.

Precio Assassin´s Creed 2 White Edition: desde 71,95 a 79,90€ (según comercios)

Regalos de entre 100 y 200 euros

SoundDock de Bose



La perfección sonora hecha base para el iPod. Compatible con todos los modelos disponibles de reproductores de la marca de la manzana, el SoundDock de Bose ofrece el mejor sonido posible. Claro y cristalino, grave y profundo. Perfecto para las reuniones en familia y para tener música ambiente siempre donde estemos. Viene con un mando a distancia.

En FNAC, Corte Inglés y webs.

Precio Bose SoundDock: desde 189€ (según comercios)

Panasonic DMP-BD60  



Uno de los mejores y más estables reproductores Blu-ray del mercado. Heredero directo del modelo que atesoro en mi salón, y con mejores en su conectividad a internet, el BD 60 de Panasonic te garantizará la mejor calidad audiovisual posible. Colores puros y vibrantes, gran nitidez y contraste y una velocidad de reproducción apabullante. Con salida de video por componentes y HDMI (1.3) y con salida digital y estéreo de audio. Reproduce Blu Rays, DVD (escalados hasta 1080p) y Divx. Tiene un lector de tarjetas SD en el frontal. También decodifica audio en HD (DTS-HD, Dolby True HD).

Disponible en webs como "Supersonido" o en comercios como FNAC y El Corte Inglés

Precio Panasonic DMP-BD60: Desde 150€

Alternativas y consejo: En Media Martk y en FNAC puedes encontrar diversos reproductores con algunas películas de regalo. Para asegurarte que el reproductor es bueno, mira si es compatible con los perfiles 2.0, BD Live y si tienen salidas y conexiones suficientes. Hay películas que exigen ciertos perfiles y especificaciones para ser reproducidas correctamente. Otro aspecto fundamental, es que la gran mayoría de aparatos lectores de HD, no disponen de cable HDMI de serie. Busca uno que sea versión 1.3, y que se corresponda a los metros que vayas a usar. A más metros, mayor pérdida (aunque mínima) de señal. Nunca olvides invertir lo necesario en cableado. Es casi el 10/15% del total de la imagen.

Alberto González

PD: Espero que os sirva de orientación. Es bastante probable que haga una segunda entrega para más adentradas las fiestas, y que servirá como complemento a la ya publicada.

Saludos a todos.

Lo mío ya no es normal. Ha pasado de castaño oscuro. Uno puede ser cinéfilo y disfrutar del cine como entretenimiento y arte, pero yo estoy rozando el fetichismo más absoluto. Después de un verano de completismo en algunas colecciones y de un par de adquisiciones bastante interesantes, con la reciente compra de "Terminator Salvation" en Blu-ray, me dio la subida de nuevo por los robots asesinos del futuro y mirad lo que me he pillado:





Sí, efectivamente. Es la foto que Sarah Connor se hace en "Terminator 1" y que muestra en la segunda parte John Connor. La misma foto que el futuro líder de la resistencia le entrega a Kyle Reese. En "Terminator Salvation" también hace una breve aparición, si bien ya está mutilada, cortada y muy destrozada. Quizás me de un avenate loco, y coja y le haga alguna que otra burradita, pero no soy capaz de destrozar tal obra de arte.

Este tipo de objetos se llaman "prop replicas" y suelen ser copias muy exactas de lo visto en pantalla. Las hay de todo tipo (yo tengo la katana de "El Último Samurai" entre otras cosillas) y precio. En el caso de la foto, la calidad es excelente, y solo me falta el plástico para protegerla, que también le tengo echado el ojo en una tiendecita de santos y calendarios religiosos (total, si os fijáis, tanto Sarah Connor como la Vírgen María han dado a luz a un salvador que se convirtió en líder de la humanidad. Y sí, ambas se suelen representar o castañas o rubias). Como pega, destacar que hay un ligero recorte de la imagen, pero poco más. Tanto la definición como los colores (comparándolos con el Blu Ray de "Terminator 2" y la foto en la mano) son bastante, pero bastante exactos.

Ahora, como diría Tony Stark : "Cómpralo y almacenalo". Directa que va a una de las vitrinas.

Siguiente objetivo: El brazo del Terminator de Sideshow Collectibles y el muñecajo de Christian Bale como Connor, que tiene pinta de llegar para después de reyes.

Érase una vez...En una Francia ocupada por nazis

Absolutamente maravillosa. Sin llegar al nivel de lo que sorprendió a propios y a extraños hace más de una década, "Inglourious Basterds" es una gran película. Cautivadora, cínica, gamberra en ocasiones, y con un estilo y olor al cine que muchos han mamado y disfrutado entre cabinas y bobinas. Parece que Quentin vuelve a recuperar "algo" de su toque y se centra bastante mejor en la labor de dirección que en su anterior obra, ofreciéndonos una película consistente, demostradora de las artes y el saber cinematográfico del autor criado dentro de un videoclub. Tarantino ha sabido optar por la fábula, por el cuento, por la visión personal, alejándose de lo que podría haber sido una película encorsetada y agobiada por los hechos históricos. Ha sabido reflejar su propia visión "chic" o "pulp" de la contienda, sin dejar de lado la crudeza y la realidad en determinados momentos, ofreciéndonos así su particular punto de vista del conflicto que asoló el mundo.
A nivel de guión, en "Inglourious Basterds" tenemos una maravillosa mezcla de historias y capítulos (marca de la casa), que terminarán en mayor o menor medida enlazadas y llevarán al espectador a un apoteósico final. Todas, absolutamente todas las historias que contiene esta "Inglourious Basterds" están impregnadas del más clásico "sabor Tarantino" con diálogos magistrales y situaciones pasadas de rosca. Tenemos conversaciones naturales (toca olvidarse de las frases y conversaciones forzadas de su anterior película, "Death Proof") en bares llenos de humo y alcohol, detalles y guiños enormes al cine y a la cultura popular (cine, sobretodo cine) y mucha buena música. A destacar los carismáticos y diferentes bastardos que están al mando de Pitt, y la extraña y maravillosa "historia de amor" entre el soldado nazi interpretado por Daniel Bruhl y la dueña del cine o la ya citada escena del conocido juego de la carta en el bar.



"Inglourious Basterds" es una película que se sustenta en los actores. El reparto es maravilloso.  No estamos hablando de una cinta excesivamente coral, pero casi. Tenemos actores de todos los géneros. Un Brad Pitt más que correcto haciendo de Aldo "El Apache", capitán de los "Malditos Bastardos". Tenemos a una proyeccionista y dueña de un cine en la Francia ocupada interpretada por una guapísima Melanie Laurent, una Diane Kruger comedida y un Christoph Waltz que destaca por encima de todos y cada uno de ellos, con un personaje cautivador, histriónico y malvado como él solo podría hacerlo. Su personaje, el coronel "Caza Judíos" Hans Landa (merecidísimo premio en Cannes), es casi el leitmotiv de la película siendo recurrente en todas y cada una de las historias llegado su momento. También contaremos con representaciones más o menos cómicas y satíricas de altos mandatarios nazis (el mismísimo Hitler o el ministro de propaganda y orgullo patrio, Joseph Goebbels), que gozarán de un alto protagonismo hacia la mitad de la película. Todo, como hemos comentado, desde un prisma cínico, caricaturesco y casi paródico. Y es que, ojito a los que van buscando una mirada realista o pragmática del evento, pero con toque "tarantinesco". Los que vayan con dicha idea preconcebida, van mal. Tarantino no pretende hacer un fiel retrato de la historia, ni mucho menos, y tampoco ha optado por la violencia gratuíta o gamberra per se. De hecho está mucho más comedido y recatado que otras de sus películas. Hasta bien entrado el metraje, no veremos al Tarantino sangriento o grotesco. Metraje, que por otra parte, puede llegar a parecer lento y excesivamente confunso debido a su montaje en algunas secciones de la película, pero que mantiene el ritmo y remonta una vez pasado el ecuador del film.



La música de Ennio Morricone acrecenta aún más el toque cinematográfico del film, llevándolo a un nivel muy cercano al western con el que muchos crecimos en nuestra infancia, y dota a toda la película de un sentimiento de fábula y cuento, que la hace aún más valedora. La música, por primera vez en mucho tiempo, se convierte en algo más que un simple acompañamiento, y evoca acciones, momentos y situaciones, como ninguna otra pieza podría haberlo hecho. También influye el tremendo peso cinematográfico que se gasta nuestro amigo italiano gracias a las películas que tiene en su carrera, cuyas piezas sinfónicas discurren con vida propia por todas y cada una de las escenas de la película donde aparecen. Las canciones y cortes de Ennio Morricone, al igual que las mostradas en "Kill Bill" ayudan a enaltecer el sentimiento de toda la cinta, y hacen aún más grande el trabajo de Quentin Tarantino en la dirección. Puede sonar muy exagerado, pero aumenta en mucho, la calidad de la película. Y no hay que darle más vueltas: Ennio Morricone, es definición de cine. Y no hay más. También destacar la pieza de David Bowie en cierto momento del film, o las canciones que suenan en momentos puntuales casi de fondo, y contribuyen a elaborar aún más (si cabe) el ambiente de lo que podría denominarse, un film de época.

Una gran película, buena, consistente y llena de detalles que bien podrían merecer un segundo visionado. No es la película perfecta, no es una obra maestra con todas las de la ley, pero sí se eleva claramente por encima de otras películas en la cartelera. Y quizás no tenga la suficiente "acción" para el gran público, que quizás la olvide y entierre antes de tiempo por esperar un "Salvar al Soldado Ryan" con palabrotas y Brad Pitt. Pero, si ustedes me lo permiten, y haciendo un paralelismo con el vocabulario tan especial del que se hace gala en toda su filmografía, que se jodan. Que se jodan los que piensen así, pues Quentin Tarantino no es un director apto para todos. Es un director consagrado por méritos propios con una forma muy particular de ver las cosas. E "Inglourious Basterds" es buena muestra de ello. No se la pierdan.

Alberto González

Como extra, añado la banda sonora de la película, gracias al servicio gratuíto de Spotify. Es una práctica que se volverá habitual con cada crítica que haga sobre cualquier película, y que si funciona y goza de popularidad, tendréis en una sección aparte.



(Copiad el siguiente enlace en vuestro navegador, pinchad en él, y tendréis el disco para escucharlo mediante Spotify)

[link:]http://open.spotify.com/album/4bjjJu3euJ6tVIeobbhwRO[/link]

  1. “The Green Leaves of Summer” – Nick Perito
  2. “The Verdict (La Condanna)” – Ennio Morricone
  3. “White Lightning (Main Title)” – Charles Bernstein
  4. “Slaughter” – Billy Preston
  5. “The Surrender (La resa)” – Ennio Morricone
  6. “One Silver Dollar (Un Dollaro Bucato)” – Gianni Ferrio
  7. “Davon Geht Die Welt Nicht Unter” – Zarah Leander
  8. “The Man With The Big Sombrero” – Samantha Shelton & Michael Andrew
  9. “Ich Wollt Ich Wär Ein Huhn” – Lilian Harvey & Willy Fritsch
 10. “Main Theme From Dark of the Sun” – Jacques Loussier
 11. “Cat People (Putting Out Fire)” – David Bowie
 12. “Tiger Tank” – Lalo Schifrin
 13. “Un Amico” – Ennio Morricone
 14. “Rabbia e Tarantella” – Ennio Morricone