Hace 10 años me encontré un artículo en internet sobre 10 discos actuales (en 2003) hechos por mujeres que no te podías perder (los discos, no -necesariamente- las mujeres). Ahí aparece Tujiko Noriko y yo quedo prendado con su propuesta.

Su música es tan especial que los que intentan encuadrarla en un género suelen acabar mezclando vocablos muy finos y doctos que acaban pareciendo palabrotas. Yo diré que hace música electrónica suavecita.

Y eso es lo que ofrece: bases repetitivas aparentemente sencillas que poco a poco van ganando en intensidad y que fácilmente provocan en el oyente sensaciones, por decirlo de alguna manera, inquietantes. Toda su música tiene algo ahí, como una sombra en la oscuridad (cosa difícil) que parece moverse. Y la guinda la pone con su voz, que parece que canta hablando, pero es en realidad un fantasma traspasando tu cuerpo, dejándote una sensación de escalofrío en la punta de los dedos.

Dejarse perder en esos ambientes que crea con tan poca cosa, pero a la vez son de una gran magnitud, es gloria bendita y algo que le recomiendo a todo el mundo.

Como pueden ver las descripciones en esta pequeña reseña son más sensitivas y poéticas que explícitamente musicales: por una vez estamos hablando de arte.

Las canciones: Narita made, Zipper, Rocket hanabi, Mugen kyuukou, Kiminotameni, Tokyo, Tokyo tower y Robot hero.



Escucharse el disco entero y dejarse llevar lejísimos con el final de Robot hero (la última canción) es algo que recomiendo encarecidísimamente a todo aquel que ande ávido de una verdadera experiencia de las que "elevan el alma". No digo más.

A este hombre lo descubrí de pura casualidad en Youtube: buscando un buen directo de Love to Love You Baby de Donna Summer di con el amigo Benson tocando Breezin' con Carlos Santana. No hizo falta más.

Breezin' es un disco de funk-jazz de 1976. Instrumental en cinco de sus seis temas, podemos decir que la batería, el bajo, la guitarra, el piano y los arreglos de cuerda lo son todo. La guitarra es protagonista sobre el resto de instrumentos, pues es la herramienta del señor Benson, y ésta es usada con infinito acierto para construir, en generosísima comunión con el resto de utensilios, unas piezas de impecable factura técnica y calidad compositiva; y todo ello sin caer en la peligrosa trampa que equivale el enrevesamiento con la calidad.

Aúna con maestría pasajes de romance estival, de delicadeza sedosa o de cóctel y piscina, ya sea en temas diferentes o en uno mismo. Como no podía no ser, la naturalidad de esta progresión o cambio es muy digna de mención y al alcance únicamente de estas manos y mentes no sólo privilegiadas, también muy inspiradas.

Si cabe un único pero a este fabuloso álbum es, en mi opinión, el tema con voz (This Masquerade), y no por temas de calidad, sino porque corta el ritmo y el ambiente que me transmite todo el resto del conjunto que forma Breezin' en sus cinco temas instrumentales.

Con o sin This masquerade, sin o con él, Breezin' es un panegírico al funk con un chorrito de jazz, el de la vieja escuela: ¡fantasía!

Las canciones: Breezin', This masquerade, Six to four, Affirmation, So this is love?, Lady.



¡Qué joya, Dios mío!

Mi historia con esta mujer comienza como la de muchos por estos lares: más de uno y de dos recordará ese ¿ending? del anime Rurouni Kenshin con toque reggae, It's Gonna Rain. Resultó que la señorita que cantaba la canción tenía una buena trayectoria musical y cada disco que pude escuchar me pareció magnífico. Hoy comento este Reminiscence como podría comentar cualquier otro de su amplísima discografía.

El disco que nos ocupa es en realidad, y a priori, el menos propio de Bonnie Pink, pues se trata de un álbum formado a base de versiones de canciones de otros grupos, algunos más famosos y otros totalmente desconocidos. Sin embargo, la gracia del asunto es que cada canción viene con el sello de identidad de esta señorita bien impreso, sea por cambiarla radicalmente de estilo, por su manera de cantarla, por el cambio de instrumentación respecto a la original o por todos estos factores a la vez.

Encontramos temas en clave de pop-rock que no tienen ningún problema en marcharse al reggae en un momento dado. Todos con una instrumentación muy natural a base de bajo, batería, guitarra, piano y arreglos varios de cuerda o viento (especialmente inspirados estos últimos a mi parecer).

Un disco redondísimo y relajadete que para una tarde de verano como esta de hoy se me antoja idóneo.

Las canciones (entre paréntesis pongo el grupo o cantante original): Ordinary angels (Frente!), Perfect (Fairground Atracttion), Manic monday (The Bangles), Got me a feeling (Misty Oldland), The origin of love (Hedwig and the Angry Inch), Don't get me wrong (The Pretenders), Manatsu no kajitsu (The Southern All-Stars), That's just what you are (Aimee Mann), Your eyes (Tatsuro Yamashita) y Through the dark (The Sundays).



La canción del vídeo es Your Eyes (ya que no lo pone). Y la portada es de otro disco (del Present, concretamente), pero esta canción es del Reminiscence.

Cuando yo no podía aguantar el rap ni un minuto a un amigo le gustaba mucho Wu-Tang Clan. Tiempo después, escuchando una canción que me gusta mucho de un grupo que no tiene nada que ver con Wu-Tang, ni con el rap, mi amigo me dice "la base podría ser perfectamente de Wu-Tang Clan". Decidí ampliar miras y echarle un ojo a esta gente. Ahora tengo tres discos de este grupo y voy a comentar un poquito el que más me gusta.

Para empezar por el principio, Wu-Tang Clan es un grupo de rap americano, de tomo y lomo, de toda la vida. Dicen tacos, se cagan en Dios y entre canciones te cuelan pequeñas frases de películas de artes marciales en blanco y negro. Por suerte ofrecen un valor propio en lo musical. Ese valor lo imprime cada uno de los mc's que participan en las canciones, pero sobre todo destaca la figura de RZA, el productor. Sin quitar méritos a unos o a otros, entre todos consiguen que lo que por descripción sería rap sin más se convierta en un producto muy propio. Sí se podrían comentar aspectos muy limados que son los que realzan el matiz que separa a Wu-Tang de tantísimos otros: cosa que se aprecia al instante escuchándolos.

El rap es un estilo que puede pecar rapidísimamente de repetición y aburrir, si no te gusta. Este disco no está fuera de esta apreciación. Sin embargo, escucharlo entero no es una proeza, de hecho se presta bastante a ello. A la relativa variedad de ambientes se suma que con tantos mc's como son prácticamente cada canción corre a cargo de una persona distinta, si no varias. Obviamente esto es un gran punto a favor.

Es un buen disco, quizás no el más famoso de Wu-Tang Clan pero, para mí, es el más redondo. Quizás no tenga un temazo clave como lo son C.R.E.A.M. o Gravel Pit en la discografía de este grupo pero para mí el resultado global es mucho más satisfactorio en este Iron Flag. Se lo recomendaría a cualquiera que quiera escuchar un poco de rap del palo sin necesidad de saturar el subwoofer para hacerse el malote.

Las canciones: In the hood, Rules, Chrome wheels, Soul power (Black jungle) (feat. Flavor Flav), Uzi (pinky ring), One of these days, Ya'll been warned, Babies, Radioactive (four assassins), Back in the game (feat. Ron Isley), Iron flag, Dashing (reasons) y The W (international bonus track).

Hace ya bastante de la última vez que escribí por aquí, la verdad, pero llevaba unos días pensando tanto en esos disquillos que me he comprado últimamente como en los que ya llevan varios años en la estantería y me han venido ganas de comentar un poco la jugada. En el anterior retorno comenté 9 discos, supongo que esta vez será algo similar.

Sin más, al tema.



Cuando me enteré de que la cantante de Rilo Kiley, con toda su preciosa voz, tenía discos en solitario no pude resistir la tentación de echarle un ojo. Su primer disco en solitario no lo aguanté ni dos minutos pero este Acid Tongue, el segundo, entró como una llave en su cerradura y lo estuve escuchando en bucle durante casi tres meses.

Lo primero de todo: no tiene nada que ver con Rilo Kiley, ni para bien ni para mal, es otra cosa.

Ahora sí: es un disco a medio camino entre el rock y el country, o simplemente el ambiente de una pelirroja cantando en un bar de carretera americano y muchos Imagine's de John Lennon. Asi tal cual. La instrumentación es la básica del rock: batería, bajo, guitarra/s y voz más algún piano y arreglos de cuerda en las baladitas. Todo con un sonido muy muy natural, casi como un directo, lo cual consigue un ambiente muy agradable y familiar, fácil para el oído, en canciones de un estilo que no inventa nada pero que está compuesto con una inspiración y solidez digna de elogio.

Así, las canciones fluyen una tras otra, pasando de temas relajaditos en 3/4 a otras que participan más de la idea de rock sin ningún problema, sin sobresaltos ni bajones. En perfecta armonía te lleva y te trae, sin que te des ni cuenta si lo escuchas flojito.

Es un disco fantástico, perfecto para deleitarse con la voz de la señorita Lewis, que tiene un tono cálido y precioso, que no hace más que poner la guinda en unos temas sencillos que no inventan nada pero que hacen lo que hacen de la mejor manera posible en unas canciones muy bien concebidas en cada detalle.

Las canciones: Black sand, Pretty bird, The next Messiah, Bad man's world, Acid tongue, See Fernando, Godspeed, Carpetbaggers (con Elvis Costello), Trying my best to love you, Jack killed mom y Sing a song for them.

Como el disco tiene dos vertienes bien diferenciadas, los temas más rockeros y los Imagineros, voy a poner el primer tema del disco, que es precioso, y ya cada uno verá lo que hace después.



El vídeo es bien bonito también.

Allá por el verano de 2001 me fui una semanita a casa de mi tía en la montaña, ella tenía el Canal Digital y en la Mtv echaban videoclips, había uno que lo partía bastante por aquel entonces, hecho con piezas de lego animadas, y la canción era bastante pegadiza. Al volver a mi casa lo primero que hice fue ir a comprarme el disco, el cual no estaba en ninguna parte. Con ojos de 2012 (o 2002), es muy curioso que tuviera que encargar un disco de los ahora archiconocidos White Stripes y éste tardara un mes en llegar.

White Blood Cells es un disco de rock, hay quien dice minimalista porque no tiene bajo, pero si lo tuviera sería rock normal, así que para mí es rock sin bajo. Vale. Con una instrumentación bastante sencilla y sólo dos miembros, cantante-guitarra y batería, se lo montan la mar de bien y ofrecen un buen puñado de temas fáciles pero sólidos en clave de rock con cierta influencia, a mi parecer, de los omnipresentes Beatles.

El disco contiene dieciséis canciones que rondan los 2 minutos de duración y ofrecen una buena variedad de ambientes sin salirse mucho de un estilo común que está muy presente en todas ellas. En general hay temas más rockeros, con sus quintas a tope, otros que flirtean con sonoridades más folkamericanas sin separarse de la tónica rock y, finalmente, las experimentaciones, dentro también del rock. Muy bien resuelto.

Es un disco muy propio sin mostrar la apariencia de inventarse nada, y esa es su gran virtud, suenan muy frescos pero muy familiares a la vez. Un gran disco en el que cada canción aporta algo interesante y se deja oír fácilmente y bien. Muy recomendable a quien le guste el rock sin coletillas.

Las canciones: Dead leaves and the dirty ground, Hotel yorba, I'm finding it harder to be a gentleman, Fell in love with a girl, Expecting, Little room, The union forever, The same boy you've always known, We're going to be friends, Offend in every way, I think i smell a rat, Aluminum, I can't wait, Now mary, I can learn y This protector.

No tengo ni la más remota idea de cómo llegó Quantic a mí, no me acuerdo. Sí recuerdo que hace ya bastante tiempo que los descubrí y pese a ello este disco lo sigo poniendo asiduamente. Es muy bueno.

El estilo de Quantic creo que se mete dentro de lo que llaman lounge, que no sé muy bien lo que es, pero creo que es esto. ¿Y esto qué es? Pues una especie de música electrónica suavecita, a medio camino entre el rap, el reggae y el jazz, en la que instrumentos reales como trompetas, guitarras acústicas, pianos o contrabajos se dejan escuchar sin problemas. La mayoría de los temas son instrumentales, y los que no lo son también lo son, pues lo más parecido a alguien cantando es un hombre hablando. Dentro de las excepciones tenemos una excepción, pues en Common Knowledge sí encontramos a una señorita cantarina, con toda la pinta de estar sampleada de algún disco muy viejo de soul.

Es un disco muy interesante, los tres estilos antes mencionados, rap, reggae y jazz, se mezclan de manera muy inteligente y en diferentes cantidades según la canción dando como resultado unas composiciones sencillas pero muy efectivas. Además, con ello consigue  que el disco no caiga en la monotonía. Crea ambientes muy chulos con suma facilidad y eso es un punto muy positivo. También hay canciones más animadas dentro de lo suavecito que se supone que es el lounge. Muy bueno en conjunto.

Es muy recomendable, lo pones de fondo y ni te enteras; se supone que el lounge es eso, creo. Fluye de maravilla, las canciones tienen mucho flow (yeah), los riffs son fácilmente recordables y en seguida te ves tarareando las canciones. Calidad pura.

Las canciones: Introduction, The 5th exotic, Snakes in the grass, Infinite regression, Life in the rain, Long road ahead, Common knowledge, The picture inside, Through these eyes, Time is the enemy, In the key of blue y Meaning.



Llevo tanto escuchando esta canción...

Dead or Alive Xtreme 2 será lo que la gente quiera que sea pero su banda sonora es no sólo adecuadísima sino que además rebosa calidad, pueden dar fe de ello entrando en el casino del juego y dejando que George Duke deleite sus oídos con sus composiciones de playa brasileña y, por qué no, mulata de culo gordo bamboleante.

A Brazilian Love Affair es ni más ni menos que lo que el título sugiere. El señor Duke se plantó en Brasil, allí dio rienda suelta a sus inquietudes musicales mezclándolas con las locales y como resultado nos queda este fabuloso disco de música brasileña mezcada con el fabuloso funk y jazz que por entonces practicaba George Duke. Así, tenemos una formación con teclado, guitarra, bajo, batería, percusión y vientos, más voces en algunas canciones, tocando samba y bossanova a tope con un grado de virtuosismo importante.

A pesar de que casi todas las canciones tiene una estructura similar (tema - solos en plural - tema y variaciones) y todo está centrado en la música brasileña, no hay dos canciones iguales. Veloces, lentas, medios tiempos, baladas... incluso algunos temas más cercanos a un pop-rock que no pierde el toque brasileño bastante interesantes. Hay de todo y cuidadísimo siempre.

El disco es fantástico y muy animado sobre todo al principio, nada más empezar con esa percusión típica sambera, que se disfruta muy fácilmente. Quizás quepa comentar que hacia el final, los tres últimos temas, son más lentos y pega bajón por esa pérdida de ritmo, más acentuada todavía porque la canción anterior a esas tres es la más movida del disco. Sin embargo, ninguno de los temas desmerece en absoluto.

Las canciones: Brazilian love affair, Summer breezin', Cravo e canela, Alone-6am, Brazilian sugar, Sugar loaf mountain, Love reborn, Up from the sea it arose and ate Rio in one swift bite, I need you now, Ao que vai nascer y Caxanga.



Me deja literalmente anonadado (segunda acepción en el DRAE) cada vez que la escucho.

En un concierto, esperando a que empezara el espectáculo, me comenta una amiga:

—¿Conoces a José González?
—Es mi tío.

Tras algunas risas me comenta que el José González al que ella hace referencia es una especie de cantautor sueco de ascendencia argentina que está bastante bien. Yo me lo creo a medias. No nos engañemos, lo que tengo entendido que le gusta a mi amiga no son precisamente los cantautores y si ella está en ese momento en el mismo concierto que yo es porque la invité. De todas maneras le di una oportunidad al señor González: mi muy amiga volvió a recordarme con hechos por qué la aprecio tanto.

In Our Nature es un disco de un tío cantando con una guitarra española. Cuando se dice "cantautor" esa es automáticamente la imagen que viene, y así es, pero no sé hasta qué punto se podría encasillar el trabajo de este hombre dentro del género cantautor. Hay quien dice que es folk, yo no lo diría. A la vez, tampoco puedo afirmar que sea un disco de pop o rock. Es un término intermedio, tenemos la sonoridad sencilla de los cantautores en canciones con estructuras y pasajes típicos del pop o el rock. ¿Entonces qué tiene? Pues que las canciones son absolutamente maravillosas. De muchísima calidad. Ese es el punto diferencial, el valor, para nada oculto, del disco: calidad pura y dura.

Encima, lejos de sonar cada canción igual, hay gran variedad de ambientes a lo largo de todo el álbum. Esto lo consigue o bien con la propia guitarra o con pequeños añadidos como otra guitarra, percusión o algún que otro ruido curioso. Cómo no, sin perder el hilo principal del trabajo. Fantástico también en este apartado.

Hay que tenerlo, es un disco que no molestará a nadie por su sonoridad y a la vez despertará muy buenas sensaciones en el interior, por su cálido sonido y por la fluidez de las canciones en su aparente sencillez. Tan redondo como el cd. Por poner un pero, decir que es cortito, apenas 30 minutos, pero es muy reescuchable, ponerlo una y otra vez es facilísimo.

Las canciones: How low, Down the line, Killing for love, In our nature, Teardrop (versión de Massive Attack), Abram, Time to send someone away, The nest, Fold y Cycling trivialities.



Sé que he dicho que el disco dura apenas 30 minutos y esta canción casi llega a 10, el resto de temas dura de media 2 minutos.

Paseaba la mar de tranquilo entre los estantes de un Mediamarkt cuando de repente veo una portada fabulosa: ¡Me lo compro! Más tarde descubrí que esta gente eran los del famoso y mítico tema Born Slippy, no incluido en este disco, pero ¿y si les dijera que este disco hace palidecer a tal megamítico tema?

Un disco de música electrónica, dicen que techno, a veces machacón y siempre progresivo en la enésima repetición, una y otra vez, vuelta tras vuelta suena lo mismo, añade un charles por aquí, un ride por allá, y cuando te das cuenta estás lejísimos. Súmale que los sonidos están todos perfectamente integrados y que las bases, aunque el bombo a negras así deja entrever, distan de ser cuadradas. Es fabuloso, te vienes arriba. Es entonces cuando te bajan los humos para volver a lanzarte con el subidón, que es la mar de sutil.

Toca muchos ambientes, rápidos, relajados, pesados, livianos, lo típico pero con mucho saber hacer. Quizás espanta un poco que tanto la primera como la segunda pista duran un cuarto de hora, nada más lejos de la realidad, pues cada una en realidad alberga dos o tres canciones/pasajes bien diferenciados y siempre, como no, sin perder el hilo conductor. También cabe mencionar que las dos mejores canciones están en medio del disco y eso le sienta fenomenal ya que lo pone en todo lo alto cuando quizás alguno pensaría que empieza a decaer.

Es un pedazo de disco si te va la electrónica. Es contundente como él solo en los temas más fuertes pero también suave y comedido en los más relajados, sin dejar de ser en ningún momento profundo por sus estructuras progresivas que avanzan y avanzan en esas bases pseudo cuadradas tan fantásticas. Ponérselo y buscar en cada rincón de su estructura o ir hasta las cejas y dejarse llevar son, ambas, opciones la mar de válidas con este gran disco.

Las canciones: Juanita/Kiteless/To dream of love, Banstyle/Sappys curry, Confusion the waitress, Rowla, Pearls girl, Air towel, Blueski y Stagger.

Pónganlo a toda leche y hagan trabajar a sus subwoofer que aquí hay mandanga de la buena.