Hajime Sorayama:Un genio de la ilustración

Mujeres de medidas imposibles imbuidas en los más distintos ambientes, robots de voluptuosas caderas, futurismo fantástico y sexual... Hajime Sorayama inventa un mundo propio a través del aerógrafo y roza la perfección salvo por un motivo: no es real. Déjate llevar a un mundo donde el erotismo y la fuerza expresiva se dan la mano.

En 1947 nacía Hajime Sorayama en la isla japonesa de Shikoku. Pocos podían imaginarse que aquel chiquillo aficionado al dibujo se convertiría años después en uno de los ilustradores más aclamados del planeta. A los 20 años fue admitido en la Escuela de Arte Chou de Tokio. Después de dos años aprendiendo las bases técnicas de la ilustración, comenzó a trabajar en una agencia de publicidad. Pero las inquietudes del nipón le llevaron a buscar algo más que ceras de colores, y en 1973 inició su aventura en solitario.

En 1978, la creatividad de Sorayama dio sus primeros frutos en forma de sugerentes androides femeninas, los llamados sexyrobots.

Además de un extenso catálogo de explosivas "chicas calendario" (pin ups), otra de sus creaciones originales son las llamadas gynoids, un término que define a un ciborg con atributos masculinos que en manos de Sorayama se convierte en una fusión perfecta de mecánica y fisonomía femenina.

Su estilo podría englobarse dentro de un hiperrealismo brutal, con un cuidado extremo por los detalles; Sorayama disfruta confundiendo al espectador con dibujos indistinguibles de la realidad. La originalidad conceptual sumada a su visión de un mundo futurista dan como resultado un arte que va más allá del simple erotismo.

Pero la obra de Sorayama no se limita a las imágenes. Dentro de sus trabajos puedes encontrar cd rooms, y colaboraciones cinematográficas, como la creación de guerreros mecánicos para la película de ciencia ficción "Space Truckers" (Camiones Del Espacio) o el diseño de la asesina de "Spawn".

Ahora es el momento de que descubras por tí mismo hasta donde llega el ingenio del creador japonés.

Trayectoria

2006 Sorayama 3D “Silver Bobbed.”

2005 Playboy TV “Sexcetra” New location of Sorayama showroom in NYC. Hysteric Mini 20th Anniversary Art Exhibition in Tokyo. Winter Invitational at Art at Large in NYC SexTV Series in Canada Created Future Mickey and his friends for Disney in Jigsaw Puzzle

2004 Created future Mickey for Disney / TOMY. Book Venom by Graphic sha / translated in English, Spanish, French and Germany.

2003 One man show at Gallery GGG, Tokyo, Japan and Osaka, Japan. Book LATEX GALATEA.

2002 One man show at BAPE Gallery in Tokyo , Japan. Book Venom by Graphic sha , Book The Gynoids The Storage Box by E-Treville

2001 One man show at Tamara Banee Gallery. Sorayama Sony Aibo Entertaiment pet robot becomes permanent collection of. MOMA and Smithsonian Museum. Book METALLICON / Sakuhinsha.

2000 Book MOIRA/Edition Kunst der Comics published in Germany and SORAYAMART / Soleil publised in France. Book GYNOIDS REBORN / Edition Treville. Book THE GYNOIDS GENETICALLY MANIPULATED / Edition Treville. Received Grand prize of Best Design Awards in Japan for Sony Entertainment. Dog Robot"AIBO" 1990s

1999 Book: SORAYAMA 1964-1999/ Sakuhinsha. Sorayama designed Sony Entertaiment Dog Robot "AIBO". Good Design Grand Prize Award and Media Art Festival Grand Prize Award for Sony "AIBO".

1998 Book: TORQUERE / Sakuhinsha One Man Show at Tamara Bane Gallery in Beverly Hills, CA, USA. Lithograph: Sorayama limited editions / Robert Bane Editions

1997 Book: NAGA / Sakuhin-Sha, NAGA DELUXE (special limited edition book with lithographs) / Sakuhin-Sha CD-Rom Vol.2 Post Card Book: SORAYAMA CALLES IN BEAUTIES / Bijutsu Shuppan-Sha. HBO sci-fi TV series and Star Trek Borg Romulan magazine cover. Sorayama CD-ROM volumes 2 "Spawn," the movie: concept artist. Book: NAGA / Sakuhinsha.

1996 Limited Editions Graphic by Robert Bane Editions, Trading cards: Sorayama. Silver & Satin / Comic Images, Sorayama CD-Rom Vol.. Vargas Award(USA).

1995 Designed a Mechanical Warrior in a Science Fiction Movie "Space Trucker". Sorayama's erotic art starts appearing in Penthouse magazine monthly. Limited Edtions Graphic by Robert Bane Editions.

1994 Limited Editions Graphic by Robert Bane EditionS in USA, First major one man show at Tamara Bane Gallery in Los Angeles.

1993 Book: THE GYNOIDS / Treveille Co., Ltd., Trading cards: Hajime Sorayama. collector cards / Comic Images.

1980s 1989 Book: HAJIME SORAYAMA / Taco, Berlin, Book: HYPER ILLUSTRATIONS and HYPER ILLUSTRATIONS 2 / Bijutsu Shuppan-Sha.

1988 Book: SEXY ROBOT / Taco, Berlin.

1985 Book: VENUS ODYSSEY / Tokuma communications, Video: ILLUSTRATION VIDEO / Fuji Television

1984 Book: PIN-UP / Graphic-Sha. 1

1983 Book: SEXY ROBOT / Genko-Sha.
 
Paginas de Interes

Pagina web oficial

www.sorayama.net

Galeria de obras

www.suicide.couk.com

Para aprciar su obra nada mejor que unos arts,es una pena que los mejores,que son los mas eroticos,no pueda ponerlos

Arts

Un gran dibujante,que descubri buscando wallpapers por internet y que despues de ver su obra,me encato,tanto su estilo de dibujo como su tematica.

Biografia



Nacido en 1954 en Olalla (provincia de Teruel), cursa en Zaragoza estudios de Delineación, Pintura, Decoración e Interiorismo, trabajando de 1970 a 1979 en un estudio dedicado a esta última actividad. A partir de 1972 se dedica a la pintura y desde 1977 publica sus primeros cómics en diversos fanzines. Con la llegada del boom del cómic adulto a principios de los años 80, Royo decide dedicarse íntegramente al cómic y publica en revistas como El Víbora, 1984, Comix Internacional, Heavy Metal y Rambla; también lanza sus primeros álbumes: Circulus-Sataka (Garcia & Beà Editores, 1985) y Desfase (Ikusager, 1986).

En 1983 ingresa en Norma Editorial, consagrándose preferentemente a partir de entonces a la ilustración. En este campo se hace notar muy pronto fuera de nuestras fronteras por su dominio del color y su habilidad para recrear escenarios fantásticos y diseñar hermosas mujeres, convirtiéndose en pocos años en uno de los más cotizados artistas gráficos españoles, realizando numerosas portadas e ilustraciones para editores de todo el mundo. En 1992 aparece su primer libro de arte, Women, que será seguido de Malefic (1994), Secrets (1996), III Millennium (1998), Dreams (1999), Prohibited Book (1999), Evolution (2001), Prohibited Book 2 (2001), Conceptions I (2002), Visions (2003), Prohibited Book 3 (2003), Conceptions II (2003) y Prohibited Sketchbook (2004). En 2004 se publica el volumen antológico Fantastic Art: Luis Royo, con una selección del material aparecido en los tomos anteriores.

Poco después surge The Labyrinth: Tarot (que también ha visto la luz en forma de una exclusiva baraja), Conceptions III (la tercera parte de su colección de bocetos, con cofre incluido), una nueva edición del apocalíptico III Millennium, y el portafolio Tattoo-Piercing Subversive Beauty, que guarda una estrecha relación con uno de sus últimos trabajos, titulado precisamente precisamente Subversive Beauty. En este libro, lleno de imágenes sensuales y provocativas, Luis Royo aborda la belleza como arma de subversión y de esplendor del ser humano, ayudándose a menudo de piercings y tatuajes que desafían a lo establecido.

En el 23º Saló del Còmic de Barcelona Royo sorprende a sus fans con dos grandes novedades: Wild Sketches, una colección innovadora que recoge en formato manga más de 600 ilustraciones/bocetos en blanco y negro, y Dark Labyrinth, un nuevo libro al estilo al que nos tiene acostumbrados, que recupera sus mejores ilustraciones (poniendo especial atención a las de más carga erótica) e incluye otras inéditas hasta la fecha. Ficomic le rinde homenaje a su dilatada carrera con una exposición de sus mejores originales.

Ese mismo año aparece el segundo volumen de Anología Luis Royo Cómics, que recoge las historietas creada por el autor desde 1981-1983. También ve la luz el segundo volumen de Wild Sketches.

Pero la gran sorpresa llega en el 25º Saló del Còmic, fecha elegida para el lanzamiento de Dome, una ambiciosa obra en la que acompañamos al autor y a su hijo Rómulo en su viaje a Moscú, donde aceptaron el titánico reto de plasmar su arte en una cúpula de 80 metros cuadrados. Una aventura sin precedentes en el mundo de la ilustración.

Su obra se encuentra asimismo en pósters, calendarios, portafolios, postales, varias series de trading cards (cromos), barajas de naipes -incluyendo la serie de cartas de tarot The Black Tarot-, carátulas para videojuegos y CDs, esculturas, etc. Su carrera ha sido galardonada con numerosos premios internacionales, incluyendo el Silver Award Spectrum y el Cheslew Award (ambos de EE.UU.).

Libros publicados

Women
Malefic
Secrets
III Millennium
Dreams
Prohibited Book
Prohibited Book II
Prohibited Book III
Prohibited Sketchbook
Evolution
Conceptions
Conceptions II
Conceptions III
Visions
Fantasic Art
The Labyrinth Tarot
Subversive Beauty
Dark Labyrinth
Wild Sketches
Wild Sketches II
Wild sketches III
Dome (junto con Rómulo Royo)
Dead Moon

Para que aprecies su arte,no hay nada mejor que unas imagenes de su obra,empiezo con unas caratulas de videojuegos clasicos de 8 bits y al gunas portadas de CIMOC donde sus dibujos fueron portada,despues ya pongo wallpaper variados de sus libros,espero que las disfruteis.

Portadas de Videojuegos
Game Over. Imagine | Dinamic (1987)


Navy Moves. Dinamic (1988)


Portadas CIMOC





Arts











Para finalizar una entrevista del 2004 de Luis Royo.

¿Cómo decides el motivo de tu siguiente pintura?

Esto depende mucho si se trata de un trabajo de encargo o de un proyecto personal que esté realizando en esos momentos.

En general, una idea algo abstracta ya va rondando meses por la mente antes de realizarla, al tiempo que estoy en otros trabajos. Luego paso a hacer bocetos a lápiz que también van quedando por los cajones, hasta que llego a decidir que esa idea está bastante clara como para pintarla definitivamente. Algunas de estas ideas quedan en el cajón sólo con los primeros trazos de lápiz sin que las realice, porque esa señal de semáforo en verde no aparece nunca.

En un trabajo de encargo es diferente, es mas continuado, primero te documentas, pasas a los bocetos hasta que encuentras el encaje y la idea que tu crees mejor y pasas a pintarlo, incluso teniendo en cuenta que has de adaptarte a unas fechas.

Mirar una de tus obras siempre crea historias en la mente acerca de las personas que ves y cómo han llegado a esa situación concreta. Cuando haces tu trabajo, ¿ves sólo la imagen o es toda la historia que tienes en tu cabeza la que queda capturada en esa imagen única?

Normalmente imagino en primer lugar un mundo y una estética, porque busco una llamada para los ojos del espectador. En este mundo coloco la figura que es el eje, e incluso intento encontrar un pequeño elemento principal (puede ser una mirada, la posición de unos dedos, o la empuñadura de una espada) que sea como el anzuelo, el primer punto llamativo a partir del cual la vista pueda pasear luego por toda la imagen, dándole en detalles más perdidos las claves o la descripción de ese pequeño universo.

¿Las personas de tus pinturas son reales para ti? ¿Tienen nombres? ¿Historias? ¿Futuros?

Generalmente sí, incluso en ocasiones pertenecen a pequeños cuentos que uno imagina antes de dormir e incluso a veces quedan pequeños apuntes de historias imaginarias con respecto a esa ilustración por los papeles sueltos del estudio.

Aunque todo esto no es matemático y algunas veces uno imagina una composición, la considera con fuerza y la realiza acto seguido.

La dinámica de tus imágenes es principalmente erótica y muy a menudo peligrosa, muy violenta. (Algunos otros motivos parecen relacionados con portadas de libros, y obviamente la elección del motivo no es totalmente tuya). Incluso los que parecen tranquilos y "bonitos" a primera vista, son tan potentes en una segunda mirada que cualquier palabra sería adecuada excepto "bonito". Incluso tus pinturas más hermosas y "calmadas" tienen como mínimo un detalle inquietante. ¿Puedes explicarnos por qué no haces imágenes puramente "bonitas"?

Desde luego que es así. En ningún momento busco la belleza desde un punto de vista dulce y cándido, sino una belleza compleja que busca sus orígenes en el subconsciente y por lo tanto están llenas de fantasmas y de sueños oscuros. La conexión que busco con el espectador nunca es para ofrecerle una estética suave sino para bucear juntos en nuestras partes más oscuras e incluso siniestras.

¿Cuánto tiempo trabajas en una de tus imágenes en color?

Es muy difícil establecer un tiempo fijo, porque en unas aparecen varios personajes y mucho decorado, mientras que en otras pueden ser únicamente un primer plano. Hay algunas que la idea surge en muy poco tiempo, sin embargo otras, como hemos comentado antes, llevan tiempo rondando por la cabeza y se hacen bastantes apuntes previos.

Para no eludir la pregunta, si buscáramos una media podríamos estar hablando de una semana realizando la ilustración definitiva a color.

¿Trabajas en diferentes proyectos al mismo tiempo o te concentras en una sola pintura?

El mundo profesional te obliga a trabajar en varios proyectos a la vez por cuestiones de fechas y estudios editoriales. Algunas veces pretendo que algún proyecto se haga de manera continuada y sin otros trabajos que lo interrumpan, pero a la hora de la verdad muy pocas veces se consigue.

Lo que no interrumpo es una pintura que ya esté en el tablero, en ese momento no me gusta nada realizar otra cosa entremedio.

¿Trabajas con modelos u otras fuentes de inspiración o todo lo que hay en tu obra es de tu imaginación?

Para el trabajo de encargo cuyas bases (por ejemplo de una novela) te pueden transportar a cualquier época histórica, un ilustrador debe tener una buena biblioteca de documentación. Pero también en otros trabajos fantásticos y personales es bueno según la idea a realizar, que ésta se ejecute documentada, porque por ejemplo, el que las luces de esa imagen nos de una visión creíble, es fundamental.

En mi trabajo utilizo en ocasiones fuentes de documentación para diferentes elementos, esas fuentes pueden ayudar a una imagen o a un pequeño fragmento que deseas potenciar. Con el transcurso de los años la documentación deja de ser tan necesaria. Actualmente bastantes de mis pinturas no tienen documentación, esto no quiere decir que en esta profesión deje de ser siempre positivo el poseer una buena biblioteca de información.

Sobre trabajar con modelos, hasta ahora no ha sido así, pero uno de los proyectos futuros es hacer un libro donde aparecerán sesiones fotográficas sobre los modelos y luego su conversión y derivación a imágenes y mundos fantásticos.

¿Cómo es tu relación con las pinturas terminadas? ¿Las estudias (años) después? ¿Pueden ser una inspiración para ti mismo? ¿Alguna vez las llegas a considerar definitivamente terminadas?

Normalmente cuando una imagen sale del tablero de dibujo me olvido de ella y dejo que siga su camino, porque yo ya estoy enfrascado con la que ocupa su lugar en el tablero. Pero también es cierto que después de años, si por algún motivo editorial me encuentro con algunas imágenes del pasado y tengo oportunidad me pongo a retocar.

Nunca he sabido cuando está totalmente acabada una pintura y siempre encuentro algo que retocar, y eso en mi vida cotidiana se convierte en un problema. Lo que ocurre más frecuentemente es que esa imagen la requiera la editorial y haya que mandarla, con lo que llega un momento que desaparece de tu vista, pero sino, tengo que decidir un día esconder esa imagen por los cajones para comenzar otra y así olvidarme de ella.

¿Qué pinturas tuyas son tus preferidas? ¿Hay obras que hiciste hace años que ya no te gusten?

Las preferidas siempre son ese proyecto que aún tienes en la cabeza y que no has comenzado a realizar. Sobre las pinturas del pasado, por supuesto que hay muchas que hoy no me gustan.

¿Guardas todos los esbozos y las imágenes, incluso las pequeñas, o tiras las cosas que no te gustan?

Siempre estoy ocupado en los nuevos proyectos sobre el tablero de dibujo, pero fuera del tablero hay una persona que se encarga de archivar todo lo que hago, también la editorial mantiene un seguimiento. Por tanto sí que se guarda y archiva cualquier apunte de los que hago, aunque yo no sepa la mayor parte de las veces donde están.

¿Cómo definirías la diferencia entre tu obra de hace años y la de ahora?

En el largo camino de años dedicado a esta profesión, uno pasa por diferentes etapas. En los primeros años la obra era más heroica y más colorista. Poco a poco se fue tornando más sombría tanto de concepto, de contenidos y de tonos. Después entré en unos años muy inclinado hacia el erotismo. Y en estos últimos tiempos estoy por envolver cada imagen con cuentos, referencias literarias que te inspiran, acumular más los apuntes e ideas que te rondan antes de realizarla, cambiar de soportes y técnica, etc.. Resumiendo, recrearme más en la idea y el proceso para esperar nuevas sorpresas en el tablero y que el trabajo mantenga para uno mismo esa incertidumbre necesaria.

Mucha gente lleva tus obras, o partes de ellas, como tatuaje. ¿Has conocido a alguien que lleve un tatuaje tuyo? ¿O has visto fotografías?

Por supuesto, en algunas ferias se han acercado personas que llevaban un tatuaje de alguna imagen mía. Y en revistas he visto fotos también.

¿Qué piensas al respecto? ¿Te gusta?

Que una imagen propia aparezca en cualquier soporte, sea un libro, una revista, una camiseta y por supuesto en la piel siempre es gratificante,

¿Te parece que la piel es un buen "lienzo" para tus imágenes?

No es necesario decir lo personal que es la piel y por tanto que alguien decida sobre su propia piel llevar una imagen mía da a entender el nivel de complicidad con mi trabajo de quien se hace ese tatuaje. Es como comprobar que alguien tiene en su interior las mismas obsesiones o sueños.

En la revista "Piercing" mostraron imágenes de "Skinfactory", de Alemania, que copiaron uno de tus cuadros más famosos a la realidad. Pintaron e hicieron piercing por toda la espalda de una mujer joven, exactamente de la misma manera en que tú habías pintado a la mujer en el cuadro. ¿Eso te gustó? ¿Alguna vez habías pensado que tus obras (especialmente ésta) se convertirían en algo real o pensabas que era (im)posible?

Cuando realizo una imagen intento que sea creíble en su fantasía y que sus elementos o adornos pudieran existir. Pero en el caso de la pintura que estamos hablando, nunca imaginé que alguien la llevara a la realidad. Me sorprendió mucho ver esas fotografías del proceso en la revista, me dejó boquiabierto, por la complejidad de piercing que llevaba en la espalda, que alguien hubiera decidido llevarlas a cabo y al mismo tiempo resultó agradable verlas.

¿Eres consciente (si se piensa con qué frecuencia los artistas jóvenes intentan copiar tu estilo) de que te has convertido en uno de los maestros del arte fantástico? ¿Qué te parece? ¿Lo consideras la recompensa por toda una vida de trabajo, o simplemente te irrita?

No puede irritarme que a alguien le guste mi trabajo hasta el punto de copiar el estilo, personalmente es un halago.

¿Crees que intentar copiar el estilo de otro artista es una buena forma de aprender? ¿O hay maneras mejores?

Copiar literalmente no sé si es positivo. Las influencias sí que son algo normal y se han dado en toda la historia de la pintura.

Personalmente yo me inclino por enriquecerse con diferentes fuentes: pintura, cine, literatura, libros de imágenes, de fotografía, videos musicales, etc. Todo en su conjunto te va haciendo un poso para que a la hora de realizar un trabajo, éste sea rico.

Pero sobre el aprendizaje es complicado dar unas pautas generales, cada uno tiene una forma de pasar este período.